Top 50 · Figurazione contemporanea
La figura torna sempre
Cinquanta pittori che dal dopoguerra hanno rinnovato il ritratto, il corpo, la storia e il mondo visibile.
La pittura figurativa contemporanea non designa né uno stile unico né un semplice ritorno al realismo, dopo il 1945, si sviluppa a Londra intorno a Bacon, Freud, Auerbach e Kossoff, si rinnova negli Stati Uniti con Neel, Katz o Marshall, per poi diffondersi in case diverse come Lipsia, Madrid, Pechino, Lagos, Anversa o Vienna Alcuni artisti partono dal modello vivente, altri da fotografie, archivi, miti o immagini mediatiche, questa classificazione valuta l'importanza storica, l'invenzione pittorica, l'influenza su più generazioni e la capacità di ogni opera di dare una nuova forma all'esperienza umana.
La figura contemporanea non copia il visibile: si interroga sul modo in cui si costruiscono immagini, corpi e ricordi.
Una famiglia aperta
Cos'è la figurazione contemporanea?
Riunisce pratiche che mantengono un legame riconoscibile con il corpo, il ritratto, il paesaggio, l'oggetto o la scena Questo legame può essere preciso, distorto, frammentario o quasi dissolto La sfida non è imitare fedelmente il mondo, ma usare la pittura per rivelare le sue tensioni fisiche, sociali e psicologiche.
Abitazioni multiple
Londra, New York, Lipsia, Madrid, Pechino e le scene diasporiche
La London School diede importanza decisiva al modello vivente e alla materia New York sviluppò la ritrattistica sociale, il montaggio postmoderno e una nuova pittura di storia Lipsia reinvestiva l'immaginario politico della Germania Est, mentre la Spagna, la Cina e le scene africane o diasporiche ampliavano i soggetti, i ricordi e le tradizioni mobilitate.
Metodo di classificazione
Influenza, invenzione, prospettiva e significato storico
Le file combinano quattro criteri: importanza nella storia della pittura dal 1945, originalità del linguaggio pittorico, influenza su altri artisti e capacità dell'opera di rinnovare la nostra comprensione del corpo o della storia La notorietà da sola non basta, non più di un virtuosismo tecnico isolato da qualsiasi progetto.
Le figure maggiori
Top 10 - I pittori che hanno ridefinito la figura
Da Bacon a Doig, questi dieci artisti mantennero o reinventarono la presenza del corpo e del mondo visibile quando l'astrazione, la fotografia e l'arte concettuale sembravano muovere il dipinto.
#1
Francesco Bacone
Bacon rinchiude le sue figure in gabbie, aree pianeggianti e spazi quasi clinici, i suoi corpi deformi non rinunciano mai alla presenza umana: la rendono più vulnerabile, più fisica e più difficile da dimenticare.
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#2
Luciano Freud
Freud trasforma la seduta di posa in un'esperienza a lungo termine, la sua pasta densa descrive la pelle, la fatica e il peso dei corpi senza lusinghe, ma con un'attenzione così sostenuta che ogni modello acquista una dignità monumentale.
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#3
David Hockney
Hockney collega la chiarezza grafica della pop art a un'osservazione molto personale dei propri cari, delle piscine e dei paesaggi Il suo lavoro dimostra che la figurazione può integrare fotografia, collage, video e disegno digitale senza perdere la sua sensualità.
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#4
Gerhard Richter
Richter confonde le fotografie di famiglia, storiche o dei media per mettere in discussione la fiducia riposta nelle immagini, tra precisione ottica e cancellazione, i suoi dipinti figurativi rendono la memoria un territorio instabile.
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#5
Jenny Saville
Saville ingrandisce il corpo fino a riempire la tela e rifiuta i canoni di bellezza che lo hanno a lungo disciplinato, Carne compressa, vedute tuffanti e pittura carnale conferiscono ai suoi modelli un potere che va oltre la cornice.
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#6
Marlene Dumas
Dumas dipinge da fotografie che rallenta, diluisce e carica di ambiguità Volti di bambini, celebrità, corpi morti o desiderati diventano presenze liquide dove l'intimo incontra la politica dello sguardo.
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#7
Alice Neel
Neel osserva con calda franchezza i vicini, gli amici, gli attivisti, le famiglie e gli artisti, i suoi contorni nervosi e gli spazi nudi registrano sia la posizione sociale della modella che il suo umore al momento della posa.
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#8
Paula Rego
Rego raffigura racconti, ricordi, dominazione e resistenza in immagini dalla tensione quasi teatrale Le sue eroine non sono mai decorative: occupano spazio, cospirano, soffrono e reagiscono.
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#9
Georg Baselitz
Baselitz invertì le sue figure alla fine degli anni '60 per evitare che il soggetto diventasse una storia semplice Il corpo rimane riconoscibile, ma l'inversione richiede di guardare prima il colore, il tocco e la costruzione del dipinto.
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#10
Pietro Dito
Doig parte da fotografie ordinarie per costruire paesaggi mentali attraversati dalla stranezza Canoe, case e sagome sembrano sospese tra memoria, cinema e sogno, in una pittura lenta dalle superfici molto elaborate.
Leggi la voce WikipediaLink all'articolo di Wikipedia in franceseRitratto, realismo e la London School
Gradi da 11 a 20 - Guarda la realtà per molto tempo
Il ritratto, il nudo, la città e la memoria fotografica diventano laboratori: la somiglianza non basta più, bisogna anche rendere il tempo, la materia e la tensione di una presenza.
#11
Balthus
Balthus mantiene una composizione classica nel cuore del XX secolo mentre stabilisce situazioni silenziose e inquietanti I suoi interni, le strade e le figure adolescenziali danno alla vita di tutti i giorni l'enigmatica densità di una scena fissa.
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#12
Alex Katz
Katz semplifica volti, vestiti e paesaggi in aree ampie e luminose Questa economia, vicina ai manifesti e al cinema, cattura la socialità moderna senza rinunciare alla precisione di un look a lungo esercitato.
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#13
Fernando Botero
Botero espande corpi, oggetti e architetture per creare un mondo immediatamente riconoscibile Sotto l'apparente bontà dei volumi, si avvicina con seria ironia anche alla violenza politica, al potere religioso e alla memoria colombiana.
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#14
Wayne Thiebaud
Thiebaud applica materiale generoso alle torte, alle finestre, alla gente e alle strade di San Francisco Le sue ombre colorate trasformano gli oggetti più familiari in costruzioni luminose, sia popolari che rigorosamente composte.
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#15
Frank Auerbach
Auerbach dipinse per decenni gli stessi disegni e quartieri a Londra, si graffia, ricomincia e si condensa fino a quando poche linee spesse portano l'energia di una presenza piuttosto che la sua mera somiglianza.
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#16
Leon Kossoff
Kossoff lavora la città e il modello vivente in materiale pesante, spesso portato fino all'esaurimento Le sue stazioni, piscine, chiese e ritratti fanno sentire Londra come un organismo denso, instabile e vissuto profondamente.
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#17
Filippo Pearlstein
Pearlstein rimuove dal nudo le sue pose eroiche e i simboli tradizionali, i corpi, a volte tagliati da inquadrature e circondati da oggetti, sono osservati come forme complesse in uno spazio concreto e senza narrazione imposta.
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#18
Antonio Lopez Garcia
Lopez Garcia torna per anni in un interno, un albero o una veduta di Madrid per poter seguire la sua luce esatta, la sua precisione non è fotografica: misura il tempo e i cambiamenti quasi impercettibili della realtà.
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#19
RB Kitaj
Kitaj assembla pittura, letteratura, politica e memoria ebraica in composizioni vicine al montaggio, la sua espressione "London School" fornì anche un quadro critico per i pittori figurativi britannici del dopoguerra.
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#20
Neo Rauch
Rauch unisce operai, architetture, uniformi e frammenti di propaganda in scene la cui logica rimane volutamente incompleta La storia della Germania dell'Est vi ritorna come un sogno industriale dai colori tenui.
Leggi la voce WikipediaLink all'articolo di Wikipedia in franceseMontaggio, storia e neoespressionismo
Gradi da 21 a 30 - Storie frammentate e superfici attive
Questi pittori reintroducono miti, storia, cinema, archivi e ampi gesti, Il dipinto figurativo accetta collage mentale, supporti irregolari e storie volutamente incomplete.
#21
Luc Tuymans
Tuymans dipinge immagini già di alto profilo - cinema, televisione, archivi - in una palette pallida e un tocco veloce Questa distanza apparentemente fredda rivela come la storia e la violenza si inseriscano in immagini banali.
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#22
Anselmo Kiefer
Kiefer affronta la storia tedesca con la poesia, la mitologia e i materiali in trasformazione Paglia, piombo, cenere e pittura fanno della figura o del paesaggio una superficie di memoria, pesante ma mai chiusa.
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#23
Eric Fischl
Fischl pone il disagio nel cuore delle piscine, delle camere da letto e dei giardini della classe media americana, i suoi personaggi sembrano sorpresi in un momento che lo spettatore forse non dovrebbe vedere, tra desiderio, imbarazzo e minaccia.
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#24
David Sala
Salle sovrappone immagini della storia dell'arte, della pubblicità e della fotografia, invece di risolverne le contraddizioni, costruisce dipinti dove più registri visivi competono contemporaneamente per il significato.
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#25
Giuliano Schnabel
Schnabel dipinge su velluto, teloni, piatti rotti o supporti trovati in modo che la superficie partecipi al soggetto I suoi ritratti e le sue figure combinano ampiezza gestuale, cultura popolare e un presunto gusto per la fragilità materiale.
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#26
Francesco Clemente
Clemente fa circolare il corpo tra Napoli, New York e l'India Autoritratti, metamorfosi e segni mutuati da più tradizioni compongono una figurazione nomade dove l'identità rimane mobile e contraddittoria.
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#27
Strano Nerdrum
Nerdrum vanta tecniche antiche e una fantasia situata al di fuori dell'immediato presente, i suoi viaggiatori, i corpi naufragati e isolati abitano paesaggi austeri che contrastano la lentezza artigianale con i ritmi dell'arte contemporanea.
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#28
Miquel Barcelo
Barcelo addensa, scava o spacca la vernice fino a far emergere animali, mercati, fondali e paesaggi, i suoi soggiorni in Mali hanno rinforzato una pratica attenta al clima, ai materiali locali e alle trasformazioni della vita.
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#29
Yan Pei-Ming
Yan Pei-Ming costruisce grandi ritratti con una tavolozza ridotta e un tocco molto visibile Mao, capi di stato, estranei e membri della sua famiglia condividono la stessa scala, che mette a confronto l'immagine pubblica e la memoria intima.
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#30
Liu Xiaodong
Liu dipinge sul posto lavoratori, migranti, amici e comunità sfollate Il suo realismo diretto non trasforma i modelli in simboli: ne registra i gesti, l'ambiente e gli sconvolgimenti sociali che li attraversano.
Leggi la voce WikipediaLink all'articolo di Wikipedia in franceseIdentità e scene globali
Gradi da 31 a 40 - Rappresenta per diverse storie
Da Pechino a Lagos e da Bogotà a New York, la figura diventa un luogo dove si negozia memoria collettiva, diaspora, razza, genere, potere e diritto di apparire nella storia dell'arte.
#31
Zeng Fanzhi
Zeng passa da corpi ospedalieri tesi a famose figure mascherate, poi a paesaggi gestuali, in ogni periodo, l'elegante superficie rivela l'ansia prodotta dalla modernizzazione e dai ruoli sociali.
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#32
Zhang Xiaogang
Zhang trae ispirazione dai ritratti di famiglia dell'epoca maoista per dipingere volti quasi uniformi Una macchia, uno sguardo o una sottile differenza tuttavia incrina l'immagine collettiva e rende visibile la memoria privata.
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#33
Kerry James Marshall
Marshall pone le figure nere al centro di formati e generi a lungo dominati da narrazioni bianche Scene domestiche, giardini, laboratori e dipinti storici diventano i luoghi di una presenza completamente costruita.
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#34
Kehinde Wiley
Wiley utilizza le pose della pittura di corte per rappresentare i modelli neri incontrati per strada o scelti mediante fusione. I motivi decorativi invadono la figura e sostituiscono i codici visivi dell'autorità.
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#35
Amy Sherald
Sherald dipinge i suoi modelli su sfondi colorati e utilizza una gamma di grigi per la pelle Questa decisione liquida il realismo cromatico al fine di concentrare lo sguardo sulla posa, sull'abbigliamento e sulla costruzione sociale del ritratto.
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#36
Njideka Akunyili Crosby
Akunyili Crosby compone interni dove pittura, disegno e trasferimenti fotografici intrecciano Lagos e Los Angeles Scene intime rendono visibile un'identità diasporica fatta di strati, ricordi e riferimenti condivisi.
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#37
Lynette Yiadom-Boakye
Yiadom-Boakye inventa personaggi neri senza un modello diretto o una storia biografica Dipinti velocemente in una tavolozza scelta, sembrano appartenere a una storia più ampia che il dipinto lascia volutamente aperta.
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#38
Toyin Ojih Odutola
Ojih Odutola tratta la pelle come un territorio di linee, striature e luce I suoi ritratti e cicli narrativi immaginano famiglie, classi e mondi alternativi che spostano letture immediate di razza e potere.
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#39
Gérard Garouste
Garouste rilegge la Bibbia, Cervantes, Dante o Rabelais senza illustrarne obbedientemente i testi, le sue figure contorte e le sue metamorfosi fanno della pittura uno strumento di interpretazione, dubbio e ritorno critico ai racconti fondativi.
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#40
Fede Ringgold
Ringgold unisce pittura, narrazione e trapunta per raccontare l'esperienza nera americana da una prospettiva femminile I suoi bordi tessili e i suoi testi conferiscono all'immagine la forza di una storia trasmessa, contestata e reinventata.
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Gradi da 41 a 50 - Corpo, comunità e nuove narrazioni
Le ultime posizioni mostrano una figurazione pienamente contemporanea: cosciente delle immagini antiche, ma libera di integrare satira, identità queer, autobiografia corporea e memoria politica.
#41
Cecily Brown
Brown fa apparire i corpi per poi scomparire in una pittura veloce, densa e sensuale, La figurazione si scopre in frammenti, tra citazioni di antichi maestri, energia astratta e scene di desiderio.
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#42
Elisabetta Peyton
Peyton dipinge artisti, amici, scrittori e personaggi storici in piccoli formati luminosi La scala intima e il tocco fluido assumono ammirazione mentre conferiscono ai modelli una fragilità molto lontana dal ritratto ufficiale.
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#43
Nicole Eisenman
Eisenman mescola riferimenti accademici, umorismo, cultura queer e scene di gruppo I suoi personaggi goffi o malinconici descrivono modi contemporanei di stare insieme senza idealizzare la comunità.
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#44
Giovanni Currin
Currin adotta il virtuosismo e le distorsioni del manierismo per dipingere figure contemporanee L'eleganza tecnica rende le sue immagini volutamente scomode, tra ammirazione, caricatura e critica delle convenzioni del gusto.
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#45
George Condo
Condo smonta il classico ritratto combinando diverse espressioni e punti di vista sullo stesso volto I suoi personaggi di fantasia sembrano familiari, grotteschi e profondamente umani.
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#46
Michele Borremans
Borremans dipinge con una precisione ereditata dai vecchi maestri di personaggi impegnati in azioni impossibili da spiegare, L'arredamento sobrio e l'illuminazione controllata trasformano ogni scena in un rituale ambiguo.
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#47
Claire Sgabello
Tabouret lavora da fotografie di gruppi, bambini, coppie o se stessa I suoi colori acidi e gli sguardi frontali rendono il ritratto uno spazio dove l'appartenenza e l'isolamento rimangono in tensione.
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#48
Adrian Ghenie
Ghenie mescola personaggi storici, immagini d'archivio e incidenti materiali Il volto si offusca sotto raschiamenti e gocciolamenti, come se il dipinto stesse testando ciò che rimane visibile dopo i disastri del XX secolo.
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#49
Maria Lassnig
Lassnig dipinge non l'aspetto del corpo, ma le zone che sente dall'interno, i suoi autoritratti dai colori dissonanti danno forma diretta alla pressione, al vuoto, alla vulnerabilità e all'invecchiamento.
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#50
Miriam Cahn
Cahn dipinge corpi frontali, luminosi o quasi, confrontati con la guerra, il desiderio e la migrazione, l'apparente semplicità del gesto conferisce a ogni figura una presenza urgente, a volte tenera, spesso inquietante.
Leggi la voce WikipediaLink all'articolo di Wikipedia in franceseFonti ed estensioni
Vedi la figura nelle collezioni pubbliche
I musei permettono di confrontare direttamente le opere, i loro formati e contesti, queste risorse completano la classificazione con bandi, mostre e collezioni di consultazione.
Leggi su Alpha Reproduction
Riferimenti museali
- Tate Britain - Troppo umano
- Museo d'Arte Moderna - collezione
- Whitney Museum - collezione
- Galleria Nazionale - Frank Auerbach
- MCA Chicago - Kerry James Marshall
- Smithsonian - Toyin Ojih Odutola
La figurazione contemporanea non è un passo indietro
Questi cinquanta viaggi mostrano, al contrario, una pittura capace di assorbire la fotografia, il cinema, l'archivio, le lotte politiche e le circolazioni globali, la figura rimane riconoscibile, ma non è mai neutra: porta una storia dello sguardo, delle convenzioni sociali e delle immagini che l'hanno preceduta.
Dalla carne lavorata di Freud e Saville alle storie di Rego, Marshall o Ojih Odutola, dal paziente realismo di Lopez Garcia ai montaggi di Salle e Rauch, ogni artista offre una risposta diversa alla stessa domanda: come rendere ancora attiva una presenza umana in un mondo saturo di immagini?
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