Top 100 - Impressionismo
Impressionismo: 100 dipinti celebri che catturano la luce
Scopri 100 opere di Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro e altri protagonisti della pittura moderna, con date, collezioni e fonti.
L’impressionismo unisce lo studio della luce a nuovi soggetti: stazioni, giardini, caffè, prove e passeggiate. Questa selezione spiega ciò che mostra ogni opera e distingue le versioni che portano lo stesso titolo.
La pittura prende aria
Cento dipinti, il mondo all’aperto
Tra gli anni 1860 e l’inizio del XX secolo, questi pittori spostano la storia dell’arte verso le stazioni, i caffè, i giardini, i teatri e le rive della Senna. La pittura all’aperto e la pennellata visibile raccontano però soltanto una parte dell’avventura: Manet affronta il Salon, Degas ricostruisce le sue scene in atelier, Cassatt e Morisot rinnovano l’intimità, mentre Monet e Pissarro trasformano la serie in un’esperienza del tempo. Ogni dipinto conserva qui il suo luogo, i suoi modelli e il momento della sua comparsa.
Questa selezione è un percorso editoriale, senza una classifica ufficiale di popolarità. Include opere legate agli esordi del movimento e ricerche successive dei suoi artisti. Le date, le tecniche, le dimensioni e le collezioni si riferiscono alla versione illustrata; ogni scheda rimanda alle proprie fonti.
Passa alle immaginiLe opere della selezione
Le opere in immagini
Monet, Renoir, Degas, Manet, Morisot e Caillebotte creano le immagini divenute inseparabili dall’impressionismo.
#1
Claude Monet1. Impressione, levar del sole
Il sole arancione e il suo riflesso attirano lo sguardo in un porto quasi interamente grigio-azzurro. Le barche scure in primo piano conducono verso le gru, gli alberi delle navi e le ciminiere che si dissolvono nella foschia. Monet dipinge questa veduta dell’avamporto di Le Havre dall’hôtel de l’Amirauté, durante un soggiorno collocato intorno al novembre 1872 dal Musée Marmottan Monet. Le pennellate rapide suggeriscono un’atmosfera anziché una descrizione dettagliata. Presentata alla prima mostra del gruppo nel 1874, l’opera ispira il titolo satirico di Louis Leroy, «La mostra degli impressionisti». Il museo conferma un formato di 50 × 65 cm e la donazione Donop de Monchy del 1940.
Fonte: Musée Marmottan Monet, Impressione, levar del sole.
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#2
Pierre-Auguste Renoir2. Ballo al Moulin de la Galette
In Ballo al Moulin de la Galette, Renoir dipinge gli svaghi di Montmartre nel 1876. A sinistra, le coppie ballano; in primo piano, donne sedute e uomini a tavola avvicinano lo spettatore alla festa. Pennellate chiare attraversano gli abiti e i volti, mentre i blu collegano le ombre della folla. La luce e le figure parzialmente nascoste offrono allo sguardo diversi percorsi in questa composizione densa. Presentata alla terza mostra impressionista nel 1877, questa grande tela unisce amici del pittore a una scena di vita parigina. Oggi appartiene al Musée d’Orsay.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 2739.
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#3
Edgar Degas3. La lezione di danza — versione del Metropolitan Museum
Questo piccolo dipinto mostra una ballerina al centro di un ampio spazio libero, un violinista seduto a sinistra e uno specchio che moltiplica le figure. L’annaffiatoio, il cappello e la custodia del violino posati a terra riportano la danza alla sua quotidianità materiale. Il Metropolitan Museum presenta quest’opera come la prima lezione di danza dipinta da Degas: non avendo accesso alle quinte in quel periodo, faceva posare i modelli nel suo atelier. L’impressione di una scena osservata deriva quindi da una composizione preparata. Questa versione newyorkese, dipinta intorno al 1870 su tavola, si distingue dalla grande tela di Orsay realizzata tra il 1873 e il 1876.
Fonti: Metropolitan Museum, scheda 29.100.184; versione distinta del Musée d’Orsay.
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#4
Édouard Manet4. Olympia
Dipinta nel 1863 e presentata al Salon del 1865, Olympia mette il pubblico di fronte allo sguardo diretto di una donna distesa su un letto. Il nastro nero al collo, le pantofole e il bouquet portato da una domestica collocano la scena in un ambiente contemporaneo. A destra, un gatto nero contrasta con le lenzuola e il corpo illuminati. Manet riprende la posa della Venere di Urbino di Tiziano, ma trasforma il nudo idealizzato nella rappresentazione di una prostituta, secondo l’analisi del Musée d’Orsay. Lo scandalo dipende anche dal trattamento pittorico poco addolcito. Quest’opera fondamentale precede la prima mostra impressionista del 1874.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 644.
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#5
Gustave Caillebotte5. Strada di Parigi, tempo di pioggia
Una coppia sotto un ombrello occupa il primo piano di Strada di Parigi, tempo di pioggia, mentre un passante tagliato dal bordo destro sembra incrociare il suo cammino. Il lampione separa questo incontro ravvicinato dal vasto incrocio, dove le figure si rimpiccioliscono tra le facciate e i ciottoli umidi. I grigi azzurrati e i riflessi unificano la scena senza cancellare la nitidezza degli abiti e dell’architettura. Esposta con gli impressionisti nell’aprile 1877, questa tela monumentale mostra i nuovi boulevard parigini con una composizione organizzata con cura. L’Art Institute di Chicago sottolinea l’anonimato delle figure, che condividono lo spazio urbano senza formare una comunità.
Fonte: Art Institute of Chicago, scheda 1964.336.
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#6
Berthe Morisot6. La culla
In La culla, Berthe Morisot dipinge la sorella Edma accanto a Blanche, la sua figlia addormentata. Il braccio piegato della madre trova un’eco in quello della bambina; il suo sguardo e il velo disegnano una diagonale che collega le due figure. L’abito scuro risalta sui bianchi della tenda e della culla, animati da pennellate morbide. Il velo lascia vedere la bambina preservando al contempo il suo spazio: l’intimità si fonda su questo gesto protettivo anziché su uno scambio di sguardi, poiché Blanche dorme. Esposta con gli impressionisti nel 1874, questa tela del 1872 è oggi conservata al Musée d’Orsay.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 2849.
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#7
Camille Pissarro7. Il boulevard Montmartre, effetto notturno
Dal Grand Hôtel de Russie, Pissarro osserva il boulevard Montmartre nel 1897 e ne dipinge quattordici vedute sotto luci diverse. Qui le facciate e i marciapiedi convergono verso la lontananza, sotto un cielo blu scuro. Le lampade elettriche diffondono un bianco freddo, mentre le vetrine illuminate a gas e le lanterne delle carrozze apportano gialli e arancioni. I loro riflessi sul terreno umido prolungano i punti luminosi. I passanti e i veicoli rimangono suggeriti da piccole pennellate: il traffico si legge come un movimento collettivo. Secondo la National Gallery, questa tela è l’unico dipinto notturno di Pissarro.
Fonte: National Gallery, scheda NG4119.
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#8
Alfred Sisley8. L’inondazione a Port-Marly
In questa versione di L’inondazione a Port-Marly, la casa occupa il bordo sinistro, di fronte a una fila di alberi i cui tronchi si immergono nell’acqua. Le barche vicino all’edificio segnalano che la piena ha trasformato gli spostamenti ordinari. Il cielo nuvoloso occupa un ampio spazio; i suoi grigi, i suoi bianchi e le aperture blu si prolungano nella superficie inondata. Le pennellate orizzontali dei riflessi contrastano con le verticali della facciata e degli alberi. Dipinta nel 1876 e presentata alla seconda mostra impressionista, questa tela appartiene al Musée d’Orsay. Si distingue da altre vedute della stessa inondazione realizzate da Sisley.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 2020.
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#9
Mary Cassatt9. Il bagno del bambino
In Il bagno del bambino, Mary Cassatt avvicina i volti di una donna e di un bambino, entrambi concentrati sul lavaggio dei piedi. Una mano sostiene il piccolo corpo mentre l’altra lo lava in una bacinella. Il punto di vista dall’alto rivela la bacinella, il tappeto e la brocca, i cui motivi dialogano con le righe dell’abito. Queste superfici decorative e lo spazio appiattito testimoniano l’influenza delle stampe giapponesi, sottolineata dall’Art Institute di Chicago. La vicinanza delle figure esprime la cura attraverso gesti concreti. Dipinta nel 1893, questa tela unisce una scena domestica a una composizione molto studiata.
Fonte: Art Institute of Chicago, scheda 1910.2 su Google Arts & Culture.
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#10
Claude Monet10. Ninfee — Museo Ohara
Queste Ninfee sono conservate al Museo Ohara di Kurashiki, in Giappone, e datate intorno al 1906. Gruppi di foglie verdi e piccoli fiori interrompono una superficie blu attraversata da riflessi. L’assenza di riva e orizzonte concentra lo sguardo sull’acqua: le pennellate verticali suggeriscono ciò che vi si riflette, mentre le foglie galleggianti ne indicano la superficie. Il centro relativamente libero lascia circolare lo sguardo tra i gruppi di ninfee. Questa tela di 73 × 92,5 cm appartiene alle numerose variazioni del motivo in Monet; non va confusa con i grandi pannelli tardi dell’Orangerie.
Fonte: Art Platform Japan, dati del catalogo del Museo Ohara.
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#11
Pierre-Auguste Renoir11. La colazione dei canottieri
In La colazione dei canottieri, Renoir riunisce i suoi amici intorno a una tavola sotto una tenda a righe. A sinistra, Aline Charigot, la sua futura moglie, gioca con un cane; a destra, Gustave Caillebotte è seduto a cavalcioni sulla sedia. Gli sguardi e le conversazioni formano diversi piccoli gruppi, collegati dalla diagonale della balaustra. In primo piano, bottiglie, bicchieri e frutta compongono una natura morta luminosa, mentre il paesaggio appare dietro le figure. La scena unisce così ritratti, natura morta e paesaggio in una stessa composizione. Datata 1880–1881, la tela appartiene alla Phillips Collection, che l’ha acquistata nel 1923.
Fonte: Phillips Collection, scheda 1637.
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#12
Edgar Degas12. L’assenzio, o In un caffè
I tavoli vuoti in primo piano conducono lo sguardo verso una donna e un uomo seduti fianco a fianco, senza un’interazione apparente. Un bicchiere d’assenzio si trova davanti alla donna; dietro di loro, lo specchio riprende le loro figure. L’inquadratura decentrata, che taglia una parte dell’uomo, rafforza l’impressione di una scena colta da un tavolo vicino. Eppure Degas ha composto il dipinto in atelier con due conoscenti: l’attrice Ellen Andrée e l’artista Marcellin Desboutin. Il Musée d’Orsay ricorda che ha dovuto precisare pubblicamente che non erano alcolisti. Datata 1875–1876, quest’opera mette in scena l’isolamento senza costituire una testimonianza sui suoi modelli.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 1984.
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#13
Édouard Manet13. Colazione sull’erba
Una donna nuda guarda lo spettatore, seduta vicino a due uomini vestiti in un sottobosco; dietro di loro, una bagnante sembra sproporzionata rispetto al gruppo. Gli abiti e il cesto rovesciato in primo piano rafforzano il carattere quotidiano della scena. Rifiutata al Salon del 1863, la tela viene presentata al Salon des Refusés con il titolo Il bagno. Manet si ispira al Concerto campestre di Tiziano e a un’incisione da Raffaello, ma toglie al nudo il suo alibi mitologico. Il Musée d’Orsay sottolinea anche i contrasti bruschi e la profondità poco convincente: lo scandalo riguarda tanto il modo di dipingere quanto il soggetto.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 1668.
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#14
Gustave Caillebotte14. I piallatori di parquet
Tre operai inginocchiati raschiano un parquet, circondati da trucioli e strumenti. Il punto di vista dall’alto lascia ampio spazio al pavimento: le assi convergono verso la finestra, mentre la luce evidenzia le schiene, le braccia e le superfici già lavorate. Caillebotte unisce l’osservazione dei gesti a una prospettiva rigorosa derivata dalla sua formazione accademica. Il Musée d’Orsay presenta questa tela come una delle prime rappresentazioni degli operai urbani, meno presenti nella pittura rispetto ai contadini. Rifiutata al Salon del 1875, viene esposta con gli impressionisti nel 1876. Il lavoro manuale diventa così il soggetto principale di una grande composizione.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda RF 2718.
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#15
Pierre-Auguste Renoir15. Il palco
In Il palco, Renoir trasforma una serata a teatro in un gioco di sguardi: la donna abbassa il binocolo, mentre l’uomo guarda altrove tra il pubblico. La scena è stata composta in atelier con la modella Nini Lopez ed Edmond, il fratello del pittore. Presentata alla prima mostra impressionista del 1874, unisce un soggetto della vita parigina a un’inquadratura stretta. Le righe bianche e nere dell’abito dialogano con l’abbigliamento dell’uomo; i fiori rosa e le perle illuminano il primo piano. La pennellata morbida conferisce ai tessuti e ai volti una presenza luminosa.
Fonte: Courtauld Gallery — Il palco.
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#16
Claude Monet16. La stazione Saint-Lazare — versione di Londra
Questa versione di La stazione Saint-Lazare, conservata a Londra, mostra due locomotive circondate da viaggiatori sotto la copertura vetrata. Le travi scure e i tre archi a destra danno una struttura al dipinto, mentre il vapore bianco e azzurrato confonde i contorni. Monet dipinge una dozzina di vedute della stazione all’inizio del 1877, dopo aver ottenuto il permesso di lavorarvi. Qui le pennellate rapide privilegiano la luce e l’atmosfera rispetto ai dettagli meccanici. Il museo distingue diverse fasi di esecuzione: questo aspetto spontaneo deriva quindi da un lavoro ripreso. L’opera illustrata è diversa dalle versioni conservate a Orsay e Harvard.
Fonte: National Gallery — The Gare St-Lazare.
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#17
Alfred Sisley17. Il ponte di Villeneuve-la-Garenne
In Il ponte di Villeneuve-la-Garenne, Sisley adotta un punto di vista ravvicinato: il ponte sospeso entra da sinistra e attraversa la composizione in diagonale. Costruita nel 1844, questa struttura in ghisa e pietra collega il villaggio a Saint-Denis. Le barche e i passanti animano le rive della Senna, davanti alle case immerse nel sole. Le pennellate chiare posate sull’acqua suggeriscono riflessi mutevoli, in contrasto con le linee regolari dei cavi. Dipinto nel 1872, il quadro unisce così gli svaghi in riva all’acqua a un’infrastruttura moderna integrata nel paesaggio. Durand-Ruel lo acquista già nell’agosto di quell’anno.
Fonti: Metropolitan Museum of Art — scheda dell’opera; Musée du Luxembourg — composizione e acquisto.
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#18
Gustave Caillebotte18. Il ponte dell’Europa
In Il ponte dell’Europa, Caillebotte raffigura i passanti sopra i binari della stazione Saint-Lazare, a Parigi. La struttura metallica a traliccio occupa la destra: le sue grandi diagonali e la prospettiva del marciapiede conducono lo sguardo verso gli edifici lontani. Una coppia elegante avanza a sinistra, un uomo si sporge sulla ringhiera e un cane entra in primo piano. Le ombre geometriche prolungano le travi sul terreno. Dipinta nel 1876, questa scena fa dell’architettura ferroviaria un soggetto fondamentale della vita moderna. Le figure condividono lo stesso marciapiede, ma le loro direzioni e i loro sguardi creano un’impressione di distanza tra loro.
Fonte: Photo Elysée — dossier della mostra Train Zug Treno Tren (2022), per la data, la tecnica, le dimensioni e la collezione.
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#19
Édouard Manet19. Studio per Un bar alle Folies-Bergère
L’immagine mostra lo Studio per Un bar alle Folies-Bergère, dipinto da Manet nel 1881, anziché la grande tela completata nel 1882. La cameriera si trova a destra del centro, con le mani incrociate davanti alla vita; il suo riflesso appare dietro di lei e la folla è abbozzata con pennellate rapide. Questo piccolo olio prepara la composizione definitiva: Manet vi sposterà la figura al centro e le farà appoggiare le mani sul bancone. Il catalogo del Courtauld conferma che le mani incrociate figuravano anche in un primo stato del dipinto finale. Lo studio, in collezione privata, permette così di seguire i cambiamenti di posa e composizione.
Fonti: The Courtauld Collection — studio del 1881, figura 65 e commento; Courtauld Gallery — dipinto definitivo del 1882.
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#20
Pierre-Auguste Renoir20. L’altalena
In L’altalena, Renoir coglie una conversazione: un uomo di spalle si rivolge a una giovane donna in piedi sull’asse, mentre una bambina e un secondo uomo li osservano. L’abito bianco con fiocchi blu riceve macchie di sole filtrate dal fogliame, come gli abiti e il terreno. Queste pennellate chiare conferiscono alla scena una luce vibrante. Dipinta nell’estate del 1876, l’opera condivide con il Ballo al Moulin de la Galette diversi modelli, tra cui Edmond Renoir, Norbert Goeneutte e Jeanne. Presentata alla mostra impressionista del 1877, non piace ad alcuni critici per i suoi effetti luminosi, ma trova un acquirente in Gustave Caillebotte.
Fonte: Musée d’Orsay — L’altalena.
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#21
Claude Monet21. I covoni — versione del Museum Barberini
Questa versione dei Covoni mostra una fila che si allontana in diagonale da un grande covone tagliato dal bordo sinistro. Il controluce accende i contorni arancioni, mentre viola e blu colorano le ombre. Monet fa dello stesso motivo un laboratorio della luce: gli dedica venticinque dipinti nel 1890–1891, vicino alla sua casa di Giverny. Questi cumuli proteggono fasci di cereali non ancora trebbiati, ricoperti di paglia o fieno. Il Museum Barberini data questa tela al 1890, segnalando al contempo la firma «Claude Monet 91». Appartiene alla collezione Hasso Plattner presentata a Potsdam.
Fonte: Museum Barberini — Grainstacks, MB-Mon-26.
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#22
Edgar Degas22. Ballerine blu
Le Ballerine blu illustrate qui sono un olio su tela del Musée d’Orsay, datato intorno al 1890, anziché il pastello omonimo del Museo Puškin. Tre ballerine occupano il primo piano: una alza le braccia, un’altra è vista di spalle e la terza si china verso il costume. I loro tutù formano un’ampia massa blu, in contrasto con i toni caldi delle quinte a destra. Figure più piccole appaiono sullo sfondo. L’inquadratura ravvicinata, i gesti e i contorni talvolta imprecisi privilegiano il movimento rispetto a una posa da spettacolo. Il dipinto entra nelle collezioni nazionali nel 1951 grazie alla donazione del dottor Albert Charpentier e della moglie.
Fonte: Musée d’Orsay — Ballerine blu.
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#23
Berthe Morisot23. Giorno d’estate
In Giorno d’estate, due donne prendono posto in una barca sul lago del Bois de Boulogne. L’inquadratura stretta ci avvicina alle passeggere: un ombrellino blu poggia sulle ginocchia della donna in abito chiaro, mentre alcune anatre nuotano a destra. Morisot anima gli abiti e l’acqua con pennellate a zigzag, collegando le figure al loro ambiente luminoso. Datata intorno al 1879, la tela è stata probabilmente realizzata in parte in atelier, dopo uno studio ad acquerello sul posto. La National Gallery ritiene che sia stata quasi certamente presentata alla mostra impressionista del 1880 con il titolo Il lago del Bois de Boulogne.
Fonte: National Gallery — Summer’s Day.
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#24
Claude Monet24. I papaveri
Dipinti nel 1873 durante gli anni di Monet ad Argenteuil, I papaveri vengono presentati alla prima mostra impressionista del 1874. Due gruppi, ciascuno formato da una donna e un bambino, organizzano una diagonale tra la sommità del pendio e il primo piano. Il museo identifica probabilmente Camille e Jean Monet nel gruppo più vicino: questa identificazione rimane un’ipotesi. Le grandi pennellate rosse dei fiori scandiscono il campo e contrastano con i verdi azzurrati a destra. I contorni poco dettagliati privilegiano la sensazione luminosa di una passeggiata estiva. La tela entra nelle collezioni nazionali con la donazione Étienne Moreau-Nélaton nel 1906.
Fonte e immagine: Musée d’Orsay — Papaveri. Immagine © GrandPalaisRmn (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski.
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#25
Pierre-Auguste Renoir25. Gli ombrelli
In Gli ombrelli, Renoir avvicina i passanti di una strada parigina sotto una volta di ombrelli blu. A sinistra, una giovane donna porta una cappelliera; a destra, una madre accompagna le due figlie, di cui la più piccola tiene un cerchio. Il dipinto, datato intorno al 1881–1886, è stato realizzato in due grandi fasi distanziate di circa quattro anni. Il gruppo di destra conserva pennellate morbide e luminose, mentre i personaggi di sinistra, ripresi successivamente, presentano contorni più netti. Gli esami tecnici confermano queste differenze. L’opera rende così visibile l’evoluzione di Renoir verso un disegno più strutturato, alimentato dal suo interesse per l’arte classica.
Fonte: National Gallery — The Umbrellas.
Ordina una riproduzione di questo dipinto →Boulevard, stazioni, caffè, palchi e sale da ballo mostrano una capitale in movimento, talvolta elegante e raramente immobile.
#26
Edgar Degas26. Prova di un balletto sul palcoscenico
In Prova di un balletto sul palcoscenico, Degas adotta una veduta laterale e leggermente dall’alto. A sinistra, le ballerine aspettano, si stirano o sistemano gli abiti; a destra, altre provano vicino al bordo illuminato del palco. Il bianco dei tutù scandisce una composizione dominata dai grigi e dai bruni. Questo olio del 1874, presentato alla prima mostra impressionista, fu talvolta scambiato per un disegno. Il sottile strato di pittura lascia vedere ripensamenti, in particolare nelle gambe di alcune figure. Il museo spiega la sua monocromia probabilmente con la destinazione a modello per un incisore: contrasta con i colori brillanti delle opere tarde di Degas.
Fonte: Musée d’Orsay — Prova di un balletto sul palcoscenico.
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#27
Claude Monet27. Il ponte di Argenteuil
Nel Ponte di Argenteuil, Monet dipinge barche a vela ormeggiate davanti al ponte stradale che attraversa la Senna. Questa veduta del 1874 appartiene a un insieme dedicato a questa struttura, distinto dai dipinti del ponte ferroviario. Gli alberi delle barche e i tetti arancioni dialogano con il blu dell’acqua attraverso un contrasto di colori complementari. I contorni saldi delle barche e del ponte contrastano con le pennellate frammentate dei riflessi: la superficie del fiume sembra vibrare senza cancellare la struttura del paesaggio. Presentata alla seconda mostra impressionista nel 1876, questa tela fa della luce sull’acqua un soggetto essenziale quanto il ponte stesso.
Fonte: Musée d’Orsay — Il ponte di Argenteuil.
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#28
Alfred Sisley28. Neve a Louveciennes — versione della Courtauld
In questa versione di Neve a Louveciennes, Sisley segue una strada non lastricata verso le case e le colline del villaggio. Alcuni passanti danno la scala del paesaggio. A destra, i grandi alberi si stagliano con tratti scuri sul cielo, mentre i tetti innevati restituiscono una luce dolce. La neve lascia affiorare la terra e l’erba: i suoi bianchi contrastano con i toni caldi del sentiero e i blu della lontananza. Le pennellate variano secondo le superfici, dando una presenza diversa ai tronchi, alla vegetazione e ai tetti. Questa tela della Courtauld Gallery, datata intorno al 1874, va distinta dal dipinto omonimo conservato al Musée d’Orsay.
Fonte: Courtauld Gallery — Snow at Louveciennes.
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#29
Alfred Sisley29. La barca durante l’inondazione, Port-Marly
Sisley dipinge La barca durante l’inondazione, Port-Marly dopo la piena della Senna della primavera del 1876, un evento al quale dedica sei tele. A sinistra, la casa del commerciante di vini si presenta di scorcio; davanti alla facciata, alcune figure si trovano in una barca. Il cielo nuvoloso e l’acqua occupano gran parte del dipinto. I muri gialli e rosati, disegnati con solidità, contrastano con i riflessi frammentati in primo piano. Questa opposizione fa percepire la stabilità dell’edificio di fronte a una superficie liquida mutevole. L’opera trasforma così un episodio della vita locale in uno studio impressionista della luce, dei colori e dell’acqua.
Fonte: Musée d’Orsay — La barca durante l’inondazione, Port-Marly.
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#30
Édouard Manet30. Argenteuil
Dipinto nell’estate del 1874, Argenteuil testimonia l’avvicinamento di Manet a Monet, che lo invita a lavorare accanto a lui sugli effetti della luce in riva all’acqua. In primo piano, un canottiere in maglia a righe gira la testa verso una donna il cui abito e cappello occupano gran parte della composizione. Secondo il museo di Tournai, l’uomo raffigura Rudolf Leenhoff, cognato del pittore; l’identità della sua compagna rimane sconosciuta. Il blu intenso della Senna separa le figure dalla riva lontana. Alberi delle barche, cordami e vele incorniciano questo doppio ritratto, in cui gli svaghi nautici diventano un soggetto della vita moderna.
Fonte: Musée des Beaux-Arts di Tournai — Argenteuil.
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#31
Pierre-Auguste Renoir31. La passeggiata
Nella Passeggiata, un uomo tende la mano a una donna che avanza su un sentiero boscoso. Il suo abito bianco cattura la luce filtrata dal fogliame, mentre l’abito scuro del compagno si fonde maggiormente nella vegetazione. Dipinta nel 1870, la scena ricorda le passeggiate galanti di Watteau e Fragonard, ammirati da Renoir al Louvre. Testimonia anche le sue ricerche dopo un’estate di lavoro all’aperto con Monet: pennellate morbide, luce frammentata e pittura fluida danno profondità e movimento al sottobosco. Il titolo attuale proviene da un precedente proprietario; quello scelto da Renoir non è noto.
Fonte: J. Paul Getty Museum — The Promenade.
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#32
Camille Pissarro32. Il boulevard Montmartre, mattina di primavera
Dalla sua camera al Grand Hôtel de Russie, Pissarro osserva il boulevard Montmartre dall’alto. In questa mattina di primavera del 1897, le giovani foglie verde chiaro incorniciano una carreggiata animata da carrozze e passanti. Le facciate convergono verso la lontananza, mentre le piccole pennellate fanno circolare lo sguardo tra marciapiedi, alberi e carrozze trainate da cavalli. La prospettiva rimane riconoscibile da una tela all’altra, ma la luce, il tempo e l’attività della strada cambiano: è il principio della sua serie dei boulevard. Presentata a Gerusalemme fino al 2013 dopo la restituzione all’erede di Max Silberberg, quest’opera è stata messa in vendita da Sotheby’s nel 2014.
Fonte: Sotheby’s — catalogo della vendita del 2014, lotto 43.
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#33
Claude Monet33. Il giardino dell’artista a Giverny
Nel Giardino dell’artista a Giverny, gli iris viola e malva occupano il primo piano. Passaggi di terra dai toni caldi attraversano le aiuole, mentre i tronchi e il fogliame lasciano intravedere la casa sullo sfondo. Monet contrappone le pennellate verticali dei fiori ai sentieri che conducono lo sguardo nel giardino: la profondità nasce tanto dai colori quanto dalla prospettiva. Dipinta nel 1900, questa tela raffigura il giardino fiorito del pittore, distinto dal suo stagno delle ninfee. Lo spazio dato agli iris è confermato dalla Casa e dai giardini di Claude Monet. Conservata al Musée d’Orsay, l’opera è entrata nelle collezioni nazionali attraverso una dazione nel 1983.
Fonti: Musée d’Orsay — Il giardino dell’artista a Giverny; Casa e giardini di Claude Monet — gli iris.
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#34
Claude Monet34. Donne in giardino
Con Donne in giardino, Monet dà a una scena contemporanea un formato monumentale, solitamente riservato alla pittura di storia. Inizia la tela all’aperto nel 1866 e scava una trincea per poterla abbassare e dipingere la parte superiore dallo stesso punto di vista. Camille Doncieux posa per le tre figure di sinistra, senza che i loro volti costituiscano veri ritratti. Gli abiti chiari, attraversati dalle ombre del fogliame, rendono visibili le variazioni della luce; l’albero centrale e il sentiero strutturano la composizione. Completato in atelier, il dipinto viene rifiutato al Salon del 1867, in particolare per la pennellata evidente e l’assenza di un racconto tradizionale.
Fonte: Musée d’Orsay — Donne in giardino.
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#35
Édouard Manet35. La ferrovia
Nella Ferrovia, Manet colloca due figure davanti a una grata vicino alla stazione Saint-Lazare. Victorine Meurent, seduta con un libro aperto e un cucciolo addormentato, guarda lo spettatore; la bambina, vista di spalle, si rivolge verso il vapore che nasconde i binari. Il blu dell’abito della donna dialoga con il grande fiocco della bambina, mentre le sbarre nere suddividono lo sfondo chiaro. La loro relazione rimane ambigua: Manet non precisa se si tratti di una madre, di un’accompagnatrice o di un’altra situazione. Esposta al Salon del 1874, la tela fa entrare la ferrovia in una scena della vita quotidiana senza mostrare una locomotiva.
Fonte: National Gallery of Art — The Railway.
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#36
Pierre-Auguste Renoir36. Le grandi bagnanti
Nelle Grandi bagnanti, una donna nell’acqua si prepara a schizzare una compagna seduta sulla riva. Questo gesto giocoso anima una composizione in cui i corpi dai contorni precisi contrastano con il paesaggio dalle pennellate più libere. Renoir lavora a questa tela dal 1884 al 1887, moltiplicando i disegni preparatori, tra cui almeno due grandi studi che riuniscono diverse figure. Il modellato quasi scultoreo e l’applicazione accurata di una pittura asciutta esprimono la sua ricerca di un accordo tra la tradizione francese dei secoli XVII e XVIII e la pittura moderna. L’opera chiarisce così un’evoluzione di Renoir oltre il suo stile impressionista degli anni 1870.
Fonti: Philadelphia Museum of Art — The Great Bathers; scheda della collezione su Google Arts & Culture.
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#37
Camille Pissarro37. Place du Théâtre-Français e avenue de l’Opéra, nebbia
Dipinta nel dicembre 1897 dall’Hôtel du Louvre, questa veduta appartiene alla serie di quindici paesaggi parigini che Pissarro realizza nell’inverno 1897–1898. La fontana, le carrozze e i passanti rimangono percepibili in primo piano, mentre l’avenue de l’Opéra scompare nella nebbia. A destra, la massa dell’edificio del Théâtre-Français contrasta con questo spazio quasi vuoto. I rosa, i grigi e le sfumature malva conferiscono alla scena un’atmosfera umida e ovattata. Secondo la scheda del Dallas Museum of Art, questa tela è l’unico effetto di nebbia della serie. Mostra come Pissarro trasformi un incrocio animato in uno studio dei contorni attenuati dall’aria.
Fonte: Dallas Museum of Art — Place du Theatre Francais: Fog Effect, scheda della collezione.
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#38
Camille Pissarro38. La mietitura a Montfoucault
Nella Mietitura a Montfoucault, i covoni dorati raccolti nel campo dialogano con la massa verde di un grande albero. Alcuni contadini punteggiano la scena, in particolare una figura vicino ai covoni a destra. Il cielo blu carico di nuvole bianche occupa un ampio spazio e dà respiro a questo paesaggio di raccolta. Le pennellate visibili animano la terra, la vegetazione e le nuvole, mentre i gialli del campo contrastano con i verdi della lontananza. Dipinto nel 1876, questo olio su tela viene presentato alla terza mostra impressionista nel 1877. Entra nelle collezioni nazionali nel 1896 grazie al lascito di Gustave Caillebotte.
Fonte: Musée d’Orsay — La mietitura a Montfoucault.
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#39
Claude Monet39. Lo stagno delle ninfee, armonia verde
Nello Stagno delle ninfee, armonia verde, il ponte giapponese forma una grande curva sopra l’acqua. Il fogliame ricadente del salice, le piante delle rive e i loro riflessi circondano i fiori rosa e chiari che punteggiano lo stagno. Monet organizza questa veduta del 1899 attraverso direzioni contrastanti: le linee del ponte attraversano il dipinto, i rami scendono e le pennellate delle ninfee si distendono sulla superficie. L’inquadratura stretta lascia poco spazio al cielo e concentra l’attenzione sui verdi, sui blu e sulla luce riflessa. Questa tela quasi quadrata è entrata nelle collezioni nazionali grazie al lascito del conte Isaac de Camondo nel 1911.
Fonte: Musée d’Orsay — Lo stagno delle ninfee, armonia verde.
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#40
Pierre-Auguste Renoir40. Sentiero in salita nell’erba alta
In Sentiero in salita nell’erba alta, Renoir fa serpeggiare un sentiero chiaro attraverso un pendio verdeggiante. Al centro, alcuni passanti risaltano per gli abiti blu e un ombrellino rosso; altre figure appaiono in cima. I fiori rossi in primo piano dialogano con questo ombrellino, mentre gli alberi proiettano ombre azzurrate nell’erba. La pennellata leggera lascia che i contorni si fondano nella vegetazione: osservate come il sentiero rimanga leggibile senza un disegno marcato. Datato intorno al 1875 dal Musée d’Orsay, questo olio su tela mostra il posto degli svaghi all’aperto nel paesaggio impressionista.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda dell’opera.
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#41
Berthe Morisot41. Donna alla toilette
In Donna alla toilette, Berthe Morisot mostra una parigina di spalle, con un braccio alzato per sciogliere lo chignon dopo un ballo, secondo la scheda del museo. L’abito bianco scopre le spalle; un orecchino e un nastro nero sottolineano la nuca. A sinistra, lo specchio restituisce un riflesso confuso anziché un volto nitido. Le pennellate morbide mescolano l’abito, i fiori e i motivi dell’arredamento in una gamma di bianchi, grigi e rosa. Osservate il contrasto tra il nastro scuro e questa materia leggera: guida l’occhio verso il gesto. Dipinta tra il 1875 e il 1880, l’opera figurava alla quinta mostra impressionista, nel 1880.
Fonte: Art Institute of Chicago, scheda dell’opera.
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#42
Édouard Manet42. Nella serra
In Nella serra, Manet raffigura i suoi amici, i coniugi Guillemet, che gestivano un negozio di moda in rue Saint-Honoré. La donna è seduta davanti a una panchina blu; il marito si china dietro lo schienale. Osservate le loro mani al centro: si avvicinano, ma il sigaro tenuto dall’uomo interrompe il contatto, come sottolinea la scheda del museo. Il cappello giallo e l’ombrellino chiaro illuminano l’abito grigio in mezzo al fogliame. Gli sguardi rimangono separati, conferendo a questa conversazione una tensione discreta. Datata 1878–1879, la tela fu dipinta nell’atelier allestito come serra di Georg von Rosen, poi acquistata per la Nationalgalerie nel 1896.
Fonte: Staatliche Museen zu Berlin, scheda dell’opera.
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#43
Pierre-Auguste Renoir43. Ballo in città
In Ballo in città, Suzanne Valadon e Paul Lhote formano una coppia quasi a grandezza naturale in un formato alto e stretto. L’abito chiaro, i lunghi guanti e il fiore nei capelli risaltano sull’abito nero del partner; la schiena rivolta della ballerina e lo strascico prolungano il movimento verso il basso. Osservate le pieghe azzurrate del tessuto e le braccia che disegnano l’abbraccio. Concepita come pendant di Ballo in campagna, questa tela del 1883 privilegia un’eleganza contenuta e una gamma fredda. Il Musée d’Orsay vi sottolinea il disegno più preciso adottato da Renoir dopo la scoperta di Raffaello in Italia.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda dell’opera.
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#44
Claude Monet44. Terrazza a Sainte-Adresse
Dipinta nell’estate del 1867 vicino a Le Havre, Terrazza a Sainte-Adresse, intitolata anche Giardino a Sainte-Adresse, unisce una scena familiare a un paesaggio marino animato. Due figure sono sedute in primo piano, mentre una coppia si trova vicino alla balaustra; il padre di Monet è l’uomo con il cappello di paglia. Osservate le tre fasce della composizione: terrazza fiorita, mare e cielo. Le aste delle bandiere le attraversano e le ombre azzurrate contrastano con il sole giallo. Questo punto di vista elevato, accostato dal Met alle stampe giapponesi, sottolinea la superficie del dipinto. Monet presentò l’opera alla quarta mostra impressionista, nel 1879.
Fonte: Metropolitan Museum of Art, scheda dell’opera.
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#45
Pierre-Auguste Renoir45. Ritratto di Jeanne Samary
Questo Ritratto di Jeanne Samary mostra l’attrice frontalmente, in un’inquadratura ravvicinata centrata sul volto. I capelli rossi risaltano su uno sfondo dalle pennellate grigie e azzurrate; l’abito nero valorizza un colletto bianco e un grande fiocco rosso. Osservate come questo fiocco richiami il colore delle labbra e animi la parte inferiore del ritratto. Lo sguardo diretto e i contorni morbidi conferiscono alla presenza della modella una semplicità immediata. Questa versione, firmata e datata «Renoir, 77», appartiene alla Comédie-Française. Si distingue dal ritratto con sfondo rosa conservato al Museo Puškin e dal ritratto a figura intera dell’Ermitage.
Fonte: Comédie-Française, catalogo La Grange.
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#46
Mary Cassatt46. Donna con collana di perle in un palco
In Donna con collana di perle in un palco, Mary Cassatt colloca una spettatrice in abito rosa davanti a uno specchio che riflette le balconate dell’Opéra di Parigi. A sinistra si intravede anche la parte posteriore della sua testa: questo riflesso amplia la scena oltre il ritratto. Osservate i bagliori sulla collana, i toni rosa e gialli del volto, poi il ventaglio tenuto sulle ginocchia. Secondo il museo, questi effetti di illuminazione artificiale avvicinano l’opera alle ricerche di Degas. La modella è spesso identificata con Lydia, sorella di Cassatt, senza certezza assoluta. Presentata alla quarta mostra impressionista del 1879, questa tela vi fu particolarmente apprezzata.
Fonti: Philadelphia Museum of Art, scheda dell’opera e scheda del museo su Google Arts & Culture.
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#47
Camille Pissarro47. I tetti rossi, angolo di villaggio, effetto invernale
In I tetti rossi, angolo di villaggio, effetto invernale, intitolato anche Côte Saint-Denis a Pontoise, Pissarro fa apparire le case dietro un intreccio di rami spogli. Le facciate chiare e i tetti arancioni si incastrano con i campi che salgono verso l’orizzonte. Osservate come gli stessi rossi e bruni ritornino dal primo piano alla collina: collegano le diverse parti del paesaggio. La profondità deriva dalla successione dei piani e dal rimpicciolirsi dei motivi, mentre gli impasti catturano la luce. Presentata alla terza mostra impressionista del 1877, questa tela apparteneva a Gustave Caillebotte ed entrò nelle collezioni nazionali grazie al suo lascito, nel 1896.
Fonte: Musée d’Orsay, scheda dell’opera.
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#48
Berthe Morisot48. Eugène Manet sull’isola di Wight
In Eugène Manet sull’isola di Wight, Berthe Morisot dipinge il marito di profilo, sul bordo sinistro del dipinto, durante il viaggio di nozze nel 1875. La scena si svolge al Globe Cottage, a Cowes. Osservate i vasi di fiori sul davanzale, le tende chiare e i montanti scuri: collegano l’interno al giardino e alle banchine dove appaiono figure e barche. I fiori rossi punteggiano una luce dominata dai verdi e dai gialli. Primo ritratto che dedica a Eugène, questa tela privilegia anche le trasparenze e i giochi di luce. Entrò al Musée Marmottan Monet con il lascito Annie Rouart, nel 1993.
Fonte: Musée Marmottan Monet, scheda dell’opera.
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#49
Edgar Degas49. Ballerine alla sbarra
In questa versione di Ballerine alla sbarra, Degas mostra due ballerine che si stirano in una sala prove: una, di profilo, distende la gamba verso sinistra; l’altra, vista di spalle, la solleva verso destra. La sbarra e le assi del parquet conducono lo sguardo in diagonale, mentre un vasto pavimento vuoto separa le figure dallo spettatore. Osservate l’annaffiatoio in primo piano: usato per inumidire il parquet e limitare la polvere, richiama anche la sagoma della ballerina di destra, secondo il Met. Quest’opera del 1877, eseguita con tecniche miste su tela, fu presentata nello stesso anno alla mostra impressionista.
Fonte: Metropolitan Museum of Art, scheda dell’opera.
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#50
Edgar Degas50. Al caffè
In Al caffè, due donne sono sedute davanti a un tessuto bianco punteggiato di rosso. Una inclina la testa; l’altra si china verso di lei, mentre il fogliame occupa lo sfondo. I loro gesti suggeriscono uno scambio, ma Degas lascia aperta la situazione. Il Fitzwilliam Museum precisa che il luogo e l’attività dei personaggi rimangono incerti: il titolo, noto dalla vendita dell’atelier nel 1918, non prova che si tratti di un caffè. I toni smorzati e i volti poco definiti conferiscono al dipinto un’atmosfera contenuta. Conservata da Degas fino alla morte, quest’opera è probabilmente rimasta incompiuta.
Fonti: Fitzwilliam Museum, scheda della collezione e analisi dell’opera.
Consulta la scheda del museo →Senna, inondazioni, giardini e campagne offrono agli artisti un laboratorio a grandezza naturale per osservare l’atmosfera.
#51
Gustave Caillebotte51. Canottieri che remano sull’Yerres
In Canottieri che remano sull’Yerres, Caillebotte colloca lo spettatore all’interno della barca, di fronte a due rematori con cappelli di paglia. Le braccia tese e i remi che attraversano l’inquadratura rendono percepibile lo sforzo. Il primo uomo, tagliato dal bordo inferiore, sembra vicinissimo; il secondo prolunga la prospettiva dello scafo. L’acqua verde, animata da piccole pennellate chiare, contrasta con il legno arancione e le camicie luminose. Questa inquadratura stretta privilegia i gesti e i riflessi rispetto a un panorama delle rive. Dipinta nel 1877, questa tela trasforma il canottaggio sull’Yerres in una scena di svago vissuta a stretto contatto con i corpi.
Fonte: Musée d’Orsay, dossier della mostra «Caillebotte. Dipingere gli uomini».
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#52
Claude Monet52. Il ponte giapponese
Questa versione tarda del Ponte giapponese mostra come Monet trasformi un motivo familiare del suo giardino di Giverny. La passerella attraversa il centro della tela, ma i suoi contorni si mescolano a una vegetazione fitta e ai riflessi dello stagno. Rossi scuri, viola e verdi si intrecciano in pennellate dense; una zona gialla illumina il bordo superiore sinistro, mentre tratti verticali strutturano la destra. Lo sguardo riconosce progressivamente il ponte in questo accumulo di colori. Datata tra il 1918 e il 1924, questa tela differisce nettamente dalle vedute più leggibili dello stesso soggetto dipinte nel 1899. Non firmata, è entrata al Musée Marmottan Monet grazie al lascito di Michel Monet nel 1966.
Fonte: Musée Marmottan Monet, inventario 5091.
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#53
Mary Cassatt53. Madre e bambino
In Madre e bambino, intitolato anche Neonato in abito blu, Cassatt restringe la composizione intorno a una donna vestita di grigio e al bambino che tiene contro di sé. Il volto della madre si distoglie dallo spettatore; quello del bambino rimane visibile, con un dito portato alla bocca. Il braccio materno avvolge il suo corpo e riunisce le due figure in una sola massa. Il blu intenso dell’abito del bambino contrasta con i grigi chiari del vestito, mentre l’ambiente rimane abbozzato. Dipinta intorno al 1889, questa tela fa della vicinanza dei volti e di un gesto ordinario gli elementi essenziali della scena, senza aggiungere un racconto.
Fonti: Cincinnati Art Museum, scheda su Google Arts & Culture e documentazione del museo sulla conservazione.
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#54
Alfred Sisley54. Il canale Saint-Martin
Sisley dipinge qui Il canale Saint-Martin nel 1872, data iscritta sulla tela, anziché nel 1870 come in un’altra veduta dello stesso luogo. Il canale occupa il primo piano; le facciate chiare della riva sinistra vi si riflettono in fasce blu, grigie e bianche. Una passerella e piccole figure punteggiano lo sfondo, mentre la banchina di destra apre una diagonale verso l’acqua. Il vasto cielo nuvoloso dà respiro a questo paesaggio parigino. La pennellata frammentata anima i riflessi e collega gli edifici all’atmosfera. Questo piccolo formato mostra l’interesse di Sisley per la luce di un luogo urbano oltre che per i paesaggi di campagna. L’opera proviene dalla donazione Moreau-Nélaton del 1907.
Fonte: Musée d’Orsay, Il canale Saint-Martin, RF 1701.
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#55
Claude Monet55. Donna con parasole — Madame Monet e suo figlio (La passeggiata)
Camille Monet si trova su una collina, con il figlio Jean leggermente arretrato, in questa tela del 1875 chiamata anche La passeggiata. Il punto di vista dal basso fa risaltare le sagome contro il cielo. Il parasole verde, il velo e le pieghe dell’abito rendono il movimento del vento; l’ombra di Camille si allunga verso il primo piano. Monet riprende i piccoli tocchi gialli dei fiori nei riflessi luminosi del vestito, collegando così la figura al paesaggio. Secondo la National Gallery of Art, la tela fu realizzata in un’unica seduta all’aperto. Le pennellate visibili rafforzano questa impressione di un istante colto al volo. Presentata alla seconda mostra impressionista nel 1876, l’opera unisce il ritratto di famiglia allo studio della luce.
Fonte: National Gallery of Art, Madame Monet e suo figlio.
Consulta la scheda del museo →
#56
Claude Monet56. Regate ad Argenteuil
In Regate ad Argenteuil, dipinto intorno al 1872, le vele chiare si stagliano davanti alle case dai tetti rossi e alla vegetazione della riva. Monet ne riprende i colori nell’acqua, ma frammenta i riflessi in pennellate orizzontali: le forme restano riconoscibili pur perdendo i contorni netti. Gli alberi delle barche e le vele offrono riferimenti verticali su questa superficie mobile. Argenteuil, dove Monet si stabilisce alla fine del 1871, è allora un importante luogo di svago nautico, facilmente raggiungibile da Parigi in treno. Il soggetto gli permette soprattutto di osservare insieme le variazioni dell’aria e dell’acqua alla luce naturale. Conservata al Musée d’Orsay, questa tela fa parte del lascito Caillebotte accettato nel 1896.
Fonte: Musée d’Orsay, Regate ad Argenteuil, RF 2778.
Consulta la scheda del museo →
#57
Alfred Sisley57. Canale del Loing
Questa veduta del Canale del Loing risale al 1884, come indica la firma «Sisley 84» in basso a destra. Un ampio cielo chiaro occupa gran parte della tela; le case e gli alberi sulla riva sinistra formano una fascia bassa all’orizzonte. Alcune barche punteggiano il canale, con un albero vicino al centro e un’imbarcazione scura a destra. Nell’acqua, i riflessi degli edifici si scompongono in brevi pennellate, mentre l’azzurro del cielo si prolunga in primo piano. Sisley bilancia così la discreta attività del canale e l’apertura del paesaggio. Questa piccola tela, distinta dal suo Canale del Loing del 1892, è entrata nelle collezioni nazionali attraverso un lascito nel 1972.
Fonte: Musée d’Orsay, Canale del Loing, RF 1972 33.
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#58
Berthe Morisot58. La lettura
In La lettura, Morisot ritrae la sorella Edma seduta su uno scialle in un prato, con gli occhi abbassati verso un libro blu. Un parasole e un ventaglio sono posati sull’erba, lontano dalla sua attenzione. L’abito bianco cattura le sfumature della luce esterna; i suoi piccoli motivi floreali richiamano i fiori del terreno. Il Cleveland Museum of Art ha scoperto attraverso una radiografia che Morisot aveva inizialmente dipinto Edma rivolta verso lo spettatore, prima di orientarne lo sguardo verso le pagine. Questa modifica rende la concentrazione della lettrice essenziale per la scena. Dipinta nel 1873 e presentata alla prima mostra impressionista nel 1874, la tela unisce ritratto di famiglia, svago e osservazione della luce.
Fonti: Cleveland Museum of Art, La lettura e documentazione del museo sulla conservazione.
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#59
Édouard Manet59. Da père Lathuille, all’aperto
Nel giardino del ristorante di père Lathuille, nel quartiere delle Batignolles, un giovane si china verso una donna seduta davanti a un tavolo coperto da una tovaglia bianca. Il braccio appoggiato allo schienale della sedia e lo sguardo insistente rendono evidente la scena di corteggiamento. Il cameriere, in piedi a destra, guarda verso lo spettatore e lo coinvolge in questo scambio. Manet contrappone la giacca chiara del giovane all’abito scuro della donna, tra i verdi del giardino. Il LACMA identifica il modello maschile come Louis Gauthier-Lathuille, figlio del proprietario. Dipinto nel 1879 e presentato al Salon del 1880, il quadro illustra l’interesse di Manet per le relazioni e i gesti della moderna vita parigina.
Fonti: Musée des Beaux-Arts di Tournai, LACMA, identificazione del modello e Musée d’Orsay, Salon del 1880.
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#60
Claude Monet60. La rue Montorgueil
Monet dipinge La rue Montorgueil il 30 giugno 1878, durante una festa che celebra la pace e il lavoro, organizzata nel corso dell’Esposizione universale di Parigi. Quest’ultima era aperta da qualche settimana: non si tratta quindi della sua chiusura. Osservata da una finestra, la strada si inoltra tra due facciate ricoperte di bandiere tricolori. Le pennellate rosse, bianche e blu ne suggeriscono lo sventolio, mentre le piccole sagome conferiscono alla folla un movimento continuo. Il formato verticale accentua la profondità e la sensazione di immersione in questa animazione collettiva. Il Musée d’Orsay ricorda che la scena viene spesso confusa con il 14 luglio, diventato festa nazionale soltanto nel 1880. Monet mostra qui una Parigi festosa nel contesto del consolidamento del regime repubblicano.
Fonte: Musée d’Orsay, La rue Montorgueil, festa del 30 giugno 1878.
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#61
Alfred Sisley61. Il ponte di Moret
In questa versione del 1888 del Ponte di Moret, Sisley riunisce le arcate del ponte, i mulini e la porta di Borgogna intorno al Loing. Gli edifici chiari occupano il centro, mentre l’acqua e il cielo danno respiro alla composizione. Le brevi pennellate fanno vibrare i riflessi senza cancellare la solidità dell’architettura. I grigi azzurrati dialogano con i toni più caldi dei tetti, creando un equilibrio sottolineato dal museo. Questo paesaggio mostra come Sisley associ un luogo riconoscibile di Moret-sur-Loing allo studio della luce: le costruzioni strutturano la veduta, ma il fiume anima tutta la parte inferiore del dipinto.
Fonte: Minneapolis Institute of Art — scheda dell’opera.
Vedi l’opera al museo →
#62
Pierre-Auguste Renoir62. Madame Charpentier e i suoi figli
Renoir ritrae Marguerite Charpentier, moglie dell’editore Georges Charpentier, nel salotto della loro residenza parigina. Paul, di tre anni, è seduto vicino alla madre; sua sorella Georgette prende posto sul grande cane di famiglia. I loro abiti identici rispecchiano la moda infantile dell’epoca: non si tratta dunque di due bambine. L’abito nero di Madame Charpentier contrasta con i vestiti blu e bianchi dei bambini e con l’arredamento giapponese dai toni dorati. Commissionato a Renoir, questo ritratto unisce eleganza sociale e intimità familiare. Marguerite, che riceveva tra gli altri Flaubert e Zola, ottenne per il quadro una collocazione favorevole al Salon del 1879.
Fonte: Metropolitan Museum of Art — scheda dell’opera.
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#63
Claude Monet63. Il bacino di Argenteuil
Questa versione del Bacino di Argenteuil, intitolata anche Il porto di Argenteuil, è dipinta nel 1874 e conservata a Bloomington. Monet adotta un punto di vista elevato: la riva alberata attraversa diagonalmente la parte sinistra, mentre le barche a vela ormeggiate occupano l’acqua a destra. I loro alberi e riflessi formano una successione di verticali, in contrasto con le piccole pennellate orizzontali del fiume. Un edificio giallo in primo piano e le ciminiere lontane ricordano che questo luogo di svago appartiene anche a una città industriale. La luce dai toni dorati avvicina il cielo all’acqua e unisce questi elementi. Questa tela va distinta dalla versione del Musée d’Orsay, datata intorno al 1872.
Fonti: Smithsonian — identificazione dell’opera di Bloomington; Musée d’Orsay — altra versione, circa 1872.
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#64
Edgar Degas64. L’orchestra dell’Opéra
In primo piano ne L’orchestra dell’Opéra, Degas mette in risalto l’amico Désiré Dihau, intento a suonare il fagotto. I volti e gli strumenti si staccano dagli abiti neri; sopra, i tutù luminosi e le gambe delle ballerine appaiono in un’inquadratura che taglia la parte superiore dei loro corpi. Questa contrapposizione assegna ai musicisti il posto centrale solitamente riservato al balletto. Degas riorganizza anche la buca dell’orchestra per valorizzare Dihau, in particolare portando avanti il suo strumento: la scena è una composizione studiata, non una riproduzione fedele dell’orchestra. Dipinta intorno al 1870, quest’opera unisce ritratto di gruppo e spettacolo, invitando a osservare chi produce la musica.
Fonti: Musée d’Orsay — scheda dell’opera; dossier della mostra Degas all’Opéra.
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#65
Paul Cézanne65. La casa dell’impiccato
Ad Auvers-sur-Oise, Cézanne dipinge un paesaggio senza figure umane in cui le case e i terrapieni occupano quasi tutto il primo piano. I sentieri seguono diverse direzioni: uno sale verso sinistra, un altro scende tra gli edifici, mentre i rami prolungano queste diagonali. La composizione raccolta e la pittura spessa conferiscono a muri e tetti una presenza solida. Il lavoro al fianco di Pissarro si ritrova nella tavolozza schiarita e nelle pennellate separate, ma Cézanne conserva una materia densa che distingue il suo stile. Presentata insieme ad altre due tele alla prima mostra impressionista del 1874, La casa dell’impiccato viene acquistata dal conte Doria, per poi entrare nelle collezioni nazionali attraverso il lascito Camondo del 1911.
Fonte: Musée d’Orsay — scheda dell’opera.
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#66
Claude Monet66. Il Parlamento di Londra, sole al tramonto
In questa versione firmata e datata 1903, Monet trasforma il Parlamento di Londra in una sagoma blu che si staglia contro un cielo rosa, giallo e viola. Le torri restano riconoscibili, ma i loro contorni si fondono nell’atmosfera. Sul Tamigi, le brevi pennellate orizzontali mescolano i colori del cielo ai riflessi degli edifici, mentre una piccola imbarcazione si distingue vicino al centro. Questo contrasto tra le verticali dell’architettura e il movimento dell’acqua struttura il dipinto. L’interesse si concentra sulla luce mutevole quanto sul monumento stesso. La tela fu esposta da Durand-Ruel nel 1904, poi entrò alla National Gallery of Art attraverso il lascito Chester Dale del 1963.
Fonte: National Gallery of Art — scheda dell’opera.
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#67
Mary Cassatt67. Nel palco
In Nel palco, Cassatt ritrae di profilo una spettatrice vestita di nero, che porta il binocolo agli occhi. Il volto e la mano chiara si staccano dall’abito scuro; le balconate curve guidano lo sguardo verso gli altri spettatori. In lontananza, anche un uomo la osserva con un binocolo. Secondo il museo, la donna sta guardando un altro membro del pubblico: il soggetto è dunque la sala e i suoi scambi di sguardi quanto lo spettacolo. Il ventaglio tenuto sulle ginocchia e le pennellate rapide delle figure lontane completano questa scena della vita parigina. Dipinta nel 1878, l’opera mostra una donna che partecipa attivamente all’osservazione, anche quando diventa lei stessa il centro dell’attenzione.
Fonte: Museum of Fine Arts, Boston — scheda pubblicata su Google Arts & Culture.
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#68
Édouard Manet68. La prugna
In La prugna, Manet dipinge una donna seduta a un tavolino di caffè, con la guancia appoggiata sul dorso della mano e lo sguardo rivolto lontano. L’abito rosa e i pizzi chiari contrastano con la panca rossa e i rivestimenti in legno dello sfondo. L’altra mano tiene una sigaretta; davanti a lei, un piccolo bicchiere contiene una prugna in un liquido ambrato. Il tavolo di marmo separa la figura dallo spettatore e reca la firma del pittore. Questi dettagli conferiscono alla scena un’impressione di pausa, senza chiarire che cosa la donna stia aspettando né quale sia la sua storia. Datata intorno al 1877, la tela entra alla National Gallery of Art nel 1971 grazie alla donazione della collezione Paul Mellon.
Fonte: National Gallery of Art — scheda dell’opera.
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#69
Édouard Manet69. Il riposo
Manet ritrae la pittrice Berthe Morisot in abito bianco, seduta con atteggiamento rilassato su un divano dai toni scuri. Il braccio disteso, il ventaglio e le ampie pieghe del tessuto organizzano il primo piano; i contrasti tra chiaro e scuro rafforzano la presenza della figura in uno spazio raccolto. Sopra di lei, una stampa giapponese mostra una tuffatrice inseguita da un drago: la sua agitazione contrasta con la calma della posa. Secondo il museo, questo atteggiamento e l’abbigliamento informale disorientarono alcuni spettatori. Manet concepiva l’opera come uno studio del riposo fisico e interiore. Datata intorno al 1871, oggi è conservata al RISD Museum grazie al lascito Edith Stuyvesant Vanderbilt Gerry del 1959.
Fonte: RISD Museum — scheda dell’opera e immagine, pubblico dominio CC0.
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#70
Mary Cassatt70. Ragazza in giardino
Intitolata anche Giovane donna che cuce in un giardino, questa tela di Cassatt mostra una figura seduta, con il capo chino sul lavoro. Le mani ravvicinate e lo sguardo concentrato rendono centrale il gesto del cucire. L’abito chiaro occupa gran parte del primo piano, circondato da fiori rossi e fogliame verde; dietro la donna, un sentiero diagonale dà profondità al giardino. Il volto e il busto sono disegnati con precisione, mentre la gonna e la vegetazione sono trattate con pennellate più libere. Questa differenza di tocco unisce l’osservazione della figura alla luce all’aperto. Dipinta tra il 1880 e il 1882, l’opera viene presentata all’ultima mostra impressionista del 1886.
Fonte: Musée d’Orsay — scheda dell’opera.
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#71
Mary Cassatt71. La tazza di tè
Cassatt sceglie come modella la sorella Lydia, trasferitasi a Parigi con i loro genitori nel 1877. La giovane donna è ritratta di profilo, vestita di rosa, mentre tiene una tazza e il suo piattino con le mani guantate di bianco. L’abito chiaro contrasta con la poltrona scura; i fiori e le pennellate verdi dello sfondo prolungano gli accordi cromatici. Il gesto di bere il tè diventa il soggetto principale, all’incrocio tra il ritratto di famiglia e un rituale sociale della borghesia parigina. Le pennellate visibili animano i tessuti senza compromettere la leggibilità della posa. Datata intorno al 1880–1881, La tazza di tè viene esposta con successo alla mostra impressionista del 1881.
Fonte: Metropolitan Museum of Art — scheda dell’opera.
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#72
Claude Monet72. La Grenouillère — Claude Monet (Met, 1869)
Nell’estate del 1869, Monet e Renoir lavorano a La Grenouillère, un luogo sulla Senna vicino a Parigi frequentato per i bagni e le gite in barca. In questa versione, una piccola piattaforma alberata riunisce i visitatori al centro; i bagnanti appaiono a sinistra, il caffè galleggiante a destra e le barche in primo piano. I riflessi sono dipinti con pennellate ampie e separate, la cui alternanza di chiaro e scuro rende percepibile il movimento dell’acqua. Le figure restano abbozzate, mentre le passerelle e le imbarcazioni organizzano lo spazio. Monet considerava questi studi preparatori a una composizione più ambiziosa. Il Met accosta questa tela a una versione di Renoir conservata a Stoccolma: il confronto rivela due sguardi sullo stesso motivo.
Fonte: Metropolitan Museum of Art — scheda dell’opera.
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#73
Claude Monet73. La gazza
Monet dipinge La gazza nella campagna vicino a Étretat durante l’inverno 1868–1869. L’uccello, una piccola sagoma scura posata su un cancello, attira lo sguardo in un paesaggio dominato dalla neve. La recinzione, gli alberi e le case strutturano lo spazio, mentre le loro ombre attraversano il primo piano. Le zone azzurrate e violacee contrastano con i bianchi più caldi illuminati dal sole: la neve diventa così una superficie che riceve e trasforma la luce. Questa tavolozza chiara dà profondità a una scena quasi silenziosa, senza ricorrere a ombre uniformemente nere. Il museo ricorda che l’audacia di questa ricerca contribuì al rifiuto della tela da parte della giuria del Salon del 1869.
Fonte: Musée d’Orsay — scheda dell’opera.
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#74
Gustave Caillebotte74. L’uomo al balcone, boulevard Haussmann
In L’uomo al balcone, boulevard Haussmann, Gustave Caillebotte colloca in primo piano una figura con il cilindro, di fronte alla Parigi che osserva. La balaustra in ferro battuto e la tenda a righe incorniciano una veduta in cui gli alberi nascondono parte della strada, mentre le facciate restano visibili sopra il fogliame. Questa inquadratura associa la vicinanza del balcone alla profondità del boulevard. Dipinto dall’appartamento dell’artista, all’angolo tra rue Gluck e boulevard Haussmann, il quadro reca una firma datata 1880. Fu presentato alla settima mostra impressionista, nel 1882.
Fonte: Christie’s: titolo, data, dimensioni, provenienza e mostre.
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#75
Édouard Manet75. Il balcone
In Il balcone, Édouard Manet riunisce Berthe Morisot, seduta in primo piano, la violinista Fanny Claus e il pittore Antoine Guillemet. I loro sguardi seguono direzioni diverse, senza suggerire una conversazione o una narrazione evidente. Gli abiti bianchi si staccano dall’interno scuro; il verde della balaustra e delle persiane dialoga con il blu della cravatta. Questo contrasto, insieme all’immobilità delle figure, spiega la singolarità di questa scena della vita borghese. Presentata al Salon del 1869, suscitò l’incomprensione dei critici. La composizione richiama le Majas al balcone di Goya. Conservata al Musée d’Orsay, l’opera è entrata nelle collezioni pubbliche grazie al lascito Caillebotte, accettato nel 1896.
Fonte: Musée d’Orsay: scheda, dimensioni, modelli e provenienza.
Ordina una riproduzione di questo dipinto →Ritratti, scene familiari e paesaggi meno celebri rivelano le differenze tra dieci sensibilità, senza un modo uniforme di usare il pennello.
#76
Camille Pissarro76. Stazione di Lordship Lane, Dulwich
Camille Pissarro dipinge La stazione di Lordship Lane, Dulwich durante il soggiorno a Londra, dove si è rifugiato con la famiglia alla fine del 1870 per sfuggire alla guerra franco-prussiana. Da una passerella sopra i binari, osserva un treno che lascia la stazione. Le rotaie guidano lo sguardo verso le case, mentre le scarpate verdi e gli alberi conservano l’aspetto rurale del luogo. Il vapore si mescola al cielo chiaro: la ferrovia si integra nel paesaggio di un sobborgo in piena trasformazione. Nella versione ultimata non compare alcun passante; il Courtauld precisa che Pissarro ha cancellato un uomo inizialmente dipinto sulla scarpata a destra.
Fonte: Courtauld Gallery: scheda, dimensioni e studio del dipinto.
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#77
Alfred Sisley77. Il disgelo della Senna a Port-Marly
In Il disgelo della Senna a Port-Marly, Alfred Sisley dipinge un paesaggio invernale in cui le superfici bianche della neve e del ghiaccio si alternano alle zone scure dell’acqua. Alcune figure e una piccola barca occupano il primo piano; sull’altra riva, le case dai tetti innevati si stagliano davanti a un pendio boscoso. Le pennellate frammentate conferiscono alla superficie del fiume un aspetto irregolare, mentre il cielo grigio avvolge l’insieme in una luce fredda. Il titolo rimanda alla rottura del ghiaccio durante il disgelo. Questo dipinto a olio del 1876 appartiene al Museu de Montserrat grazie alla donazione Xavier Busquets e non va confuso con La Senna a Port-Marly conservata a Lione.
Fonte: Museu de Montserrat: titolo, data, dimensioni e donazione.
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#78
Camille Pissarro78. Boulevard des Italiens, mattina, sole
In Boulevard des Italiens, mattina, sole, Camille Pissarro osserva Parigi da un punto di vista elevato. La carreggiata attraversa diagonalmente il dipinto, tra le facciate e i filari di alberi. Carrozze, omnibus e pedoni compongono un traffico intenso; i chioschi e i viaggiatori riuniti vicino ai veicoli rendono concreta la vita del boulevard. Le piccole pennellate colorate mescolano le sagome alla luce filtrata dai rami. Questa veduta appartiene ai paesaggi urbani dipinti nel 1897 dal Grand Hôtel de Russie, in rue Drouot. Mostra come Pissarro applichi la sua attenzione impressionista alle variazioni della luce e al movimento della città. L’opera è entrata alla National Gallery of Art attraverso il lascito Chester Dale, nel 1963.
Fonte: National Gallery of Art: scheda, dimensioni e provenienza.
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#79
Edgar Degas79. Dopo il bagno
Questa versione di Dopo il bagno, intitolata anche Donna che si asciuga, è un pastello di Degas conservato a Roma. La donna inclina la testa e il busto; il braccio piegato, le gambe e l’asciugamano bianco compongono un insieme di diagonali. L’inquadratura ravvicinata lascia poco spazio all’ambiente e concentra l’attenzione sul gesto della cura personale. Tratteggi blu, gialli e rosa attraversano sia lo sfondo sia il corpo, rendendo visibile la lavorazione del pastello. Datata intorno al 1886, quest’opera illustra la ricerca di Degas sui movimenti quotidiani e sui punti di vista insoliti. È distinta dal dipinto a olio After the Bath, del 1895 circa, conservato al Getty Museum.
Fonti: Galleria Nazionale: opera e dimensioni; catalogo ragionato di Degas, MS 1059: titolo, tecnica e datazione.
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#80
Edgar Degas80. La prova nel foyer della danza
In La prova nel foyer della danza, Degas rappresenta una sala dell’antica Opéra di rue Le Peletier. Le grandi finestre illuminano le ballerine in controluce, in una gamma quasi monocromatica ravvivata da alcune cinture colorate. A sinistra, il maestro inclina il corpo e solleva le braccia per mostrare un movimento; a destra, un’allieva si appoggia alla balaustra. La colonna e le diagonali del pavimento organizzano i gruppi senza allinearli. Secondo la Phillips Collection, alcuni elementi architettonici sono inventati: questa scena unisce osservazione e costruzione in atelier. Presentata alla seconda mostra impressionista nel 1876, fu inoltre dipinta su una tela che in precedenza recava un ritratto verticale.
Fonte: The Phillips Collection: scheda, dimensioni e studio della composizione.
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#81
Pierre-Auguste Renoir81. La Grenouillère — Renoir (Winterthur, 1869)
In questa versione di La Grenouillère, Renoir dipinge un luogo sulla Senna frequentato per i bagni e le passeggiate, dove lavora accanto a Monet nel 1869. Le barche occupano il primo piano; una passerella attraversa il centro della composizione e raggiunge l’isolotto animato a destra. I visitatori in abiti chiari e completi scuri, i bagnanti e le strutture sotto gli alberi conferiscono al paesaggio il suo carattere di svago. Sull’acqua, ampie pennellate verdi, blu e gialle frammentano i riflessi, mentre il fogliame forma una massa più scura. Due anatre punteggiano la parte bassa della scena. Conservata a Winterthur, questa tela è una versione distinta da La Grenouillère di Renoir conservata a Stoccolma.
Fonte: Collezione Oskar Reinhart: opera, data, tecnica e dimensioni.
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#82
Édouard Manet82. Musica alle Tuileries
In Musica alle Tuileries, Manet rappresenta una folla elegante riunita sotto gli alberi del giardino parigino per un concerto. I musicisti restano fuori dal dipinto: il soggetto visibile è il pubblico, con le sue sedie, i bambini, gli abiti chiari e i cilindri. Manet si ritrae all’estrema sinistra, parzialmente tagliato dal bordo della tela; Baudelaire, Fantin-Latour e Offenbach figurano tra le persone della sua cerchia rappresentate. I tronchi scandiscono la folla, i cui volti sono talvolta precisi e talvolta appena abbozzati. Dipinta nel 1862 ed esposta da Martinet nel 1863, questa scena fa dello svago urbano un soggetto pittorico di primo piano e anticipa l’interesse degli impressionisti per la vita moderna.
Fonte: National Gallery: scheda, personaggi, dimensioni e provenienza.
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#83
Pierre-Auguste Renoir83. Sulla terrazza
In Sulla terrazza, noto anche con il titolo Le due sorelle, Renoir colloca una giovane donna e una bambina sulla terrazza del ristorante Fournaise a Chatou. Nonostante il titolo, le due modelle non sono sorelle. Il rosso del cappello della più grande contrasta con il suo abito blu; i fiori sul cappello della bambina richiamano le matasse di lana colorata nel cesto in primo piano. I volti sono dipinti con precisione, mentre la Senna, le barche e i rami dietro la balaustra si fondono in pennellate più libere. Questa differenza di trattamento associa la presenza delle modelle agli effetti di luce del paesaggio. La tela del 1881 fu presentata alla mostra impressionista del 1882.
Fonte: Art Institute of Chicago: scheda, modelle, tecnica e dimensioni.
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#84
Alfred Sisley84. La strada della Machine, Louveciennes
In La strada della Machine, Louveciennes, Sisley costruisce il paesaggio intorno a una strada che collega il primo piano a un orizzonte leggermente decentrato. Il filare di alberi a sinistra segna la profondità attraverso la diminuzione dei tronchi e delle distanze tra loro. Le ombre attraversano il terreno, mentre le case e il muro a destra incorniciano la strada. Un ampio cielo chiaro occupa la parte superiore, conferendo a questa prospettiva rigorosa una luce aperta. Le piccole sagome dei passanti introducono una presenza quotidiana senza distogliere l’attenzione dal paesaggio. Dipinto nel 1873, questo olio conservato al Musée d’Orsay mostra come Sisley associ una composizione saldamente organizzata all’osservazione delle variazioni della luce nell’Île-de-France.
Fonte: Musée d’Orsay: scheda, prospettiva, tecnica e dimensioni.
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#85
Alfred Sisley85. Effetto di neve a Louveciennes
In Effetto di neve a Louveciennes, Sisley dedica ampio spazio a un cielo azzurro pallido sopra un sentiero innevato. Una recinzione guida lo sguardo verso alcuni passanti e le case del villaggio, mentre gli alberi spogli disegnano l’orizzonte. In primo piano, le ombre blu attraversano la neve e contrastano con le sue zone illuminate, più calde. Le pennellate visibili rendono le irregolarità del terreno: il bianco diventa un insieme di sfumature anziché una superficie uniforme. Firmato e datato 1874, questo olio è oggi conservato nella collezione Hasso Plattner al Museum Barberini di Potsdam. La collezione lo ha acquistato nel marzo 2017.
Fonte: Museum Barberini: scheda, dimensioni, inventario e provenienza.
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#86
Pierre-Auguste Renoir86. Ragazza con nastro blu
In Ragazza con nastro blu, Renoir ritrae la modella di profilo, con lo sguardo rivolto a sinistra. Il nastro blu è annodato intorno al collo, non tra i capelli. Introduce un accento freddo tra i toni chiari del volto e delle spalle, davanti a uno sfondo arancione percorso da pennellate verticali. Il contorno del profilo è definito con cura, mentre l’abito e lo sfondo conservano una fattura più libera. Questa associazione di disegno e colore conferisce al ritratto la sua presenza senza ricorrere a un ambiente dettagliato. Dipinta nel 1888, l’opera è conservata al Musée des Beaux-Arts di Lione dal lascito Jacqueline Delubac del 1997.
Fonte: Musée des Beaux-Arts di Lione: scheda, dimensioni e provenienza.
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#87
Edgar Degas87. La tinozza
In La tinozza, una donna accovacciata si lava in un’ampia bacinella, mentre un ripiano a destra riunisce due brocche, spazzole e un panno. Il punto di vista dall’alto sottolinea la curva della schiena e il cerchio del recipiente; il ripiano sembra quasi ribaltato verso lo spettatore. Questo scarto prospettico, che il Musée d’Orsay accosta alle stampe giapponesi, rende la composizione particolarmente audace. I tratti di pastello mescolano toni ramati, grigi e blu, lasciando visibile la materia del disegno. Presentata all’ultima mostra impressionista nel 1886, l’opera trasforma un gesto quotidiano in uno studio del corpo, dello spazio e del colore.
Fonte: Musée d’Orsay — La tinozza.
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#88
Gustave Caillebotte88. I giardinieri
Nell’orto della proprietà di famiglia a Yerres, due giardinieri avanzano tra le file di piante. In primo piano, uno di loro, a piedi nudi e con un cappello di paglia, usa contemporaneamente due annaffiatoi; più lontano, il collega porta i suoi. Le linee delle colture e delle campane di vetro guidano lo sguardo verso il fondo del giardino, chiuso da un muro e da un filare di grandi alberi. La terra bagnata assume sfumature malva che contrastano con i verdi delle foglie e le zone asciutte più calde. Come ne I piallatori di parquet, Caillebotte assegna un posto centrale al lavoro manuale: il giardino appare qui come uno spazio curato attraverso gesti precisi.
Fonte: Maison Caillebotte — I giardinieri e l’orto di Yerres.
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#89
Camille Pissarro89. Le rive dell’Oise a Pontoise
Il sentiero chiaro in primo piano costeggia l’Oise e guida lo sguardo verso le case sull’altra riva. Passanti, piccole imbarcazioni e alberi collegano la vita quotidiana al paesaggio; sopra i tetti, un’alta ciminiera lascia salire il fumo in un cielo blu attraversato da nuvole. Questa presenza industriale attenua l’idea di una campagna completamente incontaminata: Pissarro osserva un territorio in cui vegetazione, abitazioni e attività economica convivono. Il grande albero a destra incornicia la veduta, mentre le verticali del campanile e della ciminiera scandiscono l’orizzonte. Il catalogo ragionato colloca l’esecuzione nel 1868, precisando però che il quadro reca la data 1870: i due riferimenti non indicano dunque la stessa informazione.
Fonte: Wildenstein Plattner Institute — catalogo ragionato di Pissarro, rimando all’opera n. 124.
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#90
Édouard Manet90. Corse a Longchamp
All’ippodromo di Longchamp, nel bois de Boulogne, i cavalli e i loro fantini arrivano quasi frontalmente, al termine della corsa. Le barriere oblique guidano lo sguardo verso il gruppo, mentre gli spettatori formano fasce serrate ai lati della pista. Le giubbe chiare e blu si staccano dai cavalli scuri; le pennellate rapide e gli spruzzi di terra rendono percepibile la velocità. Manet sceglie così un punto di vista insolito per la pittura sportiva, che privilegiava i cavalli visti di profilo. Questa scena unisce movimento, spettacolo e svago moderno. Il museo precisa che l’artista stesso ha ridotto una composizione inizialmente più grande al formato oggi conservato.
Fonte: Art Institute of Chicago — The Races at Longchamp.
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#91
Berthe Morisot91. Donna e bambina al balcone
Dal balcone della casa di famiglia di Morisot, in rue Benjamin-Franklin a Passy, una donna in abito nero e una bambina contemplano Parigi. L’abito chiaro della bambina, i suoi nastri blu e i fiori rossi in alto a destra contrastano con i toni attenuati del panorama. Sullo sfondo si distinguono la Senna, il Champ-de-Mars e, a destra, la cupola dorata degli Invalides. Le figure e i loro abiti sono lavorati con maggiore precisione rispetto alla città, resa con pennellate rapide. L’identità delle modelle resta discussa: l’Artizon Museum cita una delle sorelle di Morisot, Edma o Yves, e forse Paule Gobillard per la bambina. Il balcone collega così una scena familiare alla veduta della capitale moderna.
Fonti: Artizon Museum — Woman and Child on the Balcony; Christie’s — dimensioni e tecnica.
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#92
Edgar Degas92. La stiratrice
La stiratrice è raffigurata in piedi, frontalmente, dietro un tavolo coperto da un grande telo bianco. La mano destra tiene il ferro, ma lo sguardo è rivolto verso lo spettatore, come se il lavoro fosse stato momentaneamente interrotto. Capi di biancheria appesi riempiono lo sfondo e prolungano i toni chiari del corpetto; la gonna scura dà peso alla figura. Il volto è modellato con precisione, mentre i tessuti conservano tratti e sfregamenti visibili. Realizzata a carboncino, gesso bianco e pastello, quest’opera conferisce a una lavoratrice una presenza vicina a quella di un ritratto. Il Musée d’Orsay identifica la modella come Emma Dobigny; l’opera proviene dal lascito Antonin Personnaz del 1937.
Fonte: Musée d’Orsay — La stiratrice.
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#93
Alfred Sisley93. La Senna a Bougival
Due filari di alberi disegnano un’ampia V e guidano lo sguardo verso le rive della Senna. I tronchi regolari danno struttura al paesaggio, mentre le foglie, le nuvole e l’erba sono rese con pennellate più leggere. Alcune figure occupano il primo piano e il sentiero; a destra, il blu del fiume apre uno scorcio tra gli alberi. Il tetto rosso di un edificio contrasta con i verdi e i blu dominanti. Sisley privilegia qui la tranquillità di un luogo pur frequentato da passanti, barche e piccole industrie. Il dipinto entra al Metropolitan Museum nel 1992 grazie alla donazione del signor e della signora Douglas Dillon.
Fonte: Metropolitan Museum of Art — The Seine at Bougival.
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#94
Claude Monet94. Il parco Monceau
Sotto una volta di fogliame, alcuni passanti occupano un viale del parco Monceau: alcuni avanzano con i parasole, altri sono seduti a destra. Gli abiti chiari si staccano dalla vegetazione scura, mentre macchie di luce rosa e gialla animano il sentiero e il prato in primo piano. Una facciata appare tra i rami, ricordando che questo giardino appartiene al paesaggio parigino. Monet dipinge sei vedute del parco, tre nel 1876 e tre nel 1878; questa versione verticale appartiene al secondo gruppo. Il contrasto tra masse scure e luminose dà all’organizzazione dei colori la stessa importanza della profondità, anticipando, secondo il Metropolitan Museum, alcune ricerche delle sue opere successive.
Fonte: Metropolitan Museum of Art — The Parc Monceau.
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#95
Camille Pissarro95. Paesaggio a Chaponval
In primo piano, all’ombra degli alberi, una figura vestita di blu si trova vicino a una mucca che pascola. Dietro di lei, un prato apre la veduta sulle case di Chaponval, ai piedi dei pendii di Auvers-sur-Oise. I tetti rossi e azzurrati punteggiano le facciate chiare; più in alto, gli appezzamenti coltivati suddividono il pendio in fasce verdi e ocra. Pissarro costruisce la profondità attraverso questi piani successivi, contrapponendo il fogliame scuro a sinistra alla collina e al cielo luminosi. Le piccole pennellate avvicinano la trama dell’erba, degli alberi e dei campi. Questo paesaggio del 1880 unisce così abitazioni e attività rurale nella stessa composizione. Proviene dal lascito Antonin Personnaz del 1937.
Fonte: Musée d’Orsay — Paesaggio a Chaponval.
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#96
Edgar Degas96. Ballerine che salgono una scala
A sinistra, alcune ballerine parzialmente tagliate dal bordo del quadro salgono una scala; una di loro arriva sul pianerottolo, davanti a una sala in cui altre allieve si preparano. Il muro ocra occupa un’ampia superficie, contrapponendo la sua relativa semplicità ai tutù chiari e ai gesti vari delle figure. La diagonale della scala collega il primo piano all’apertura della sala, mentre il parquet quasi vuoto a destra accentua la profondità. Degas si concentra qui sugli spostamenti quotidiani che accompagnano la danza quanto sugli esercizi stessi. Questo formato molto allungato appartiene alle ricerche che il Musée d’Orsay presenta con il nome di «dipinti allungati». L’opera proviene dal lascito Isaac de Camondo del 1911.
Fonti: Musée d’Orsay — Ballerine che salgono una scala; Degas all’Opéra — i dipinti allungati.
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#97
Édouard Manet97. Nana
Davanti a uno specchio a figura intera, una giovane donna in corsetto blu, sottogonna bianca e calze chiare interrompe la toeletta per rivolgere lo sguardo allo spettatore. Tiene gli accessori del trucco; a destra, un uomo in abito elegante e cilindro è seduto su un divano rosso, parzialmente tagliato dall’inquadratura. I tessuti chiari, le dorature dei mobili e la decorazione delle pareti compongono un interno raffinato. La presenza del visitatore maschile conferisce a questa scena intima una dimensione sociale, senza che sia necessario immaginare uno scambio preciso. Manet organizza soprattutto un incontro di sguardi: quello della donna, quello dell’uomo e quello del pubblico. Il contrasto tra gli indumenti chiari e l’abito scuro rafforza il ruolo centrale di Nana.
Fonte: Hamburger Kunsthalle — Nana, HK-2376.
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#98
Edgar Degas98. Prima del balletto
In una sala di danza, due ballerine occupano una panca a destra: una si china verso il piede, l’altra solleva una gamba per sistemare la calza. Sullo sfondo, a sinistra, quattro allieve ripetono un movimento con le gambe alzate. Tra questi gruppi, un’ampia distesa di parquet apre la profondità e assegna all’attesa un’importanza pari a quella delle figure. I tutù azzurro pallido si staccano dalle pareti marroni e verdastre; le pennellate rosa e turchesi del pavimento collegano le diverse zone. Degas riunisce così la preparazione dei costumi e l’allenamento in una composizione molto allungata. I gesti quotidiani delle ballerine, osservati a distanze diverse, diventano il vero soggetto di questo dipinto della collezione Widener.
Fonte: National Gallery of Art — Before the Ballet.
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#99
Camille Pissarro99. La Senna a Rouen, Saint-Sever
La Senna attraversa diagonalmente la composizione, tra gli edifici sulla riva opposta e una banchina ingombra di barche in primo piano. I fumaioli delle navi liberano fumi bianchi che si mescolano ai grigi azzurrati del cielo; alberi delle imbarcazioni, gru e sagome dei magazzini scandiscono il panorama. Pissarro sceglie qui il porto operoso di Saint-Sever anziché i monumenti di Rouen. I suoi soggiorni in città iniziano nel 1883 e precedono dunque le grandi serie parigine. Nel 1896 lavora da una camera d’albergo sulla riva destra e osserva i cambiamenti della luce sul traffico fluviale. Questa veduta associa l’atmosfera mutevole del fiume alla realtà industriale della città.
Fonti: Musée d’Orsay — Porto di Rouen, Saint-Sever; MuMa — Pissarro a Rouen.
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#100
Camille Pissarro100. La pastorella
Una giovane donna è seduta nell’erba, con la testa inclinata e una sottile bacchetta appoggiata diagonalmente sulle ginocchia. Il cappello giallo aranciato e le calze rosse riscaldano una composizione dominata dai verdi della vegetazione e dal blu della gonna. L’inquadratura ravvicinata dedica più spazio alla figura che alla descrizione del paesaggio: non è visibile alcun gregge. Il museo conserva anche i titoli Ragazza con bacchetta e Contadina seduta. Dipinta nel 1881, quest’opera precede il trasferimento di Pissarro a Éragny nel 1884. Presentata alla settima mostra impressionista nel 1882, entra nelle collezioni nazionali grazie al lascito Camondo del 1911.
Fonti: Musée d’Orsay — La pastorella; Museum Barberini — cronologia di Pissarro.
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Cento opere, tre rivoluzioni ben visibili
Queste opere mostrano tre grandi trasformazioni: l’interesse per la vita contemporanea, composizioni che orientano attivamente lo sguardo e l’attenzione ai cambiamenti della luce. Paesaggi e scene d’interno rivelano metodi diversi all’interno dello stesso gruppo.
La vita contemporanea diventa un grande soggetto
Lavoro, svago, trasporti e spettacoli diventano soggetti centrali. Confrontate gli operai di Caillebotte, le ballerine di Degas e i passanti di Renoir.
L’istante diventa una costruzione
La pennellata sembra spontanea, ma inquadratura, valori tonali e colori organizzano con cura la sensazione di immediatezza.
Il gruppo coltiva le differenze
Monet osserva l’atmosfera, Degas il gesto, Morisot l’intimità e Caillebotte la città secondo metodi nettamente distinti.
Cronologia a cielo aperto
Cinque date per seguire la luce
La colazione sull’erba di Manet viene presentata al Salon des refusés. Questa esposizione precede di undici anni la prima mostra impressionista.
Il 15 aprile, 31 artisti inaugurano una mostra indipendente a Parigi, nell’ex atelier di Nadar. Vi partecipano Monet, Degas, Renoir, Morisot, Pissarro, Sisley e Cézanne.
La terza mostra riprende il termine impressionista e presenta un gruppo capace di fare propria la parola usata contro di esso.
L’ultima mostra collettiva accoglie, tra gli altri, Seurat e Signac, mentre i percorsi individuali divergono.
Monet sviluppa sistematicamente le variazioni di uno stesso motivo e prolunga l’esperienza impressionista verso il secolo successivo.
Il movimento in profondità
Perché l’impressionismo piace ancora così tanto?
Il piacere di osservare questi dipinti nasce anche dai contrasti di luce e dalle pennellate di colore che l’occhio collega a distanza. In I papaveri di Monet, i punti rossi animano il prato; in Boulevard Montmartre, effetto di notte di Pissarro, le luci urbane organizzano la prospettiva. Le stesse questioni — luce, colore, profondità — producono effetti molto diversi.
Il soggetto conta quanto la tecnica. Gli impressionisti dipingono paesaggi, ma anche treni, caffè, prove e interni. Per confrontare gli sguardi, accostate I piallatori di parquet di Caillebotte, La culla di Morisot e Il bagno del bambino di Cassatt: il lavoro manuale, il legame familiare e i gesti quotidiani diventano ciascuno il centro della composizione.
La sensazione di un istante colto al volo non significa che l’opera sia stata eseguita senza preparazione. Inquadratura, diagonali, contrasti e ripetizione dei motivi costruiscono questa impressione. Degas, in particolare, elabora le sue scene di danza attraverso punti di vista e tecniche diversi, dai piccoli pannelli dipinti ai grandi pastelli.
La selezione va oltre le sole mostre collettive dal 1874 al 1886. Comprende opere precedenti legate alla pittura moderna, poi serie e ricerche tarde di Monet, Renoir o Pissarro. Le date e le collezioni permettono di collocare ogni dipinto senza confondere il periodo delle mostre con l’intero arco delle carriere.
Per una riproduzione, iniziate scegliendo una composizione che desiderate osservare ogni giorno. Confrontate poi il suo orientamento e le sue proporzioni con lo spazio disponibile. Le dimensioni riportate nelle schede sono quelle degli originali; la scheda di ogni riproduzione precisa i formati proposti.
Quattro chiavi di lettura
Quattro domande per osservare un dipinto
Soggetto moderno, inquadratura, pennellata e tempo permettono di leggere l’impressionismo senza ridurlo a una gradevole foschia. Ogni dipinto sceglie una particolare distanza e velocità dello sguardo.
Individuare il presente
Una stazione, una prova o una passeggiata indicano come gli artisti osservano la propria epoca.
Seguire i tagli
Figure decentrate e prospettive oblique danno l’impressione che la scena continui oltre la cornice.
Vedere il colore all’opera
Le pennellate accostate costruiscono luce, materia e movimento senza levigare tutta la superficie.
Cercare l’istante
Stagione, ora e condizioni meteorologiche modificano il motivo fino a fare del cambiamento stesso il vero soggetto.
Atlante della modernità
Continuare dopo l’ultima pennellata
Scoprite le collezioni dedicate agli artisti e consultate i riferimenti dei musei per approfondirne la storia. Le fonti di ogni scheda permettono di identificare con precisione l’opera illustrata.
Su Alpha Reproduction
01Claude MonetArtisti e riproduzioni02Pierre-Auguste RenoirArtisti e riproduzioni03Edgar DegasArtisti e riproduzioni04Édouard ManetArtisti e riproduzioni05Gustave CaillebotteArtisti e riproduzioni06Berthe MorisotArtisti e riproduzioni07Camille PissarroArtisti e riproduzioni08Alfred SisleyArtisti e riproduzioni09Mary CassattArtisti e riproduzioni10Paul CézanneArtisti e riproduzioni11Riproduzioni impressionisteCollezioni e guide12Dipinti celebriCollezioni e guide13Tutte le classifiche dei dipinti celebriCollezioni e guide14Riproduzioni Claude MonetCollezioni e guide15Tutte le riproduzioni di dipintiCollezioni e guideMusei e riferimenti
01Wikipedia - ImpressionismoMuseo e riferimento02Wikidata - ImpressionismoMuseo e riferimento03Wikimedia Commons - ImpressionismoMuseo e riferimento04Musée d’Orsay - ImpressionismoMuseo e riferimento05The Met - ImpressionismMuseo e riferimento06National Gallery — ImpressionismoDefinizione e riferimenti storiciDomande frequenti
Domande frequenti sull’impressionismo
Le risposte essenziali per comprendere il gruppo, distinguere i suoi artisti e riconoscere i dipinti che hanno davvero cambiato la pittura moderna.
Che cosa caratterizza un dipinto impressionista?
Una pennellata visibile, ombre colorate e attenzione agli effetti della luce sono indizi frequenti. I soggetti comprendono paesaggi, svago, lavoro e vita urbana. Questi criteri variano secondo gli artisti: Degas privilegia spesso le figure e gli interni, mentre Monet esplora a lungo paesaggi e riflessi.
Quando nasce l’impressionismo?
Il movimento si sviluppa negli anni 1860 e si afferma con la prima mostra indipendente del 1874 a Parigi. Il gruppo organizza otto mostre fino al 1886. Quest’ultima data conclude le esposizioni collettive, ma non la carriera degli artisti: Monet, Renoir e Pissarro proseguono in seguito le loro ricerche.
Quali pittori sono rappresentati in questa selezione?
La selezione riunisce Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley, Cassatt e Caillebotte, insieme a Manet e Cézanne per chiarire le origini e gli sviluppi del movimento. Comprende paesaggi, ritratti, scene di danza, lavoro e svago.
Perché Manet e Cézanne figurano in questa selezione?
Manet svolge un ruolo fondamentale nella pittura moderna, ma non partecipa a nessuna delle otto mostre impressioniste. Cézanne espone con il gruppo nel 1874 e nel 1877, poi sviluppa un percorso distinto. La loro presenza permette di comprendere gli scambi tra artisti senza attribuire a tutti lo stesso itinerario.
Tutti i dipinti impressionisti sono dipinti all’aperto?
No. Lavorare davanti al paesaggio conta molto per Monet, Sisley e Pissarro, ma non riassume il movimento. Degas lavora spesso in atelier; ritratti, scene teatrali e interni implicano altri metodi. Un’impressione di spontaneità può anche derivare da una composizione preparata con cura.
Quali dipinti osservare per iniziare?
Iniziate da Impressione, levar del sole di Monet per i riflessi e la luce, Ballo al moulin de la Galette di Renoir per la folla, La culla di Morisot per l’intimità e Strada di Parigi, tempo di pioggia di Caillebotte per l’inquadratura urbana. Confrontate poi queste opere con le scene di prova di Degas.
Perché bisogna precisare la versione di un dipinto?
Uno stesso titolo può indicare più opere con date, dimensioni e collezioni diverse. Monet dipinge diverse Grenouillère, Ponti giapponesi e Ninfee; Degas riprende le sue scene di danza. Ogni scheda identifica quindi la versione illustrata e fornisce una fonte per verificarne i riferimenti.
Come scegliere una riproduzione impressionista?
Confrontate la composizione, i colori dominanti e il formato con la collocazione prevista. Una veduta panoramica e un ritratto verticale occupano la parete in modo diverso. Verificate poi le dimensioni e le caratteristiche della riproduzione nella sua scheda prodotto: le dimensioni indicate nelle schede delle opere riguardano gli originali.
Riferimenti storici: The Met — Impressionism: Art and Modernity; Musée d’Orsay — Manet e Degas; Musée d’Orsay — Cézanne e le mostre.
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