Top 100 - Post Impressionismo
Post-impressionismo: 100 dipinti e i loro artisti
100 dipinti di Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat e dei loro contemporanei: date, collezioni, analisi e fonti per comprendere le loro ricerche.
Questa selezione editoriale esplora il colore espressivo, la costruzione della forma, il simbolismo e il neo-impressionismo. Ogni avviso presenta l'opera illustrata e le informazioni del suo originale, con un riferimento per ulteriori indagini.
Dopo il momento, la visione
Comprendere il post-impressionismo attraverso 100 dipinti
Il post-impressionismo riunisce artisti con metodi diversi, piuttosto che un gruppo con un programma comune. Questa selezione comprende anche i loro precursori e le loro estensioni, in particolare i Nabis. Permette di confrontare paesaggi, ritratti, nature morte e scene della vita moderna.
Per leggere un'opera, osservare la direzione dei tasti, i contorni, i rapporti cromatici e il modo in cui i piani organizzano lo spazio.
Il nome è associato alla mostra organizzata da Roger Fry a Londra nel 1910. Fonte: Gallerie nazionali della Scozia.
Passare alle immaginiLe opere nella selezione
Opere in immagini
Van Gogh, Seurat, Cézanne, Gauguin e Toulouse-Lautrec aprono il percorso con le opere che hanno dato al movimento i suoi volti più famosi.
#1 1. Notte Stellata
Un cipresso scuro collega il villaggio al vasto cielo azzurro, attraversato da curve e aloni gialli. A destra, la luna illumina la composizione; i tetti e il campanile rimangono molto più tranquilli dei movimenti del cielo. Van Gogh dipinse questa tela a Saint-Rémy nel giugno 1889, prendendo spunto dalla vista dalla sua stanza di Saint-Paul-de-Mausole. Tuttavia, lo svolge in diverse sessioni durante il giorno. Il villaggio non era visibile da questa finestra e il cipresso è vicino: osservazione, memoria e invenzione si combinano. I tocchi spessi e i contrasti di azzurro e giallo conferiscono al paesaggio una forza espressiva che va oltre la restituzione della luce osservata.
Fonte: MoMA - La notte stellata, 472.1941.
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#2 2. Una domenica pomeriggio sull'Île de la Grande Jatte
Su un'isola della Senna vicino a Parigi, gli escursionisti si alzano, si siedono o si sdraiano tra gli alberi. La grande coppia a destra, la bambina in bianco al centro e le barche a sinistra organizzano questa scena di svago. Da vicino, le forme si frammentano in punti e piccoli tocchi di colori giustapposti; a distanza, riacquistano la loro coerenza. Seurat preparò la tela attraverso numerosi studi e lavorò dal 1884 al 1886, poi aggiunse il bordo colorato nel 1888 -1889. L'immobilità delle figure e la rigorosa costruzione evocano un fregio più che un momento tratto dal vero. Presentata all'ultima mostra impressionista del 1886, l'opera segna l'affermazione del neoimpressionismo.
Fonti: Art Institute di Chicago - avviso 1926.224 ; Seurat e la realizzazione di La Grande Jatte.
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#3 3. La Montagne Sainte-Victoire - versione Edimburgo
Un albero spoglio in primo piano attraversa la vista dei suoi rami sottili, di fronte ai campi della valle dell'Arc e alla sagoma blu di Sainte-Victoire. Cézanne osserva questo paesaggio da sud-ovest di Aix-en-Provence. Le ocre della terra e le verdi delle colture rispondono ai grigio-azzurri della montagna; le chiavi costruiscono aree di colore piuttosto che una prospettiva completamente continua. Nonostante il suo aspetto vicino all'acquerello, quest'opera è dipinta ad olio, in strati sottili, con parti della preparazione luminosa lasciate visibili. Il museo offre una datazione intorno al 1890 -1895, difficile da specificare ulteriormente. Questa versione di Edimburgo mostra come Cézanne associa l'osservazione del paesaggio a una ricerca di struttura ed equilibrio.
Fonte: Gallerie nazionali della Scozia - Montagne Sainte-Victoire, NG 2236.
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#4 4. Da dove veniamo? Cosa siamo? Dove andiamo?
Questa tela monumentale riunisce figure di età diverse in un paesaggio dominato da blu e verdi scuri. A destra, un bambino è disteso vicino a un gruppo seduto; al centro, una figura in piedi alza le braccia verso un frutto; a sinistra, una persona rannicchiata mette le mani alla testa. Un idolo blu e diversi animali completano questa composizione del fregio. Gauguin dipinse l'opera a Tahiti nel 1897-1898 e inscrisse le tre domande del titolo nell'angolo in alto a sinistra. Il dipinto offre una meditazione sulle origini, l'identità e il destino umano. Le sue forme semplificate e i suoi colori molto lontani dal naturalismo sostengono questa dimensione simbolica, la cui interpretazione rimane aperta.
Fonte: Museo delle Belle Arti, Boston - avviso 36.270.
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#5 5. Al Moulin-Rouge
Nel Al Moulin-RougeToulouse-Lautrec rappresenta i clienti abituali del famoso stabilimento parigino. Un tavolo riunisce diverse figure del suo seguito, mentre sul retro La Goulue le sistema i capelli. L'artista si dipinse sullo sfondo, vicino al cugino, molto più alto di lui. A destra il volto della cantante May Milton, tagliato dal bordo della tavola, assume una tinta verde sotto l'illuminazione artificiale. Le diagonali della balaustra e del pavimento conducono lo sguardo verso questo gruppo. Le cornici brusche e i colori acidi conferiscono alla scena una tensione particolare: questo ritratto collettivo descrive la vita notturna di Montmartre tanto quanto esplora gli effetti della luce elettrica.
Fonte: Art Institute di Chicago - Al Moulin Rouge.
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#6 6. La stanza di Van Gogh ad Arles - La versione di Orsay
Un letto giallo occupa la destra di La stanza di Van Gogh ad Arles. Due sedie, un piccolo tavolo con articoli da toeletta e alcuni dipinti completano questo interno senza carattere. Le pareti bluastre contrastano con il legno giallo e la copertura rossa; le linee del pavimento conducono lo sguardo verso la finestra verde. Van Gogh cerca di suggerire riposo attraverso la semplicità dei mobili e le superfici colorate, nonostante una prospettiva instabile. L'immagine presentata corrisponde alla versione ridotta del museo d'Orsay, eseguito a Saint-Rémy nel settembre 1889 per la sua famiglia nei Paesi Bassi. Riprende una prima composizione dipinta ad Arles nell'ottobre del 1888, oggi custodita ad Amsterdam; un'altra versione è a Chicago.
Fonte: Musée d'Orsay - La stanza di Van Gogh ad Arles.
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#7 7. I giocatori di carte - Versione Courtauld
Due uomini si affrontano in Giocatori di carte. Quello a sinistra fuma la pipa; il suo compagno guarda dall'alto il suo gioco. Le loro mani e le carte chiare si stagliano su un tavolo arancione e un interno scuro. Cézanne costruisce le figure con tocchi colorati che danno peso a giacche, cappelli e braccia. Nessun gesto spettacolare interrompe la loro concentrazione: l'equilibrio dei volumi porta il palcoscenico. La versione illustrata appartiene alla Courtauld Gallery di Londra. Fa parte di un insieme di cinque dipinti realizzati negli anni 1890, con diverse composizioni. I braccianti agricoli della tenuta di famiglia di Cézanne posarono per questi personaggi.
Fonte: Courtauld Gallery - I Giocatori di Carte.
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#8 8. Visione dopo il sermone
Nel Visione dopo il sermonele donne bretoni in copricapi bianchi occupano il primo piano, alcune con le mani giunte o gli occhi abbassati. Al di là di un tronco che corre diagonalmente attraverso la composizione, Jacob lotta con un angelo su una vasta superficie rossa. Questa scena biblica rappresenta la visione che le donne immaginano dopo aver ascoltato il sermone, piuttosto che un evento osservato prima di loro. Gauguin dipinse l'opera a Pont-Aven nel 1888. Semplifica le forme, ne rafforza i contorni e utilizza un colore che si discosta dal paesaggio naturale. Il contrasto tra i copricapi luminosi e il rosso sul retro rende visibile la separazione tra i fedeli e la loro esperienza interiore: il dipinto dà forma all'immaginario religioso.
Fonte: Gallerie nazionali della Scozia - Visione dopo il sermone.
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#9 9. Una nuotata ad Asnières
Nel Una nuotata ad Asnières, uomini e ragazzi riposano sulle rive della Senna. Al centro, una figura seduta di profilo lascia le gambe nell'acqua; a destra, un giovane bagnante si mette le mani alla bocca. Cane accompagna l'uomo disteso in primo piano. Ponti e camini di fabbrica collocano queste attività ricreative nella periferia industriale di Parigi. Seurat compose questa grande tela nella bottega basandosi su studi preparatori: l'immobilità delle figure conferisce alla scena una solennità insolita. Dipinto nel 1884, precede il suo puntinismo sistematico, anche se certe parti sono state riprese con punti colorati. Rifiutato al Salon, fu poi presentato al Salon des artistes indépendants.
Fonte: Galleria Nazionale - Una nuotata ad Asnières.
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#10 10. Terrazza café la sera
Nel Terrazza café la seravan Gogh rappresenta la Place du Forum di Arles sotto un cielo stellato. A sinistra, la tenda e la facciata del caffè sono bagnate di luce gialla; tavoli e sedie sporgono sul ciottolato, mentre i passanti attraversano la strada. Il blu profondo del cielo e delle case fa risaltare i toni caldi della terrazza. Van Gogh dipinge questa scena sul posto, di notte, per osservare i colori sotto l'illuminazione a gas. Datata settembre 1888, l'opera mostra come costruisce un paesaggio notturno con intensi contrasti colorati. La prospettiva della strada collega il trambusto del caffè alla distanza oscura, conferendo al dipinto la sua profondità.
Fonte: Museo Kroeller-Müller - Terrazza del caffè serale.
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#11 11. I Grandi Bagnanti - versione londinese
Undici donne si riuniscono in una radura sotto un cielo azzurro I Grandi Bagnanti. In piedi, seduti o sdraiati, formano un insieme compatto le cui inclinazioni rispondono ai tronchi degli alberi. In primo piano, un piccolo cane scuro e frutti compongono una natura morta. Nonostante il titolo, in questa versione non compaiono specchi d'acqua. Cézanne collega i corpi al paesaggio attraverso contorni blu e ripetuti tocchi di colore; le figure sembrano appartenere allo stesso materiale del suolo e del fogliame. L'opera illustrata è quella della National Gallery di Londra. Appartiene alle tre grandi composizioni di bagnanti lavorate alla fine della sua vita, le cui date rimangono approssimative.
Fonte: Galleria Nazionale - I Grandi Bagnanti.
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#12 12. Il Cristo Giallo
Un Cristo dal corpo giallo domina un paesaggio bretone in Il Cristo Giallo. Ai suoi piedi si riuniscono donne in costumi regionali e copricapi bianchi, mentre i campi e gli alberi assumono toni di ocra e rosso. Gauguin si ispira a un crocifisso ligneo dipinto del XVII secolo custodito nella cappella Trémalo, nei pressi di Pont-Aven. Egli colloca questa immagine religiosa in un ambiente contemporaneo piuttosto che in una ricostruzione della Terra Santa. I contorni marcati e le superfici semplificate avvicinano la figura al paesaggio. Il giallo diventa un mezzo simbolico di espressione: il colore collega il corpo di Cristo alla campagna autunnale e alla pietà degli abitanti.
Fonte: Museo d'arte di Buffalo AKG - Il Cristo giallo.
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#13 13. Il Circo
Un cavaliere sta su un cavallo bianco in Il Circo, mentre un acrobata esegue una figura a destra. In primo piano, un clown visto da dietro apre la scena verso la pista. Seurat contrappone le curve del cavallo, i corpi e la frusta alle file regolari di spettatori, le cui sagome rimangono immobili. Piccoli tocchi di rosso, giallo e blu costruiscono una luce dominata da toni chiari. Anche il bordo blu dipinto sulla tela contribuisce al bilanciamento del colore. Presentata al Salon degli artisti indipendenti nel 1891, l'opera rimase incompiuta alla morte del pittore. Estende la sua ricerca sugli spettacoli popolari e sugli effetti espressivi della linea e del colore.
Fonte: Musée d'Orsay - Il Circo.
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#14 14. Jane Avril - ritratto del Clark Art Institute
Jane Avril appare in busto, con indosso un grande cappello scuro e avvolto in un mantello viola. I suoi capelli rossi incorniciano un viso pallido, con gli occhi socchiusi e le labbra rosse. Toulouse-Lautrec focalizza l'attenzione su questa espressione sobria, mentre i tocchi verticali dello sfondo contrastano con le ampie pieghe del capo. Il cartone rimane percepibile tra le linee colorate, conferendo al ritratto la sua leggerezza di esecuzione. Dipinta intorno al 1891-1892, quest'opera del Clark Art Institute raffigura la famosa ballerina del Moulin Rouge fuori da un numero di scena. Testimonia il duraturo interesse di Lautrec per Jane Avril, di cui realizzò diversi ritratti e manifesti: qui, il costume incornicia la persona piuttosto che mostrare la sua danza.
Fonte: Clark Art Institute - catalogo dei dipinti europei, nota Jane Avril, n. 331.
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#15 15. Il cestino delle mele
Un cesto inclinato rivela le sue mele a sinistra di Il cestino delle mele. Al centro si trova una bottiglia scura, mentre un piatto di biscotti impilati occupa la destra. I frutti sparsi sulla tovaglia bianca collegano questi oggetti. Cézanne non cerca una prospettiva perfettamente uniforme: i bordi del tavolo si spostano e la bottiglia si inclina, creando un equilibrio che appare instabile. I tocchi spessi aggiungono volume alle mele e alle pieghe del tessuto; segni più leggeri lasciano aperti alcuni contorni. Dipinta intorno al 1893, questa natura morta trasforma gli oggetti di uso quotidiano in un problema di costruzione pittorica. La firma, visibile in basso a sinistra, è poco comune nell'opera del pittore.
Fonte: Art Institute di Chicago - Il cestino delle mele.
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#16 16. Girasoli - versione Londra
Quindici girasoli riempiono un vaso in questa versione del Girasoli. Alcuni fiori conservano i loro petali, mentre altri mostrano teste cariche di semi: il bouquet riunisce diverse fasi della loro vita. Van Gogh lavora con i gialli, dai toni pallidi dello sfondo alle ocra arancioni dei fiori, con alcuni accenti verdi e blu. La spessa vernice dà rilievo ai semi, mentre le linee allungate seguono gli steli e i petali. Questa tela fu dipinta ad Arles nell'agosto 1888 per decorare la Casa Gialla prima dell'arrivo di Gauguin. Appartiene alla National Gallery di Londra; altre versioni sono conservate in particolare ad Amsterdam e Filadelfia. Sul vaso compare la firma "Vincent".
Fonte: Galleria Nazionale - Les Tournesols.
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#17 17. Natura morta con mele - versione MoMA
Le mele rosse, gialle e verdi sono distribuite su una tovaglia bianca Natura morta con le mele. Una tazza di frutta, un bicchiere e una brocca spiccano davanti a una tenda a motivi geometrici e uno sfondo marrone. Le pieghe del tessuto conducono lo sguardo tra questi oggetti, ma i due lati del tavolo non seguono una prospettiva uniforme. Cézanne lascia anche visibili e incompleti contorni certe zone di tela. Queste discrepanze attirano l'attenzione sulla costruzione del dipinto tanto quanto sui frutti rappresentati. La versione illustrata, dipinta tra il 1895 e il 1898, appartiene al MoMA di New York. Mostra come una natura morta possa diventare ricerca sulla percezione delle forme, della luce e dello spazio.
Fonte: MoMA - Natura morta con mele.
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#18 18. Quando ti sposi?
Dipinto durante il primo soggiorno di Gauguin a Tahiti, Quando ti sposi? riunisce due donne sedute davanti a un paesaggio luminoso. In primo piano, una giovane donna indossa un fiore bianco vicino all'orecchio, un corpetto chiaro e un indumento rosso con grandi motivi. Dietro di lei, una seconda figura, vestita di rosa, alza una mano. Contorni scuri e ampie zone di giallo, verde e blu organizzano lo spazio senza cercare una prospettiva rigorosamente realistica. Il titolo tahitiano, Nafea faa ipoipo, introduce una domanda sul matrimonio, senza dare una certa storia. Questa scena esprime anche l'immagine idealizzata di Tahiti costruita dal pittore europeo; non costituisce un documento neutro sulla vita polinesiana.
Fonti: Museo Reina Sofia ; La Collezione Phillips, rapporto del 2016.
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#19 19. Il sogno
Nel Il sogno, una donna nuda giace su un divano rosso nel mezzo di una giungla: questo mobile familiare rende la scena immediatamente strana. Foglie sagomate con precisione, fiori immensi e animali creano un'ambientazione quasi senza profondità. Due leoni guardano verso lo spettatore, mentre un musicista suona uno strumento a fiato al centro della vegetazione. Rousseau ha spiegato questo improbabile incontro con il sogno della donna trasportata nella foresta. Il pittore, che non aveva mai viaggiato fuori dalla Francia, si ispirò particolarmente alle piante e agli animali osservati al Jardin des Plantes di Parigi. Questa combinazione di attenta osservazione e invenzione annuncia l'interesse dei surrealisti per le immagini oniriche.
Fonte: Museo d'Arte Moderna, Scheda da sogno.
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#20 20. Il porto di Saint-Tropez
In questa visione di Porto di Saint-Tropez, Signac riunisce i pescatori in primo piano, le barche a vela ormeggiate e le facciate dominate dal campanile. La curva della banchina guida lo sguardo verso l'acqua, i cui riflessi riflettono i rosa, i gialli e gli azzurri del cielo e delle barche. Il colore è diviso in tocchi visibili, più larghi dei minuscoli puntini: la loro giustapposizione conferisce alla superficie un aspetto musivo. Signac scoprì Saint-Tropez nel 1892 e vi sviluppò le sue ricerche neoimpressioniste. Dipinta nel 1901 -1902, questa monumentale composizione mostra come essa rafforzi i contrasti tra le chiavi per conferire al colore una forza espressiva che annuncia una certa ricerca da parte degli animali selvatici.
Fonte: Museo Nazionale d'Arte Occidentale, Tokyo.
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#21 21. Il caffè notturno
Il caffè notturno rappresenta l'interno del Café de la Gare, Place Lamartine ad Arles, una struttura per tutta la notte dove soggiornò Van Gogh. Il biliardo occupa il centro, mentre i clienti rimangono sparsi lungo le pareti e un uomo in bianco affronta lo spettatore. Linee di parquet e mobili obliqui accentuano la profondità, ma rendono anche lo spazio instabile. Il rosso delle pareti contrasta con i verdi del soffitto e del biliardo; le lampade diffondono grandi aloni gialli. Van Gogh spiegò al fratello Theo che questi contrasti dovrebbero esprimere le passioni umane e il pericolo di un luogo dove perdersi. Il colore trasforma così una scena quotidiana in un'immagine di disagio.
Fonte: Galleria d'arte dell'Università di Yale.
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#22 22. Lo Spirito dei Morti guarda
Nel Lo Spirito dei Morti guarda, intitolato anche Manaolo tupapau, una figura sdraiata su un letto guarda di lato, mentre dietro di lei appare una figura vestita di nero. Il foglio giallo chiaro, il corpo dai toni marroni e la parete viola formano forti contrasti. Gauguin associava le forme bianche sullo sfondo a luci soprannaturali e presentava la silhouette come uno spirito dei morti. Questa spiegazione deve, tuttavia, essere intesa come il racconto del pittore, piuttosto che come una descrizione oggettiva delle credenze tahitiane. Il museo ricorda che la modella, Teha'amana, era un'adolescente e sottolinea il rapporto di potere tra lei e l'artista. L'ambiguità dello sguardo impedisce che il dipinto si riduca a una semplice illustrazione di una leggenda.
Fonte: Museo d'arte AKG di Buffalo.
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#23 23. Il boemo addormentato
Nel Il boemo addormentatouna donna vestita con lunghe strisce colorate dorme in un paesaggio desertico illuminato dalla luna. Vicino a lei riposano un mandolino e una brocca; un leone si avvicina al suo volto, senza che il dipinto mostri un attacco. Il corpo allungato, la linea di montagna e la striscia d'acqua organizzano orizzontalmente la composizione, a cui rispondono la criniera dettagliata e la coda sollevata dell'animale. I contorni netti e le ampie zone di colore conferiscono alla scena una quiete quasi irreale. La combinazione di queste presenze insolite crea tensione tra sonno tranquillo e possibile pericolo. Rousseau costruisce così un'immagine enigmatica, dove lo spettatore immagina cosa potrebbe accadere senza trovare una risposta definitiva.
Fonte: Museo d'Arte Moderna.
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#24 24. Campo di grano con corvi
Nel Campo di grano con corvi, il formato molto allungato conferisce una scala insolita al paesaggio. Tre sentieri dai toni rossi e marroni attraversano il grano giallo, sotto un cielo azzurro carico di masse scure. Gli uccelli neri, ridotti a poche pennellate, scandiscono l'incontro del campo e del cielo. I tasti spessi seguono direzioni diverse: scuotono le orecchie, scavano i sentieri e rinforzano i movimenti delle nuvole. Dipinto ad Auvers-sur-Oise nel luglio 1890, questo dipinto appartiene alle ultime settimane di lavoro di Van Gogh. Il museo ci ricorda, tuttavia, che la sua identificazione come dipinto definitivo è un mito persistente. La sua tensione visiva non basta quindi a farne un certo messaggio di addio.
Fonte: Museo Van Gogh, foglio di lavoro ; testi della collezione permanente.
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#25 25. Il ragazzo con il gilet rosso - versione MoMA
In questa versione di Ragazzo con il gilet rossoil giovane modello si siede di profilo, con le mani appoggiate sulle ginocchia. Il suo gilet luminoso contrasta con la camicia chiara, le ombre blu delle maniche e la tenda scura. Cézanne costruisce il viso e gli abiti con tocchi di colore che danno volume senza cancellare la superficie dipinta. Il MoMA identifica il modello in Michelangelo di Rosa, un giovane italiano che l'artista ha raffigurato in quattro dipinti e due acquerelli. La postura sobria lascia che il colore e i contorni portino l'espressione del ritratto. Questo dipinto apparteneva a Claude Monet, che lo considerava il miglior dipinto della sua collezione: una testimonianza della sua ammirazione per Cézanne.
Fonte: Museo d'Arte Moderna.
Scopri →Arles, Tahiti, Pont-Aven e Montmartre mostrano come una tavolozza possa raccontare un'emozione, un luogo o un'idea senza imitare obbedientemente la realtà.
#26 26. La ninna nanna - versione del Museo Stedelijk
La Ninna nanna rappresenta Augustine Roulin, moglie del postino Joseph Roulin, amico di Van Gogh ad Arles. Seduta su una poltrona, tiene in mano una corda che permette ad una culla posta all'esterno del telaio di oscillare. Il suo vestito verde, i capelli arancioni e il pavimento rosso si stagliano davanti alla carta da parati floreale, i cui motivi conferiscono al ritratto una dimensione decorativa. I contorni scuri semplificano i volumi e uniscono la figura in basso. Il titolo si riferisce sia alla donna che spacca sia alla ninna nanna musicale: Van Gogh voleva evocare consolazione e maternità. Ha ripreso questa composizione in cinque dipinti. La versione qui riprodotta appartiene al Museo Stedelijk e porta il riferimento F507.
Fonti: Museo Van Gogh, avviso su Google Arts & Culture ; Van Gogh Museum Journal, recensione della versione.
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#27 27. Notte stellata sul Rodano
Dipinto ad Arles nel settembre 1888, Notte stellata sul Rodano riunisce il cielo, le luci della città e i loro riflessi sul fiume. Il blues domina la tela, mentre l'illuminazione a gas disegna lunghe strisce gialle e arancioni sull'acqua. In primo piano, una coppia cammina sulla riva; la sua presenza dà una scala umana alla vasta scena notturna. Le chiavi visibili animano la superficie senza sciogliere edifici o barche. Van Gogh cercò allora di tradurre i colori della notte, che considerava particolarmente ricchi. Questa veduta del Rodano precede il paesaggio stellato di Saint-Rémy dipinto nel 1889: ha una sua composizione e un'atmosfera più serena.
Fonte: Museo d'Orsay.
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#28 28. Autoritratto con orecchio fasciato
Van Gogh dipinge questo Autoritratto orecchio fasciato nel gennaio 1889, poco dopo il suo rilascio dall'ospedale di Arles. Il suo cappello foderato di pelliccia e il mantello verde evocano il freddo dell'inverno; la benda rimane ben visibile. Poiché l'immagine è dipinta da uno specchio, inverte il lato dell'orecchio ferito. Sullo sfondo, una tela su cavalletto e una stampa giapponese ricordano la sua opera e le sue fonti di ispirazione. Tocchi brevi, contorni scuri e rapporti di verde, blu e giallo conferiscono al viso una presenza intensa. Courtauld interpreta questi segni di studio come espressione della sua determinazione a continuare a dipingere: il ritratto mostra anche l'artista al lavoro dopo la crisi.
Fonte: Courtauld Gallery, collezione online.
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#29 29. L'incantatore di serpenti
Un suonatore di flauto si staglia in una sagoma scura davanti a un ruscello illuminato dalla luna. Attorno ad esso, serpenti si mescolano con rami e lunghe foglie; in primo piano appare un uccello. Rousseau costruisce una vegetazione abbondante dai contorni netti e dalle molteplici sfumature di verde. Il contrasto tra il cielo pallido, l'acqua quasi immobile e la massa scura delle piante conferisce alla scena un'atmosfera silenziosa e inquietante. La musica sembra riunire nello stesso incanto la figura umana e gli animali. Dipinta nel 1907, questa giungla immaginaria unisce un disegno meticoloso ad una composizione asimmetrica: la sua stranezza spiega l'interesse che l'opera susciterà tra i surrealisti.
Fonte: musée d'Orsay, avviso di The Snake Charm.
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#30 30. La Chiesa di Auvers-sur-Oise
Van Gogh rappresenta la chiesa di Auvers dall'abside, sotto un cielo azzurro intenso che si trova nelle sue finestre. Le pareti e i tetti ondulano, mentre due sentieri girano intorno all'edificio; una donna avanza su quello di sinistra. I tocchi curvi del cielo e le rapide linee del terreno danno movimento a questa massiccia architettura. Dipinto durante il suo soggiorno ad Auvers nel 1890, il dipinto trasforma un edificio riconoscibile in una presenza quasi viva. Il contrasto tra l'ombra della chiesa e i percorsi netti rafforza questa tensione. Come fa notare il museo d'Orsay, Van Gogh privilegia qui un'espressione personale del motivo: le deformazioni e il colore annunciano le ricerche dei Fauves e degli Espressionisti.
Fonte: musée d'Orsay, avviso della Chiesa di Auvers-sur-Oise, vista dall'abside.
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#31 31. Mangiapatate
Cinque persone condividono un pasto in un interno modesto, sotto una lampada sospesa. A sinistra le mani si muovono verso il piatto di patate; a destra una donna versa la bevanda nelle tazze. La figura vista da dietro avvicina lo spettatore al tavolo. I marroni, i verdi scuri e la luce giallastra mettono in risalto volti e mani segnati dal lavoro. Realizzato a Nuenen nel 1885, questo dipinto appartiene al periodo olandese di Van Gogh, prima della sua abbagliante tavolozza di Arles. Il pittore voleva mostrare ai contadini il cui pasto era il frutto della lavorazione della terra. I loro tratti volutamente ruvidi e la sobrietà dell'arredamento conferiscono a questa scena quotidiana una dignità senza idealizzazioni.
Fonte: Museo Van Gogh, istruzioni per Potato Eaters.
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#32 32. Le Poseuse
Tre figure nude occupano l'officina: una siede da dietro, un'altra si trova di fronte allo spettatore, la terza regola una calza. Abbigliamento, scarpe e accessori richiamano il lavoro quotidiano delle modelle. A sinistra, Seurat raffigura parte del suo dipinto La Grande Jatte, creando un dialogo tra la scena ricreativa all'aperto e lo studio del corpo in bottega. Piccoli tocchi di colore costruiscono tonalità della pelle, nonché pareti e tessuti. Presentata nel 1888, questa grande tela risponde a critiche che limitavano il puntinismo al paesaggio. Seurat mostra che il suo metodo può trattare il nudo, uno dei principali argomenti della tradizione artistica, con composizione riflessa e luce unificata.
Fonte: Fondazione Barnes, presentazione delle Poseuse.
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#33 33. Mandorla in fiore
Rami di mandorla ricoperti di fiori bianchi si dispiegano contro un cielo blu turchese, senza orizzonte o paesaggio intorno a loro. L'inquadratura ravvicinata e i contorni forti conferiscono alle loro ramificazioni una presenza decorativa, nutrita dall'interesse di Van Gogh per le stampe giapponesi. I fiori chiari, talvolta sfumati di rosa, spiccano tra le linee sinuose dei rami. Dipinto a Saint-Rémy-de-Provence nel febbraio 1890, questo dipinto è un dono destinato al nipote appena nato, Vincent Willem, figlio di Théo e Jo. Il mandorlo, che fiorisce presto e annuncia la primavera, qui simboleggia una vita che sta iniziando. Questo contesto familiare spiega la scelta del motivo e dà un significato preciso all'atmosfera luminosa dell'opera.
Fonte: Museo Van Gogh, avviso del Mandorlo in Fiori.
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#34 34. Ritratto di Ambroise Vollard
Ambroise Vollard siede a gambe incrociate, un'opera messa sulle sue ginocchia. Il suo abito marrone, il papillon e il viso leggermente inclinato gli conferiscono una presenza sobria. La finestra a sinistra illumina parte del suo corpo, che si staglia sullo sfondo scuro della bottega. Cézanne costruisce il viso e il capo con tocchi e inquadrature colorate: variazioni di ocra, verde e blu danno volume senza cancellare la materia pittorica. Realizzato nel 1899, il ritratto testimonia il rapporto tra il pittore e il mercante che aveva sostenuto la sua opera fin dal 1895. Secondo il racconto di Vollard, essa richiedeva 115 sedute di posa, segno dell'osservazione paziente richiesta da Cézanne.
Fonte: Musei di Parigi, avviso del Ritratto di Ambroise Vollard.
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#35 35. La casa dell'impiccato
Un sentiero in pendenza attraversa il primo piano, tra un terrapieno e case con pareti chiare. Alberi senza foglie sollevano i tronchi davanti alle facciate, mentre un'apertura tra gli edifici rivela il villaggio e le colline. Cézanne articola lo spazio attraverso le diagonali del terreno, i tetti e le masse di vegetazione. Tocchi spessi conferiscono alle pareti e al pavimento una consistenza ruvida; verdi, ocra e blu uniscono i diversi piani. Dipinto ad Auvers-sur-Oise nel 1873, questo paesaggio è una delle tre opere che Cézanne presentò alla prima mostra impressionista del 1874. Aiuta a comprenderne l'evoluzione: l'osservazione del paesaggio è già accompagnata da ricerche sulla costruzione delle forme e dello spazio.
Fonte: musée d'Orsay, avviso da La Maison du pendu.
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#36 36. Una moderna Olympia
Un servo solleva un lenzuolo davanti a una donna nuda su un letto, mentre un uomo vestito di nero assiste alla scena, seduto da dietro. Il sipario, il tavolo rosso, il bouquet e il cagnolino conferiscono a questo interno un aspetto teatrale. Cézanne riprende il soggetto dell'Olympia di Manet, ma aggiunge uno spettatore al dipinto e trasforma la composizione con tocchi rapidi e colori luminosi. Questa versione del 1873-1874 differisce da una prima interpretazione più oscura. Presentato alla prima mostra impressionista nel 1874, suscitò incomprensione e scherno. Il suo interesse risiede tanto in questo dialogo con Manet quanto nel suo stile libero: le forme rimangono abbozzate, lasciando visibile il gesto del pennello e l'evoluzione di Cézanne verso una tavolozza più leggera.
Fonte: musée d'Orsay, avviso di Un'Olympia Moderna.
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#37 37. Il Talismano
Grandi spiagge gialle, verdi, rosse e blu compongono questo piccolo paesaggio di Bois d'Amour a Pont-Aven. Possiamo ancora riconoscere gli alberi, la sponda obliqua, i loro riflessi nell'Aven e un mulino in basso a destra. Sérusier semplifica le forme e favorisce i rapporti cromatici, piuttosto che la modellazione e la profondità tradizionali. L'iscrizione sul rovescio colloca l'esecuzione nell'ottobre 1888, sotto la direzione di Gauguin. Riportato a Parigi, questo panel diventa un riferimento per i giovani artisti che formeranno i Nabis. La sua forza sta in questa nuova libertà data al colore. Spesso paragonato alle origini dell'astrazione, Il Talismano rimane comunque legato a un paesaggio osservato: è la sua traduzione pittorica che si trasforma.
Fonte: musée d'Orsay, Talisman avviso.
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#38 38. Gli Alyscamp
Un canale azzurro attraversa questo paesaggio autunnale, fiancheggiato da aranci e masse verde scuro. Sulla riva avanzano tre figure, mentre sul retro appare la torre della chiesa di Saint-Honorat. Nonostante il titolo, Gauguin lascia fuori dai giochi i sarcofagi della famosa necropoli di Arles: predilige il paesaggio e i suoi colori. Creato nel 1888, questo dipinto appartiene al soggiorno durante il quale lavorò con Van Gogh. Le diagonali del canale e del sentiero conducono lo sguardo verso i camminatori poi verso la chiesa. I tocchi tratteggiati e i colori fortemente accentuati trasformano il sito in una composizione decorativa. Questa personale interpretazione del paesaggio illustra il sintetismo di Gauguin, che semplifica le masse senza rinunciare a un motivo identificabile.
Fonte: musée d'Orsay, Alyscamps avviso.
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#39 39. Mele e Arance
Mele e arance si dividono tra un piatto, una tazza in piedi e le pieghe di una tovaglia bianca. A destra una brocca con decorazione floreale risponde ai tessuti a motivi che occupano lo sfondo. Cézanne contrappone la rotondità dei frutti agli angoli e alle curve del lino: ogni oggetto partecipa alla costruzione dell'insieme. Rossi, gialli e arancioni si distinguono contro i bianchi sfumati di blu e viola. Le inclinazioni delle stoviglie e il supporto rendono lo spazio leggermente instabile, pur mantenendo un equilibrio tra le masse. Dipinta intorno al 1899, questa natura morta mostra come Cézanne rinnovi un soggetto familiare attraverso il colore, il volume e l'organizzazione dei piani. Osservare le pieghe aiuta a seguire le connessioni tra diversi gruppi di frutti.
Fonte: musée d'Orsay, istruzioni per Mele e arance.
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#40 40. Ia Orana Maria
A destra, una donna in un pareo rosso porta un bambino sulle spalle; le loro aureole li identificano con Maria e Gesù. Due donne si prendono per mano al centro, mentre un angelo con le ali gialle appare a sinistra. I frutti in primo piano, gli alberi in fiore e le grandi superfici colorate collocano questa scena in un paesaggio tahitiano immaginato da Gauguin. Dipinta nel 1891, durante il suo primo soggiorno a Tahiti, l'opera traspone l'iconografia cristiana in questo nuovo quadro. Il titolo, tradotto come "Ave Maria", associa il saluto tahitiano alle parole dell'Annunciazione. Questo incontro di riferimenti religiosi e figure polinesiane fa parte dell'invenzione del pittore: non va letto come una testimonianza diretta delle credenze locali.
Fonte: Metropolitan Museum of Art, avviso di Ia Orana Maria.
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#41 41. Due donne tahitiane sulla spiaggia
Due donne in piedi occupano quasi tutta l'altezza della tela. Quella di sinistra è vista di fronte, mentre l'altra le presenta le spalle e gira la testa verso di lei. Tra le loro sagome appare un cane nero. Sullo sfondo, mare, spuma e spiaggia formano bande blu, bianche e rosa che contrastano con i toni marroni e verdi delle figure. I contorni forti e le superfici cromatiche semplificate conferiscono alla scena una costruzione decorativa. Conservato a Honolulu e datato 1891 -1894 dal museo, questo dipinto appartiene al periodo del primo soggiorno tahitiano di Gauguin. Invita ad osservare come il pittore organizza i corpi e il paesaggio, piuttosto che considerare la scena come una descrizione oggettiva della vita locale.
Fonte: Museo d'Arte di Honolulu, presentazione di Due Nudi su una spiaggia di Tahiti.
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#42 42. Il Heckling
Una fila di ballerini esegue il ruckus, una forma di pettegolezzo, davanti ai musicisti e al direttore d'orchestra visti in primo piano. Gambe sollevate, gonne alzate e volti sorridenti compongono un ritmo ripetuto. Seurat organizza questa energia attraverso una rete di piccoli tocchi di colore e linee ascendenti: il manico del contrabbasso, i gesti, i baffi e persino i motivi floreali estendono il movimento verso l'alto. I toni caldi evocano l'illuminazione artificiale nella stanza. Dipinta nel 1889 -1890, questa scena trasforma lo spettacolo in una composizione attentamente calcolata. Permette di comprendere il puntinismo oltre i punti visibili: colori, direzioni e ripetizioni partecipano insieme all'espressione della musica e della danza.
Fonte: Museo Kroeller-Müller, avviso dal Chahut.
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#43 43. Tenda, brocca e compostaio
Una brocca di arenaria si trova a sinistra di un albero di composta carico di frutti. Tra di loro, una tovaglia bianca forma grandi pieghe che passano attraverso il tavolo e cadono sul davanti del mobile. La tenda scura bilancia la massa di frutta a destra. Cézanne costruisce i volumi con variazioni di verde, rosso e giallo, pur enfatizzando i contorni di certi oggetti. L'inclinazione del produttore di composta e le direzioni della biancheria creano tensione in questa disposizione familiare. Datato 1893 -1894 dal catalogo ragionato, questa natura morta permette di seguire il modo in cui i colori organizzano lo spazio. I frutti isolati collegano i due gruppi principali, mentre il contrasto tra tessuto chiaro e sfondo scuro guida l'occhio attraverso la composizione.
Fonte: il catalogo ragionato di Cézanne, FWN 854.
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#4444. Rossa (La toilette)
1889 · Olio su cartone · 67 × 54 cm · Museo d'Orsay, Parigi
Nel Rosso, noto anche con il titolo Il gabinettoToulouse-Lautrec rappresenta una donna seduta da dietro, circondata da sedili in lino e rattan. I suoi capelli di rame saltano all'occhio tra i grigi, i blu e i gialli dell'interno. La vista a volo d'uccello e l'inquadratura ravvicinata danno accesso a un momento quotidiano, senza posa solenne. I tocchi rapidi lasciano respirare il cartone e favoriscono il movimento delle linee piuttosto che un motivo liscio. L'influenza di Degas si riconosce in questo soggetto intimo e nella composizione fuori centro. Il contrasto tra il retro chiaro, i tessuti accartocciati e i mobili crea uno spazio ristretto dove conta più la presenza del modello che i dettagli dell'arredamento.
Fonte: Museo d'Orsay, RF 2242.
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#4545. L'iride
1890 · Olio su cartone assottigliato montato su tela · 62.2 × 48.3 cm · National Gallery of Canada, Ottawa
L'iride concentra lo sguardo su un fiore blu che emerge da un groviglio di foglie ed erbe. In questo formato verticale, Van Gogh segue gli steli con linee flessibili e li contrappone ai brevi tocchi in basso. Gli accenti verde-giallo, blu e marrone conferiscono alla vegetazione una presenza vibrante. Non c'è né orizzonte né vaso: l'inquadratura avvicina lo spettatore al suolo e rende la pianta l'intero soggetto del dipinto. Il fiore in alto a sinistra tiene l'attenzione, mentre le lunghe foglie conducono l'occhio verso il basso. Questo studio conservato a Ottawa si distingue dal grande massiccio dell'iride dipinto da Van Gogh e conservato al Getty Museum.
Fonte: Galleria Nazionale del Canada, su Google Arts & Culture.
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#4646. Dottor Paul Gachet
1890 · Olio su tela · 68.2 × 57 cm · Musée d'Orsay, Parigi
Van Gogh dipinse il dottor Paul Gachet ad Auvers-sur-Oise, dove il medico lo accompagnò durante gli ultimi mesi della sua vita. La testa sorretta dalla mano, il volto inclinato e lo sguardo lontano compongono un atteggiamento meditativo. La giacca e lo sfondo presentano blu profondi, abbinati al rosso-arancio del tavolo. Una branca del digitale richiama l'attività medica del modello. In questa versione custodita al museo d'Orsay, il fiore poggia direttamente sulla tavola e i libri presenti nell'altro ritratto non compaiono. I contorni premuti e i tasti orientati danno tensione a questa posa ferma. Gachet, amante dell'arte e incisore a sua volta, compare così in una relazione che va oltre il mero incontro tra un medico e il suo paziente.
Fonte: Museo d'Orsay, RF 1949 16.
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#47 47. Fatata te Miti
1892 · Olio su tela · 67,9 × 91,5 cm · National Gallery of Art, Washington
Fatata te Miti, o Vicino al mare, mostra due donne che si preparano a fare il bagno e un pescatore che tiene una lunga lancia nell'acqua. Un tronco scuro attraversa la composizione e separa le figure dal primo piano. La costa rosa e viola, i fiori arancioni e l'acqua verde intenso costituiscono un paesaggio dai colori audaci piuttosto che una descrizione naturalistica. Le silhouette semplificate e i contorni sinuosi conferiscono alla scena il suo ritmo decorativo. Dipinto durante il primo soggiorno di Gauguin a Tahiti, questo dipinto riflette la sua visione idealizzata dell'isola. Fornisce così più informazioni sull'immaginazione del pittore che sulla vita reale delle persone rappresentate. La composizione invita a seguire le curve del tronco, poi i movimenti dei bagnanti verso l'acqua.
Fonte: Galleria Nazionale d'Arte, 10.1963.149.
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#48 48. La perdita dell'infanzia
1890 -1891 · Olio su tela · 89,5 × 130,2 cm · Chrysler Museum of Art, Norfolk
Nel La perdita dell'infanziaGauguin combina una figura allungata, una volpe e un paesaggio costiero bretone per costruire una scena simbolica. Il corpo chiaro attraversa il primo piano, mentre i campi rosa, le colline verdi e il mare blu si sovrappongono in ampie fasce. Una piccola processione segue un sentiero in lontananza. Il museo interpreta il covone di grano vicino ai piedi come un segno di fertilità e la volpe come una presenza minacciosa. Questi elementi conferiscono al dipinto un'ambiguità che il paesaggio da solo non basterebbe a spiegare. Prodotto prima della partenza di Gauguin per Tahiti, l'opera mostra già il suo gusto per i colori semplificati e per le immagini il cui significato va oltre la rappresentazione di un luogo.
Fonte: Museo d'arte Chrysler, 71.510.
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#49 49. Il pino Bonaventura
1893 · Olio su tela · 65,7 × 81 cm · Museo di Belle Arti, Houston
Nel Le Pin de Bonaventure a Saint-Tropez, opus 239, Signac regala ad un pino ombrello la presenza di un vero e proprio ritratto. La sua grande corona scura occupa quasi tutta la tela, sopra un pendio verde e una baia dove passano poche barche a vela. I puntini blu e verdi del fogliame sono animati da accenti gialli e arancioni; il cielo sereno rimane visibile tra i rami. Questa giustapposizione di colori caratterizza il metodo divisionista del pittore. Dopo uno studio sul modello, Signac ha effettuato la composizione finale nel workshop. La silhouette organizzata in arabeschi unisce osservazione e stilizzazione. Dipinto poco dopo la sua scoperta di Saint-Tropez, il dipinto mostra come la luce mediterranea nutra il suo lavoro sui contrasti colorati e sull'equilibrio delle forme.
Fonte: Museo delle Belle Arti, Houston, 74.142.
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#50 50. Il giorno di Dio
1894 · Olio su tela di lino · 68 × 91 cm · Art Institute of Chicago
Il giorno di Dio, o Mahana no atua, organizza un paesaggio attorno a una statua eretta al centro. Le figure camminano, portano offerte o riposano su una banca rosa. In primo piano, un bagnante è circondato da due figure sdraiate e grandi spiagge d'acqua nei colori giallo, blu, verde e arancione. Queste forme ad incastro conferiscono alla superficie un ritmo quasi astratto. Gauguin realizzò il dipinto a Parigi dopo il suo primo soggiorno a Tahiti: compose da ricordi e fantasia. Non descrive quindi una cerimonia osservata sul posto. I gruppi di personaggi, il paesaggio semplificato e i colori insoliti costruiscono un mondo simbolico, dove gesti e forme contano tanto quanto il soggetto religioso annunciato dal titolo.
Fonte: Istituto d'arte di Chicago, 1926.198.
Scopri →Volumi cézanniani, punti neoimpressionisti e solidi sintetisti offrono diverse risposte alla stessa domanda: cosa fare dopo la sensazione immediata?
#51 51. Aria Serale
Intorno al 1893 · Olio su tela · 116 × 166 cm · Musée d'Orsay, Parigi
Aria Serale raffigura donne che riposano e si muovono sotto i pini, vicino a un mare dove passano le barche a vela. Tronchi verticali scandiscono il paesaggio, mentre riva e orizzonte allungano la scena orizzontalmente. Cross sceglie un tranquillo tardo pomeriggio e compone un paesaggio ideale piuttosto che un momento fugace. Per questo grande formato, allarga il tocco neoimpressionista: i piccoli rettangoli colorati producono un effetto mosaico, particolarmente visibile negli abiti, nel terreno e nel fogliame. L'opera risponde al progetto decorativo proposto dall'amico Signac nel 1893. Allora offertogli, viene scoperto da Matisse in casa sua e nutre i suoi pensieri per Lusso, calma e voluttà. La sua luce combina così il resto delle figure e la vibrazione colorata.
Fonte: Museo d'Orsay, RF 1976 81.
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#52 52. Il Golfo di Marsiglia visto da Estaque
1878 -1879 · Olio su tela · 59,5 × 73 cm · Museo d'Orsay, Parigi
In questa visione di Golfo di Marsiglia da L'Estaqueézanne guarda la baia dalle alture della riva. Case, muri e un camino industriale occupano il primo piano, tra rocce e vegetazione. Oltre si estendono l'acqua blu, la catena di colline e una striscia di cielo limpido. Queste quattro aree organizzano il paesaggio in massa piuttosto che in una prospettiva regolare. Gli elementi costruiti sono evidenziati con contorni scuri, mentre i tocchi giustapposti animano gli alberi e le pietre. Il contrasto tra la costa densa e il mare più liscio conferisce stabilità alla composizione. Conservata al museo d'Orsay, questa versione del 1878 -1879 appartiene all'eredità di Caillebotte e si distingue dalle vedute successive dello stesso golfo.
Fonte: Museo d'Orsay, RF 2761.
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#53 53. Al Salon di rue des Moulins
1894 · Olio su tela · 111 × 132 cm · Museo Toulouse-Lautrec, Albi
Nel Al Salon di rue des Moulins, Toulouse-Lautrec rappresenta l'aspettativa delle donne in un bordello parigino. Il museo collega questa scena al momento della visita medica. Un grande divano rosso occupa il primo piano, mentre le figure sedute sembrano ciascuna assorbita nei loro pensieri. La gamba allungata e il braccio del modello più vicino tracciano una diagonale che organizza lo spazio; la curva del divano chiude la composizione. Rossi tenui, rosa e verdi rafforzano l'impressione di un interno chiuso. Lautrec individualizza volti e atteggiamenti piuttosto che ridurre le donne a un gruppo anonimo. Il dipinto mostra così un tempo di attesa e di fatica, lontano dal movimento degli spettacoli parigini che rappresenta anche il pittore.
Fonte: Museo Toulouse-Lautrec, Albi.
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#54 54. Sala da pranzo campagna
1913 · Olio su tela · 164,47 × 205,74 cm · Minneapolis Institute of Art
Sala da pranzo campagna rappresenta l'interno di La mia carovana, la casa acquistata da Bonnard a Vernonnet nel 1912. Una grande tovaglia bianca occupa il primo piano; i gatti scivolano tra le sedie e Marthe appare alla finestra. La porta aperta e la finestra comunicano la stanza con il giardino. Gli arancio-rossi delle pareti e degli indumenti rispondono ai verdi e agli azzurri del paesaggio, mentre i tocchi liberi collegano gli oggetti attraverso il colore. Bonnard dipinge qui a memoria, favorendo la sua personale percezione di questo spazio familiare. Il dipinto combina così una scena domestica riconoscibile con un'organizzazione colorata in cui l'interno e l'esterno sembrano condividere la stessa luce.
Fonte: Istituto d'arte di Minneapolis, 54.15.
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#55 55. Giovane donna che si fa la polvere
Circa 1888 -1890 · Olio su tela · 95,5 × 79,5 cm · Courtauld Gallery, Londra
Giovane donna che si fa la polvere rappresenta Madeleine Knobloch, compagna di Seurat, davanti a un piccolo specchio posto su un tavolo. La sua mano regge uno sbuffo, mentre lo sguardo accompagna il gesto del lavaggio. Il panino, il corpetto e la gonna costruiscono grandi volumi arrotondati, ai quali rispondono le curve dei mobili. I punti colorati coprono il viso, gli abiti e lo sfondo blu fantasia. Questo metodo divisionista anima le superfici mediante la giustapposizione di toni contrastanti. Il soggetto intimo si distingue dalle grandi scene di svago del pittore: Seurat qui dà una scala monumentale a un gesto quotidiano. L'accordo tra le forme del corpo, lo specchio e l'arredamento trasforma questa scena familiare in una composizione attentamente organizzata.
Fonte: Galleria Courtauld, P.1932. SC.396 ; commento museale.
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#56 56. Inglese al Moulin Rouge
1892 · Olio su cartone · 85.7 × 66 cm · Metropolitan Museum of Art, New York
L'inglese al Moulin Rouge mostra William Tom Warrener, pittore inglese e amico di Toulouse-Lautrec, che conversa con due donne. Il cappello a cilindro e l'abito scuro formano una silhouette compatta, affrontando abiti chiari e volti ravvicinati. L'inquadratura taglia le figure e concentra la scena sul loro scambio. Le linee rapide, le aree visibili di cartone e gli accenti gialli e viola danno al dipinto l'aspetto di uno studio vivido. Il museo interpreta l'orecchio arrossato di Warrener come un segno di imbarazzo in questa conversazione. Realizzato nel 1892, il dipinto prepara una litografia a colori dello stesso soggetto. Rivela il passaggio tra l'osservazione dei regolari del Moulin Rouge e la semplificazione grafica che caratterizza le stampe di Lautrec.
Fonte: Museo Metropolitano d'Arte, 67.187.108.
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#57 57. Petti con fiori rossi
1899 · Olio su tela · 94 × 72,4 cm · Metropolitan Museum of Art, New York
Conservato al Metropolitan Museum con il titolo Due tahitianiquesto dipinto è anche conosciuto come Petti con fiori rossi. Due figure vicine occupano quasi tutto il formato verticale: una presenta un piatto di frutta, l'altra regge dei fiori e si volge verso il compagno. Tessuti blu, tonalità della pelle e accenti rossi si stagliano su uno sfondo semplificato della pianta. I gesti e gli sguardi conferiscono alla scena una presenza silenziosa. Il museo evidenzia che Gauguin costruisce una visione immaginaria di Tahiti, nutrita da riferimenti al nudo classico e dalla sua visione delle donne indigene. L'opera si legge quindi come una composizione idealizzata piuttosto che come un documento sulla loro vita quotidiana. L'inquadratura serrata focalizza l'attenzione su questa relazione tra figure, offerte e colore.
Fonte: Museo Metropolitano d'Arte, 49.58.1.
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#58 58. Le Muse
Maurice Denis traspone antiche muse in un giardino popolato da donne in abiti contemporanei. In primo piano, tre figure sedute formano un cerchio di conversazione; Marthe, sua moglie, appare due volte in questo gruppo. I tronchi dei castagni scandiscono la superficie, mentre le foglie e i tessuti creano motivi che rispondono tra loro. La scena è ispirata alla terrazza di Saint-Germain-en-Laye, ma i colori e le silhouette semplificate le conferiscono un'atmosfera di legno sacro. Le aree pianeggianti e i contorni assertivi mostrano il gusto dei Nabis per la pittura decorativa. Osservate soprattutto il modo in cui gli abiti estendono gli arabeschi del fogliame: il paesaggio e i personaggi insieme compongono lo stesso ritmo.
Fonte: museo di Orsay, Le Muse.
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#59 59. La guerra
Una donna che brandisce una spada e una torcia attraversa un paesaggio devastato su un cavallo nero. Sotto di lei, le vittime disseminano il terreno e i corvi invadono la scena. Rousseau personifica così la guerra, senza raccontare una battaglia identificabile. I rami spezzati, le nuvole rosse e le grandi sagome scure conferiscono a questa allegoria una violenza che il suo design semplificato rende ancora più sorprendente. Il museo d'Orsay ricorda il peso della guerra franco-prussiana e della Comune nel suo contesto. Presentata al Salon des Indépendants nel 1894, l'opera divise la critica. Osservare il contrasto tra lo slancio orizzontale del cavallo e l'immobilità dei corpi: l'intera composizione oppone il potere distruttivo alle sue conseguenze umane.
Fonte: museo di Orsay, La guerra.
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#60 60. Bagnare con le braccia tese
Su una sponda ocra, un nuotatore in pugili si trova di fronte allo spettatore, un braccio sollevato e l'altro abbassato. Dietro di lui, acqua e cielo occupano quasi tutta la superficie, con alcune costruzioni lontane. Cézanne modella il corpo con tocchi spessi e contorni scuri, piuttosto che con una sfumatura liscia. Gli azzurri e i viola del paesaggio si trovano nelle ombre della figura, mentre i toni caldi collegano la sua pelle alla riva. Questo piccolo dipinto appartiene a diversi studi dello stesso motivo: la versione riprodotta è il numero FWN 912 del catalogo ragionato. Guarda le diagonali delle braccia e il sostegno delle gambe: la loro asimmetria conferisce al personaggio una presenza tesa e scultorea.
Fonte: Paul Cezanne Company, catalogo ragionato, FWN 912.
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#61 61. Arearea no varua ino
Due donne occupano il primo piano: una, seduta di profilo, guarda a destra; l'altra appoggia la testa sulla mano. Un albero scuro separa le loro sagome da figure lontane e spiagge dai colori vivaci. Il titolo tahitiano, scritto in basso a sinistra, è tradotto come "I divertimenti dello spirito maligno" nella guida del Saint Louis Art Museum. A questa presenza associa la figura scolpita che domina la scena a sinistra. Gauguin, tuttavia, dipinse questa visione in Bretagna, dopo il suo ritorno da Tahiti, e dedicò il dipinto alla sua padrona di casa, Madame Gloanec. Le ombre viola e il fondo rosa trasformano il paesaggio in un arredamento simbolico: esprimono un'atmosfera piuttosto che una luce naturale.
Fonte: Saint Louis Art Museum, guida alla mostra Paul Gauguin: The Art of Invention.
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#62 62. La montagna Sainte-Victoire con il grande pino
I tronchi e i rami dei pini incorniciano una vasta pianura, oltre la quale spicca la Sainte-Victoire. In questa versione conservata a Washington, Cézanne divide i campi, le case e i sentieri in piccole aree di verde e ocra. La montagna, più fredda e leggera, chiude la vista senza schiacciare il paesaggio. A destra, le arcate del viadotto ricordano che questo panorama provenzale comprende anche la moderna ferrovia. Le chiavi rimangono visibili e la tela appare in alcuni punti: la costruzione è dovuta tanto agli intervalli quanto alle masse dipinte. Osservate come i rami in primo piano accompagnano le linee di rilievo, mentre le diagonali della pianura conducono gradualmente lo sguardo verso la vetta.
Fonte: La Collezione Phillips, Mont Sainte-Victoire.
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#63 63. Mistero cattolico
Maurice Denis traspone l'Annunciazione in un interno contemporaneo. A destra, la Vergine siede vicino a una finestra; davanti a lei, un diacono che regge un libro sostituisce il tradizionale angelo, accompagnato da due chierichetti. Le aureole e il giglio bianco mantengono i segni del sacro, mentre i mobili e il paesaggio visibili all'esterno avvicinano la scena della vita familiare. Toni pallidi, ombre bluastre e accenti rossi organizzano una luce più spirituale che naturalistica. Questo dipinto è la seconda di sei versioni del soggetto e la più grande secondo il museo. Osservate le verticali delle candele, del giglio e della finestra: esse conferiscono a questo incontro silenzioso una struttura quasi cerimoniale.
Fonte: museo dipartimentale Maurice Denis, Mistero cattolico.
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#64 64. Un campo di grano con cipressi
Il grano dorato è al centro della scena, mentre i cipressi sollevano la loro silhouette scura a destra. Tra di loro, ulivi e rilievi bluastri collegano la terra al cielo coperto di nuvole arrotolate. Van Gogh dipinse questo paesaggio dalla natura durante il suo soggiorno a Saint-Rémy; gli spessori della vernice rendono visibili i movimenti del pennello in ogni parte della scena. I tocchi ricurvi degli alberi rispondono alle ondulazioni del cielo, mentre le spighe costituiscono un'ampia fascia di luce. La versione riprodotta è quella del Metropolitan Museum, prodotta durante l'estate del 1889, prima che la composizione fosse ripetuta in autunno. Osserva il contrasto tra la verticalità dei cipressi e i ritmi orizzontali del campo: dà equilibrio a questo paesaggio vibrante.
Fonte: Metropolitan Museum of Art, Campo di grano con cipressi.
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#65 65. Nudo nel bagno
Marthe, la moglie di Bonnard, è sdraiata in una vasca da bagno vista dall'alto. Il suo corpo si differenzia gradualmente dall'acqua, poiché i riflessi e i colori avvicinano la pelle all'arredamento. I gialli della parete e della finestra contrastano con gli azzurri del pavimento e i viola delle ombre; il bordo bianco della vasca da bagno traccia una diagonale che mantiene la leggibilità dello spazio. Questa scena familiare diventa così una ricerca di luce e percezione. Bonnard ritorna spesso al motivo del bagno, lavorato a partire da note e ricordi piuttosto che in una posa continua davanti alla modella. Osserva i piccoli tocchi delle tessere: la loro ripetizione anima la superficie e dialoga con i contorni più incerti della figura.
Fonte: museo d'Arte Moderna di Parigi, Nudo nella vasca da bagno.
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#66 66. Castello Nero
L'edificio color ocra appare dietro una fitta vegetazione, i cui tronchi e fogliame confondono l'accesso al paesaggio. Cézanne contrappone le calde facciate ai profondi verdi e blu del cielo, ma gli stessi ampi tocchi attraversano l'architettura e gli alberi. Questa unità di elaborazione riunisce i piani invece di scavare in una prospettiva regolare. Il castello di Noir, vicino ad Aix-en-Provence, è un edificio neogotico che evoca antiche rovine; Cézanne ne fece un soggetto di pittura in diverse occasioni. La versione illustrata, custodita al MoMA, appartiene agli ultimi anni della sua carriera. Osserva le finestre e i tratti di pareti che emergono tra i rami: bastano poche forme geometriche per rendere riconoscibile l'edificio in questo schema di colori.
Fonte: Museo d'Arte Moderna, Castello Nero.
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#67 67. Il pasto
Una grande dieta a base di banane rosse, un contenitore di legno e della frutta dominano la tavola, davanti a tre bambini dagli sguardi divergenti. Gauguin associa qui natura morta e figure umane, a una sproporzione volontaria che conferisce agli oggetti una presenza imponente. Dipinto nei primi mesi del suo soggiorno a Tahiti, il dipinto non descrive un pasto osservato: il museo d'Orsay sottolinea la natura arrangiata di questa composizione. La tovaglia bianca, le ombre viola e il coltello obliquo costruiscono lo spazio, mentre le strisce colorate del muro appiattiscono lo sfondo. Intitolata anche "Le banane", l'opera conserva un elemento di enigma. Osservate la figura isolata nell'apertura a destra: estende lo spazio e accentua la distanza tra i personaggi.
Fonte: musée d'Orsay, Les Bananes, noto anche come Le Repas.
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#68 68. Il clown Cha-U-Kao
Toulouse-Lautrec mostra Cha-U-Kao in un interno, impegnato a regolare il suo costume piuttosto che esibirsi davanti a un pubblico. Il grande colletto giallo e il nastro della sua acconciatura saltano subito all'occhio, tra il capo scuro, il divano rosso e la parete verdastra. L'inquadratura ravvicinata fa del dorso e del gesto delle braccia gli elementi principali del ritratto. Ballerino, clown e talvolta acrobata, Cha-U-Kao appartiene al mondo del Nouveau Cirque e del Moulin Rouge; il museo d'Orsay lega il suo nome d'arte alle parole "chahut" e "chaos". Le rapide pennellate conferiscono al costume un'energia quasi indipendente dal personaggio. Osservate il piccolo volto in alto a sinistra: ritratto o riflesso, la sua presenza rimane ambigua.
Fonte: museo Orsay, Clownesse Cha-U-Kao.
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#69 69. Piramide di teschi
Quattro teschi si raggruppano in una piramide, con una testa chiara eretta in alto e forme più scure che sostengono l'insieme. Lo sfondo quasi nero e il tessuto bianco ne accentuano il volume senza distrarre l'occhio. Cézanne modula le superfici ossee con tocchi di ocra, verde e grigio: il colore rivela cambiamenti di piano, mentre le orbite diventano incavi molto marcati. Il soggetto richiama la tradizione delle vanità, dove il cranio invita a pensare alla mortalità, ma la costruzione rimane innanzitutto una ricerca di relazioni tra le forme. Osservate i diversi orientamenti delle teste e le loro sovrapposizioni: esse danno una singolare densità a questa piccola natura morta, datata 1898 -1900 nel catalogo ragionato.
Fonte: Paul Cezanne Company, catalogo ragionato, FWN 874.
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#70 70. Ritratto di Alice Sèthe
Data: 1888 · Tecnica: olio su tela · Dimensioni: 195×98 cm· Collezione: museo dipartimentale Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye (PMD 978.13.1).
Alice Sèthe si trova in un lungo abito viola, davanti a uno specchio che mostra la sua acconciatura posteriore. La cornice dorata, la consolle e la scultura scura compongono un interno elegante, mentre il formato stretto accentua la verticalità della figura. Piccoli tocchi di blu, viola e giallo ravvivano il tessuto e l'arredamento; il viso conserva una luce più morbida. Secondo il Museo Maurice Denis, questo è il primo ritratto in cui Van Rysselberghe applica la tecnica neoimpressionista scoperta nei pressi di Seurat. La giustapposizione dei colori cerca di produrre la loro miscela nello sguardo dello spettatore. La tabella mostra così come il divisionismo possa costruire una presenza individuale, al di là del paesaggio.
Fonte: Museo Maurice Denis - Ritratto di Alice Sèthe.
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#71 71. La Torre Eiffel
Data: intorno al 1889· Tecnica: olio su pannello · Dimensioni: 24,1×15,2 cm· Collezione: Musei di Belle Arti di San Francisco, Legion d'Onore.
In questo piccolo pannello verticale, la Torre Eiffel occupa quasi tutta l'altezza dell'immagine. I suoi pilastri e i suoi pavimenti sono delineati in tocchi rossi e arancioni su un cielo azzurro pallido, mentre un albero, a sinistra, bilancia la sagoma del monumento. Seurat riduce i dettagli della struttura metallica per far risaltare le sue linee e i rapporti cromatici. I tasti rimangono visibili anche nel cielo e in primo piano: la luce è costruita per giustapposizione anziché per gradiente continuo. Dipinta intorno al 1889, quando la torre divenne il simbolo dell'Esposizione Universale, questa vista combina un soggetto dell'architettura moderna con la colorata ricerca del neoimpressionismo.
Fonti: Legion d'onore - foglio di lavoro ; Musei di Belle Arti di San Francisco - incontri.
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#72 72. La carriera di Bibémus
Data: intorno al 1895· Tecnica: olio su tela · Dimensioni: 92×73 cm· Collezione: Fondazione Barnes, Filadelfia (BF34).
In questa versione verticale di La carriera di Bibémus, un grande fronte roccioso occupa la destra, mentre pini e cespugli attraversano i blocchi in primo piano. Cézanne contrappone gli ocri arancioni della pietra ai verdi della vegetazione e alle ombre grigio-azzurre. Le superfici tagliate conferiscono al paesaggio una struttura angolare, animata dalle inclinazioni dei tronchi e dei rami. Lo sguardo passa da un piano all'altro senza seguire un percorso chiaramente tracciato: dai rapporti tra colori e masse nasce la profondità. Questo dipinto della Fondazione Barnes appartiene a vedute di cave vicino ad Aix-en-Provence, dove Cézanne esplora l'equilibrio tra solidità minerale e costruzione pittorica del paesaggio.
Fonte: Fondazione Barnes - Cava Bibémus, BF34.
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#73 73. A letto, bacialo
Data: 1892 · Tecnica: pittura a benzina su tavola · Dimensioni: 45,5×58,5 cm· Collezione: collezione privata, documentata da Christie's nel 2015.
Due donne si baciano a letto, i loro volti si chiudono tra cuscini e lenzuola. L'inquadratura stretta allarga quasi completamente la camera e focalizza l'attenzione sui bracci che abbracciano. Capelli rossi e tonalità calde della pelle si distinguono da un lino blu-grigio, ricoperto da linee rapide che prolungano il movimento dei gesti. La pittura ad essenza consente un materiale fluido, dove il disegno rimane molto presente. Questa versione di A letto, bacialo, elencato con il numero Dortu P.438, appartiene alle scene di coppie femminili dipinte da Toulouse-Lautrec nel 1892. Unisce l'osservazione di un momento intimo ad una composizione serrata attorno all'abbraccio.
Fonte: Christie's - A letto: Il bacio, Dortu P.438.
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#74 74. Il leone, affamato, si getta sull'antilope
Data: 1898/1905, secondo la Fondation Beyeler · Tecnica: olio su tela · Dimensioni: 200×301 cm· Collezione: Fondazione Beyeler, Riehen/Basilea.
In primo piano, un leone afferra un'antilope, mentre tra i rami compaiono una pantera e degli uccelli. Rousseau racchiude la scena in una fitta vegetazione, dove ogni foglia risalta con il suo contorno e la sua tonalità di verde. Il sole rosso, visibile sullo sfondo, aggiunge tensione a questo paesaggio quasi immobile. L'azione violenta contrasta con la precisione regolare del fogliame: la giungla assume l'aspetto di un'ambientazione costruita. Presentata al Salon d'Automne nel 1905, questa grande tela segna un passo importante nel riconoscimento di Rousseau. La Fondation Beyeler risale al 1898/1905; il suo studio di restauro ha individuato alterazioni i cui materiali sono compatibili con un intervento del pittore.
Fonti: Fondation Beyeler - lavori e restauro ; scheda mostra.
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#75 75. Port-en-Bessin, Ingresso del porto
Data: 1888 · Tecnica: olio su tela · Dimensioni: 54,9×65,1 cm· Collezione: Museo d'Arte Moderna, New York (126.1934).
Da un'altezza, Seurat guarda l'ingresso del porto: due dighe incorniciano il passo, dove circolano diverse barche a vela. Un pendio erboso occupa il primo piano, mentre l'orizzonte e le strutture portuali organizzano la parte superiore in fasce orizzontali. Vele chiare punteggiano l'acqua, attraversando zone più scure. Piccoli tocchi verdi, blu e gialli fanno vibrare le superfici senza cancellare la nitidezza della composizione. Il puntinismo viene qui utilizzato per costruire gli effetti della luce: i colori giustapposti si combinano nello sguardo. Il MoMA ricorda che Alfred H. Barr Jr. paragonò i veli e le ombre delle nuvole a melodie indipendenti unite nello stesso insieme armonioso.
Fonte: MoMA - Port-en-Bessin, Ingresso al Porto.
Scopri →Bonnard, Denis, Vuillard, Vallotton e opere tarde estendono l'esperienza verso l'intimo, l'arredamento e le avanguardie del XX secolo.
#76 76. Tempo grigio, Grande Jatte
Data: intorno al 1886-1888 · Tecnica: olio su tela · Dimensioni: 70,5×86,4 cm· Collezione: Metropolitan Museum of Art, New York (2002.62.3).
Gli alberi incorniciano una vista della Senna dall'isola di Grande Jatte. Al centro, una barca a camino e piccole imbarcazioni occupano l'acqua limpida; sull'altra sponda, i tetti rossi appaiono sotto un cielo coperto. La sponda obliqua in primo piano collega i tronchi e guida l'occhio verso il fiume. Seurat ravviva questa luce soffusa con una moltitudine di tocchi verdi, gialli, blu e viola: il clima grigio può così produrre una superficie ricca di colore. Il bordo dipinto, anch'esso divisionista, estende questi contrasti attorno al paesaggio. Secondo il Metropolitan Museum, fu aggiunto poco prima della prima mostra dell'opera nel 1889.
Fonte: Metropolitan Museum - Meteo grigio, Grande Jatte.
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#77 77. Te aa no areois - Il Seme degli Areoi
Data: 1892 · Tecnica: olio su tela· Dimensioni: 92,1×72,1 cm· Collezione: Museo d'Arte Moderna, New York (SPC14.1990).
Una figura seduta su un tessuto blu e bianco occupa il centro di questo paesaggio tahitiano. La sua posa immobile contrasta con i fiori rosa, le palme gialle e il terreno arancione; in primo piano, i frutti rinforzano gli accordi di colore. Le sagome scure delle montagne e le grandi superfici mal modellate conferiscono alla scena un carattere simbolico. Secondo il MoMA, Gauguin qui rappresenta Vairaumati, legato al mito originale degli Areoi, combinando riferimenti egiziani, giapponesi e giavanesi. Questa composizione inventata esprime la sua visione di un passato polinesiano idealizzato: la società Areoi era già scomparsa, su un'isola trasformata dalla colonizzazione. Il colore partecipa quindi pienamente alla costruzione della storia.
Fonte: MoMA - Il Seme degli Areoi.
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#78 78. Salve signor Gauguin
Nel Salve signor Gauguinuna barriera di legno separa un uomo in berretto da una donna bretone vista da dietro. Un piccolo cane bianco occupa il fondo del sentiero; dietro le figure, i campi colorati e gli alberi spogli organizzano la profondità. Dipinto nell'autunno del 1889 a Pouldu, in Bretagna, questo incontro riprende il titolo di Ciao signor Courbet, che Gauguin aveva scoperto a Montpellier con Van Gogh. La Galleria Nazionale di Praga evidenzia il contrasto tra il solenne ricevimento immaginato da Courbet e il più ordinario saluto, venato di ironia, di Gauguin. Guarda come la barriera struttura la composizione: riunisce i personaggi nell'immagine mantenendo una distanza tra loro.
Fonte: Galleria Nazionale di Praga - Ciao signor Gauguin.
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#79 79. Il bacino di Jas de Bouffan
Nel Il bacino di Jas de Bouffanézanne incornicia uno stagno nella tenuta di famiglia vicino ad Aix-en-Provence. L'aranciera appare a sinistra; grandi alberi, fiori e sculture fiancheggiano la piscina. I loro riflessi occupano tutto il primo piano, dove tocchi blu, verdi e ocra frammentano le forme. La linea orizzontale del bordo stabilizza la composizione, mentre i tronchi eretti e i getti d'acqua gli conferiscono il ritmo. Guarda i riflessi dei pilastri: i loro colori rispondono a quelli degli edifici e collegano le due metà dell'immagine. Questa versione, elencata FWN 92 e datata intorno al 1876, ci permette di osservare come Cézanne costruisce un paesaggio con rapporti cromatici e direzioni chiave.
Fonte: Paul Cezanne Company - catalogo ragionato, FWN 92. Il catalogo menziona 49 × 55 cm e riporta anche le misure dell'Ermitage: 46,1 × 56,3 cm.
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#80 80. La Bella Angela
La Bella Angela rappresenta Marie-Angélique Satre, albergatrice a Pont-Aven, in costume cerimoniale bretone. Gauguin inscrive il suo volto, copricapo e mani giunte in un grande medaglione, staccato da uno sfondo blu con motivi floreali. A sinistra, una ceramica antropomorfa di ispirazione peruviana accompagna il ritratto. Il museo d'Orsay lega questa cornice circolare alle stampe giapponesi: lo spazio diventa una superficie decorativa, dove i contorni scuri e le forme semplificate contano più della prospettiva tradizionale. Guarda il contrasto tra il copricapo chiaro e il capo scuro, poi la ripetizione delle curve del medaglione e della ceramica. Il modello rifiutò il dipinto; Degas, che lo ammirava, lo acquistò nel 1891. Queste reazioni opposte illuminano l'audacia del ritratto.
Fonte: Museo d'Orsay - La Belle Angèle, RF 2617.
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#81 81. Il seminatore - Versione di Winterthur
In questa versione di Seminatoreun contadino attraversa un vasto campo giallo, un sacco contro il corpo e un braccio teso per disperdere i semi. I solchi e i tocchi curvi occupano quasi tutta la tela; edifici e alberi vicino ad Arles formano una stretta striscia all'orizzonte. La silhouette scura e la sua ombra si stagliano dai gialli, dagli ocra e dai grigi bluastri del terreno. Nella sua lettera a Theo del 27 o 28 ottobre 1888, Van Gogh descrisse un nuovo studio con un paesaggio molto piatto e una figura piccola, poco dettagliata. L'edizione scientifica delle lettere identifica quest'opera come F 494 /JH 1617. Guarda come la dimensione ridotta del seminatore dà pieno spazio al campo.
Fonti: Museo Van Gogh e Istituto Huygens - lettera 714, nota 5 ; Kunst Museum Winterthur - lista delle opere di Villa Flora, n. 18.
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#82 82. Vista dall'officina di Vincent
Vista dall'officina di Vincent mostra un groviglio di tetti, camini e facciate parigine visti dall'alto. I lati grigio bluastri si sovrappongono; le piccole pentole arancioni del camino e qualche tocco verde spezzano la gamma sobria. Il cielo sereno occupa la parte superiore dell'immagine, mentre la vegetazione chiude il primo piano. Dipinto a Parigi nel giugno del 1886, questo piccolo olio su cartone invita ad osservare la città attraverso i suoi volumi e le sue superfici. Guarda come i camini verticali interrompono le diagonali dei tetti: forniscono punti di riferimento in uno spazio molto denso. I tocchi visibili seguono le pendici dei tetti e vivacizzano le facciate, senza ricorrere a una scena di strada o a personaggi.
Fonte: Museo Van Gogh - Vista dallo Studio di Vincent, s0095V1962.
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#83 83. La finestra aperta
Nel La finestra aperta, Bonnard porta una stanza nella sua casa in Normandia in dialogo con il giardino esterno. L'azzurro del cielo e i verdi del fogliame contrastano con i rossi e gli arancioni delle pareti e dei mobili. Una tenda scura taglia la parte superiore dell'apertura; la foglia chiara a destra estende la luce nella stanza. Una donna e un gatto appaiono discretamente nell'angolo in basso a destra. Guarda come queste presenze si scoprono dopo la finestra, che prima salta all'occhio. La Phillips Collection ricorda che Bonnard ha lavorato a memoria: questa scena domestica è una ricostruzione pittorica. Il restauro del 2023 ha rivelato che anche il gatto apparentemente nero è dipinto con miscele di blu e rosso.
Fonti: La Collezione Phillips - La Finestra Aperta, n. 0172 ; Bonnard's Worlds - esame e restauro del dipinto.
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#84 84. Lago di Annecy
Nel Lago di Annecy, un grande albero a sinistra incornicia l'acqua blu, il castello sulla riva e le montagne. I riflessi estendono le forme nella metà inferiore del dipinto, mentre i rami attraversano il paesaggio in diagonale. Cézanne dipinse questa veduta durante un soggiorno sulle Alpi con la moglie e il figlio nel 1896. Secondo la Courtauld Gallery, questo è l'unico dipinto realizzato durante questo viaggio. Il pittore riorganizza questo paesaggio che considera troppo pittoresco: il castello diventa un insieme di volumi geometrici e le pendici sono costruite in zone di colori contrastanti. Guarda come le ocre del tronco e degli edifici rispondono ai blu e ai verdi del lago: il colore collega i diversi piani.
Fonte: Galleria Courtauld - Lago di Annecy, P.1932. SC.60.
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#85 85. Due donne bretoni in un prato
Nel Due donne bretoni in un pratoémile Bernard colloca le due piccole figure nell'angolo in basso a destra, nel mezzo di un paesaggio dominato da alberi e cielo. Il prato giallo e verde, le ombre bluastre e il fogliame sono costruiti da una moltitudine di piccoli tocchi distinti. Guarda come i colori si mescolano a distanza, quindi come ogni tasto riappare mentre ti avvicini. Dipinto a Pont-Aven nel 1886, questo olio su tavola testimonia una fase della sperimentazione divisionista di Bernard, descritta dal catalogo scientifico del Museo Van Gogh. La diagonale discendente della linea degli alberi conduce verso i personaggi; le loro piccole dimensioni fanno sentire la distesa del prato. Questo dipinto permette di comprendere la diversità delle sue ricerche prima delle grandi composizioni compartimentate del 1888.
Fonti: Museo Van Gogh - Due donne bretoni in un prato ; catalogo scientifico - Le ricerche di Bernard nel 1886.
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#86 86. La Casa Gialla
La Casa Gialla rappresenta Place Lamartine ad Arles, dove Van Gogh affittò quattro stanze nel maggio 1888. Le persiane verdi identificano il suo alloggio nell'edificio d'angolo. Le facciate gialle e la carreggiata contrastano con un cielo azzurro intenso; le linee stradali conducono al ponte ferroviario e al treno sulla destra. Piccoli passanti e figure sedute animano i dintorni della casa. Il Museo Van Gogh ricorda che l'artista chiamò questo dipinto La via : mostra anche il ristorante dove ha mangiato a sinistra e il quartiere del suo amico Joseph Roulin oltre il secondo ponte. Guarda l'incontro tra giallo e blu: dà unità visiva al luogo in cui Van Gogh ha voluto riunire pittori per vivere e lavorare insieme.
Fonte: Museo Van Gogh - La Casa Gialla (La Strada), s0032V1962.
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#87 87. Il Chenal de Gravelines, una sera
Nel Il Chenal de Gravelines, una sera, Seurat organizza una vista sul porto attorno a grandi bande orizzontali: la banchina scura in primo piano, l'acqua limpida, la sponda opposta e il cielo. Un palo a sinistra e ancore oblique a destra incorniciano le barche a vela, le cui sagome e riflessi scandiscono il canale. Guardate la differenza tra questi oggetti vicini, molto scuri e le barche più chiare: rende la distanza leggibile nonostante una superficie interamente ricoperta da piccoli tocchi. Datato estate 1890 dal MoMA, questo olio su tela mostra come il puntinismo possa combinare una struttura geometrica salda con una luce delicata. I punti rosa, blu, verdi e gialli ravvivano addirittura le zone che appaiono quasi bianche a distanza.
Fonte: MoMA - La Manica a Gravelines, sera, 785.1963.
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#88 88. Ritratto di Eugene Boch
Nel X secolo, il 19 dicembre 1979, il 1977, il 1987, il 1997, il 1997, il 1999, il 1999, il 1999, il Ritratto di Eugene Boch, Van Gogh contrappone la testa chiara e la giacca gialla del pittore belga con uno sfondo blu intenso cosparso di stelle. Il viso stretto, gli occhi verdi e la cravatta a righe conferiscono al modello una presenza precisa; il cielo trasforma comunque il ritratto in un'immagine immaginaria. Il museo d'Orsay spiega che Van Gogh ha voluto esprimere il suo affetto per questo amico artista sostituendo un muro ordinario con un'evocazione dell'infinito. Ha chiamato l'opera Il poeta. Guarda come i gialli sul viso e sull'abbigliamento rispondono alle stelle: il colore unisce la persona a questo sfondo simbolico. Van Gogh incornicia il dipinto e lo appende nella sua stanza nella Casa Gialla; appare nella prima versione di La camera da letto.
Fonte: Museo d'Orsay - Eugène Boch, RF 1944 9.
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#89 89. La Vite Rossa
Nel La Vite Rossa‘, Van Gogh trasforma il raccolto vicino ad Arles in un confronto di colori: i vitigni rossi e arancioni rispondono ai vestiti blu e verdi delle operaie, sotto un sole giallo brillante. La fila di alberi a sinistra e il sentiero chiaro a destra conducono lo sguardo verso il basso, mentre le sagome curve rendono evidente il lavoro del raccolto. Guardate i tasti spessi e orientati: danno al terreno un movimento che va oltre la semplice descrizione del paesaggio. Dipinto nel novembre 1888, questo dipinto è conservato al Museo Pushkin. Anna Boch lo acquistò a Bruxelles nel 1890; è una delle rare opere vendute durante la vita di Van Gogh e non dovrebbe essere presentata come la sua unica vendita.
Fonti: museo Pushkin - catalogo attuale, ows-3372 ; avviso storico del museo.
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#90 90. Arlecchino
Nel Arlecchinoézanne dipinge suo figlio Paul nel costume di un personaggio della commedia dell'arte. Diamanti rossi e neri ritagliano la silhouette su una parete blu-verde, mentre il cappello chiaro e la spada di legno introducono accenti luminosi. Guardate la lunga diagonale di questa spada, le gambe sfalsate e la grande mano: questi dettagli conferiscono alla posa una tensione che il volto impassibile sembra trattenere. L'impiccagione sopra il personaggio ricorda il teatro, ma nessun pubblico o partner anima il palco. Questa versione conservata a Washington appartiene ad un set comprendente Mardi Gras e diversi Arlecchini isolati. I tocchi visibili costruiscono il corpo e l'arredamento attraverso superfici colorate piuttosto che attraverso un disegno attento.
Fonte: Galleria Nazionale d'Arte - Arlecchino, 1985.64.7.
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#91 91. Il Cavallo Bianco
Nel Il Cavallo Bianco, Gauguin immagina un paesaggio tahitiano chiuso dalla vegetazione, senza cielo né orizzonte. Il cavallo in primo piano beve da un ruscello scuro; il suo mantello assume sfumature verdi che si abbinano al fogliame. Due cavalieri più piccoli estendono il palco verso l'alto, mentre i rami e i fiori tortuosi costruiscono una cornice decorativa. Guardate come i blu profondi, i verdi e gli accenti arancioni organizzano lo spazio: il colore conta più della prospettiva realistica. Dipinta durante il secondo soggiorno di Gauguin a Tahiti, questa composizione è una visione ricomposta piuttosto che un'indagine fedele. Il museo riferisce che il suo sponsor rifiutò il dipinto perché il cavallo gli sembrava troppo verde: un esempio concreto dell'audacia cromatica del pittore.
Fonte: musée d'Orsay - Il cavallo bianco, RF 2616.
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#92 92. Omaggio a Cézanne
Nel Omaggio a Cézanne, Maurice Denis riunisce artisti e critici nella galleria di Ambroise Vollard. Cézanne è menzionata da Compotier, vetro e mele, natura morta posta sul cavalletto. A sinistra, Odilon Redon ascolta Paul Sérusier, le cui mani aperte danno alla discussione una presenza visibile. Altre figure includono Vuillard, Vollard, Denis, Ranson, Roussel, Bonnard e Marthe Denis. Guardate il contrasto tra gli abiti scuri e i volti, poi tra queste sagome e i dipinti colorati sullo sfondo: organizza questo ritratto collettivo intorno alla pittura e ai suoi difensori. Realizzata nel 1900, l'opera afferma i riferimenti di parte dei Nabis. André Gide lo acquistò prima di darlo allo Stato nel 1928.
Fonte: musée d'Orsay - Omaggio a Cézanne, RF 1977 137.
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#93 93. Solo
Nel Solo, Toulouse-Lautrec afferra una donna sdraiata su un letto disfatto, con la testa a destra e le gambe che cadono verso il primo piano. Le calze nere formano due accenti scuri tra le lenzuola bianche; bastano poche linee blu per indicare il corpo, il materasso e le pieghe. Guardate le grandi aree ocra lasciate visibili: il cartone contribuisce al colore di questo studio, la cui rapida esecuzione dà l'impressione di un gesto immediato. Realizzato nel 1896, prepara Stanchezza, una litografia dall'album Loro, dedicato alla vita quotidiana delle donne dei bordelli. La scena mostra un momento di riposo senza posa mondana o giudizio morale. Il suo piccolo formato e il materiale leggero focalizzano l'attenzione sull'atteggiamento del modello.
Fonte: museo d'Orsay - Da solo, RF 1984 30.
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#94 94. Autoritratto con cappello di paglia
In questo Autoritratto con cappello di paglia, Van Gogh contrappone il giallo del cappello e i toni rossi della barba con il blu e il verde della giacca. I piccoli tocchi seguono le curve del viso e del copricapo, mentre quelli sul retro creano una vibrazione intorno agli occhi. Guardate come i colori rimangono distinti da vicino ma costruiscono i volumi insieme a distanza: questa versione del 1887 testimonia la ricerca parigina dell'artista sul tatto e sul colore. A causa della mancanza di mezzi per assumere regolarmente una modella, Van Gogh scattò numerosi autoritratti durante il suo soggiorno a Parigi. Il dipinto conservato al Met reca sul retro un antico studio contadino Il Pelapatate, dipinto nel 1885.
Fonte: Metropolitan Museum of Art - Autoritratto con cappello di paglia, 67.187.70a.
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#95 95. Giardini pubblici: bambine che giocano
Nel Giardini pubblici: bambine che giocanoVuillard utilizza un formato alto e stretto per far emergere i bambini tra un grande tronco e il fogliame. Abiti rossi, blu e gialli scandiscono il fondo della composizione, mentre leggeri tocchi di terra e alberi uniscono le figure al giardino. Guarda il tronco che nasconde parte del gruppo: questa inquadratura trasforma una scena di gioco in una disposizione decorativa di forme e colori. Il pannello appartiene al ciclo di nove Giardini pubblici commissionato nel 1894 da Alexandre Natanson per i suoi interni parigini. Il fascicolo d'Orsay precisa che Vuillard lo riprese nel 1936. La sua composizione è così intesa in un arredamento destinato a circondare gli abitanti di una stanza.
Fonti: museo d'Orsay - Pannello RF 1978 46 ; presentazione del ciclo.
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#96 96. Circo sfilata
Nel Circo sfilata, Seurat rappresenta una data attrazione al di fuori del Circo Corvi per incoraggiare i passanti ad acquistare un biglietto. Il trombonista centrale, i musicisti a sinistra e le figure a destra appaiono sotto una fila di bruciatori a gas, mentre i cappelli del pubblico ritagliano il fondo del dipinto. Guarda le linee orizzontali della balaustra e le verticali dei personaggi: danno una struttura quasi immobile a questa scena di spettacolo. I piccoli tocchi colorati producono luce diffusa, molto diversa dal pieno sole The Big Jatte. Iniziata da schizzi nel 1887 e completata nel 1888, questa composizione è il primo grande dipinto notturno di Seurat dedicato all'intrattenimento popolare.
Fonte: Museo Metropolitano d'Arte - Parata del Circo, 61.101.17.
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#97 97. Il Palloncino
Nel Il Palloncino, Vallotton si affaccia sul giardino da un punto alto. Un bambino in camice bianco e cappello giallo corre verso una piccola palla rossa, su un sentiero ocra attraversato dalle ombre degli alberi. Due minuscole donne, in bianco e blu, stanno più lontane vicino al fogliame. Guardate il divario tra la loro taglia e quella del bambino, poi la grande curva che separa il percorso chiaro dalla vegetazione scura: queste scelte danno profondità rendendo il paesaggio una superficie quasi piana. Dipinta nel 1899, l'opera combina una scena familiare con un'inquadratura audace. Le forme semplificate e le zone colorate lasciano al vuoto del giardino la stessa importanza che ai personaggi.
Fonte: museo d'Orsay - Le Ballon, RF 1977 353.
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#98 98. Io stesso, ritratto di paesaggio
Nel Io stesso, ritratto di paesaggioRousseau si rappresenta in piedi con un abito e un berretto neri, con in mano una tavolozza e un pennello. La sua silhouette monumentale domina una banchina parigina, una barca battente bandiera, un ponte e la Torre Eiffel; una mongolfiera fluttua nel cielo. Guardate i due piccoli camminatori sul bordo dell'acqua: la loro scala sottolinea il posto che il pittore si attribuisce in questo paesaggio ricomposto. I contorni netti e i dettagli accuratamente separati conferiscono alla scena una singolare solennità. Il titolo combina esplicitamente ritratto e paesaggio e gli strumenti pittorici affermano l'identità professionale di Rousseau. Datato 1890, il dipinto apparteneva alla Galleria Nazionale di Praga, dopo l'acquisizione da parte dello Stato cecoslovacco nel 1923.
Fonti: Galleria Nazionale di Praga - ritratto O 3221 ; museo dell'Orangerie - libretto Rousseau 2026, formato e tecnica.
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#99 99. Frutteti in fiore, veduta di Arles
Nel Frutteti in fiore, veduta di Arlesvan Gogh pone un grande albero tagliato a destra, così vicino all'occhio che i suoi rami si estendono fuori dalla cornice. Alle sue spalle, gli alberi in fiore, i tetti arancioni e le torri di Arles si sovrappongono sopra un prato verde. Guardate i piccoli tocchi bianchi e gialli dei fiori rivolti verso i contorni blu e viola dei rami: fanno vibrare la primavera senza cancellare la struttura degli alberi. Datata aprile 1889, questa versione custodita ad Amsterdam porta il numero F515; si distingue dalla visuale F516 custodita a Monaco di Baviera. Il museo evidenzia l'influenza delle stampe giapponesi nell'inquadratura dell'albero in primo piano, che trasforma il paesaggio in una composizione volutamente decentrata.
Fonti: Van Gogh Museum - avviso pubblicato su Google Arts & Culture ; negozio del museo - dimensioni originali, s0036V1962.
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#100 100. Paesaggio tahitiano
Nel Paesaggio tahitiano, un sentiero rosa attraversa un prato giallo e verde prima di raggiungere gli alberi ai piedi di una montagna rossa. Un personaggio che porta una carica avanza su questo passaggio, mentre un piccolo cane si stacca a sinistra. Guarda le palme dai tronchi sottili: le loro verticali collegano il primo piano alle nuvole chiare, mentre le masse colorate semplificano il rilievo. Dipinta nel 1891, durante il primo soggiorno di Gauguin a Tahiti, questa tela privilegia contorni sinuosi e colori intensi piuttosto che una fedele restituzione della luce. Il museo di Minneapolis la vede come una ricerca di serenità tropicale: il paesaggio esprime così una visione costruita dal pittore, piuttosto che un documento neutrale sull'isola.
Fonte: Minneapolis Institute of Art, avviso e dimensioni dell'opera.
Scopri →Cosa rivelano le opere
Cento opere, tre libertà decisive
Le opere rivelano diversi modi di organizzare colore, forma e soggetto. Confrontare i loro metodi permette di comprendere la diversità del post-impressionismo.
Il colore smette di obbedire
Può intensificare un'emozione, separare le inquadrature o costruire un accordo senza riprodurre esattamente la tonalità osservata.
Il dipinto afferma la sua superficie
Contorni, zone piane, punti e ritmi rendono visibile l'organizzazione della superficie dipinta.
Ogni artista inventa il proprio metodo
Serie, sintetismo, divisionismo, costruzione o arredamento diventano programmi personali piuttosto che una dottrina comune.
Cronologia delle biforcazioni
Cinque appuntamenti per scendere dalla stessa strada
L'ottava mostra impressionista accoglie Seurat e Signac mentre le traiettorie del gruppo si separano.
Van Gogh lavorò nel Sud mentre Gauguin, Bernard e Sérusier svilupparono la pittura sintetica in Bretagna.
Van Gogh dipinse a Saint-Rémy mentre i nuovi colori espressivi acquisirono un potere storico duraturo.
Gauguin cerca nuovi motivi e costruisce immagini la cui forza visiva richiede anche uno sguardo critico al contesto coloniale.
Roger Fry organizzò la mostra Manet and the Post-Impressionists a Londra e fissò il termine retrospettivamente.
Movimento profondo
Perché il post-impressionismo conta così tanto?
Il postimpressionismo si riferisce a una diversità di ricerche derivanti dall’impressionismo. Si comprende meglio confrontando le opere che cercando una tecnica comune. Le connessioni qui proposte vengono utilizzate per osservare le differenze di costruzione, colore e soggetto.
In Van Gogh, le direzioni chiave e i contrasti cromatici conferiscono una particolare intensità a paesaggi e ritratti. Cézanne esamina i volumi e le relazioni tra i piani. Gauguin semplifica le forme e talvolta associa le scene rappresentate a contenuti simbolici. Seurat e Signac separano i colori in tocchi organizzati.
La selezione presenta anche artisti vicini o eredi di questi approcci. Le scenografie di Bonnard, Vuillard e Maurice Denis mostrano in particolare che lo sguardo può concentrarsi sulla superficie dipinta tanto quanto sulla profondità della scena. La loro presenza allarga il viaggio oltre le quattro figure solitamente associate al post-impressionismo.
Diversi titoli designano serie o versioni diverse. La raccolta, la data e l'immagine di ciascun avviso consentono di specificare quale viene presentato. Una dimensione arrotondata o una vecchia attribuzione non dovrebbero essere usate per confondere due opere: i riferimenti forniscono accesso alle informazioni provenienti da musei e cataloghi.
Non tutti gli originali sono dipinti su tela. Alcune opere di questo percorso utilizzano cartone, pannelli o tela. Le informazioni tecniche descrivono l'originale; il formato e il supporto di una riproduzione devono essere consultati su un proprio file.
Quattro chiavi di lettura
Guarda oltre la prima impressione
Confronta struttura, colore, contorno e ritmo nelle immagini per identificare le scelte uniche di ogni artista.
Identificare i volumi
A Cézanne, piante, linee e masse conferiscono al motivo una solidità che non dipende più dall'aneddoto.
Osservare le lacune
Un'ombra lontana dalla realtà può esprimere tensione, un ricordo o l'intensità di un luogo.
Seguire le zone pianeggianti
Cerchi e superfici semplificate avvicinano certe opere a stampe, vetrate o poster.
Confronta chiavi e punti
Ripetizioni, indicazioni e intervalli colorati organizzano la circolazione dello sguardo in tutta la tela.
Mappatura dei workshop
Continua dopo l'ultimo colore
Dai un'occhiata alle collezioni di artisti e alle risorse museali per estendere i confronti.
Nella Riproduzione Alfa
01Vincenzo van GoghI maestri del Post Impressionismo02Georges SeuratI maestri del Post Impressionismo03Paolo CezanneI maestri del Post Impressionismo04Paolo GauguinI maestri del Post Impressionismo05Henri de Toulouse-LautrecI maestri del Post Impressionismo06Henri RousseauI maestri del Post Impressionismo07Paolo SignacI maestri del Post Impressionismo08Paolo SérusierI maestri del Post Impressionismo09Henri Edmond CroceI maestri del Post Impressionismo10Pierre BonnardI maestri del Post Impressionismo11Post-impressionismoCollezioni & guide12Riproduzioni post-impressionisteCollezioni & guide13Dipinti famosiCollezioni & guide14Tutti i famosi top paintingCollezioni & guide15Riproduzioni Vincent van GoghCollezioni & guide16Riproduzioni Paul CézanneCollezioni & guide17Tutte le riproduzioni di dipintiCollezioni & guideMusei e referenze
01Wikipedia - Post-impressionismoMuseo e riferimento02Wikidata - Post-impressionismoMuseo e riferimento03Wikimedia Commons - Post-impressionismoMuseo e riferimento04Musée d'Orsay - collezioni post-impressionisteMuseo e riferimento05Museo Van Gogh - collezioneMuseo e riferimento06MoMA - Post-impressionismoMuseo e riferimento07Galleria Nazionale - post-impressionismoMuseo e riferimento08Wikipedia - Georges SeuratMuseo e riferimentoDomande frequenti
Domande e risposte sul post-impressionismo
Le risposte essenziali per comprenderne i confini, distinguerne le correnti e riconoscere opere veramente centrali.
Cos'è il post-impressionismo?
Il post-impressionismo riunisce diversi approcci che estendono o trasformano la ricerca impressionista. Non corrisponde ad una sola scuola: la costruzione delle forme, il colore espressivo, la simbologia e i tocchi divisi prendono posti diversi a seconda dell'artista.
Chi sono i principali pittori post-impressionisti?
Cézanne, Van Gogh, Gauguin e Seurat costituiscono importanti punti di riferimento. Questa selezione presenta anche Signac, Toulouse-Lautrec, Émile Bernard, Sérusier, Cross e artisti vicini a questa ricerca, in particolare Nabis Bonnard, Vuillard e Maurice Denis.
Quali sono le differenze tra impressionismo e post-impressionismo?
Gli impressionisti esplorarono in particolare il cambiamento della luce e le scene della vita moderna. Gli artisti raggruppati sotto il nome di postimpressionisti continuano questa ricerca accentuando la struttura, le scelte espressive o il contenuto simbolico. I confini rimangono flessibili: alcuni pittori partecipano a diverse tendenze.
Il puntinismo fa parte del post-impressionismo?
Il neoimpressionismo di Seurat e Signac fa parte di questo panorama. Il puntinismo si riferisce alla giustapposizione di piccoli punti colorati; il divisionismo riguarda la separazione dei colori in tocchi distinti. Tutta la pittura post-impressionista non utilizza quindi punti.
Quando compare il termine post-impressionismo?
Roger Fry usò il termine per la mostra Manet and the Post-Impressionists, tenutasi a Londra nel 1910. Il nome riunisce retrospettivamente ricerche già sviluppate alla fine del XIX secolo; il 1910 non segna quindi l'inizio della realizzazione delle opere.
Quali dipinti guardare per capire il post-impressionismo?
Confronta La Nuit étoilée per il tocco espressivo di Van Gogh, La Montagne Sainte-Victoire per la costruzione di Cézanne, La Grande Jatte per il colore diviso di Seurat e La Vision dopo il sermone di Gauguin per il sintetismo. Gli avvisi specificano la versione illustrata quando più tabelle portano un titolo simile.
Le 100 tabelle formano una classifica ufficiale?
No. Si tratta di una selezione editoriale che unisce opere maggiori, dipinti meno noti e artisti vicini al post-impressionismo. I numeri facilitano la navigazione e non misurano il valore di mercato o il consenso del museo.
Le informazioni si riferiscono all'originale o alla sua riproduzione?
Le date, le collezioni, le tecniche e le dimensioni indicate nei bandi riguardano le opere originali. Le dimensioni sono indicate in altezza × larghezza. I collegamenti di riproduzione si riferiscono a file commerciali separati; alcuni avvisi ti indirizzano a un museo per consultare l'originale.
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