Pittori famosi · Top 100
Top 100 pittori di luce: chiaroscuri, sole e riflessi
Da Caravaggio, Rembrandt, Vermeer e Turner a Monet, Sorolla, Rothko, Soulages, Turrell e Hockney, questa guida segue gli artisti che hanno fatto della luce un soggetto centrale.
La luce può rivelare un volto, dissolvere un paesaggio, far tremare un riflesso o trasformare un colore in un'esperienza. Attraversa tutta la storia della pittura: fiamma di candela, finestra olandese, sole mediterraneo, nebbia inglese, neve impressionista, luci al neon moderne e campi astratti.
La luce come grande soggetto della pittura
Nella pittura la luce non è mai solo ciò che ci permette di vedere. Decide il dramma a Caravaggio, il silenzio a Vermeer, l'infinito a Friedrich, la tempesta a Turner, il momento a Monet e la vibrazione colorata a Rothko o Frankenthaler.
Questa classificazione attraversa le scuole europee e americane, i maestri del chiaroscuro, i paesaggisti, gli impressionisti, i luministi, i fauves, i pittori di riflessi, i coloristi astratti e gli artisti contemporanei che hanno fatto della luce un materiale a sé stante.
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- Caravaggio
- Georges de La Tour
- Rembrandt
- Johannes Vermeer
- Claude Lorrain
- Diego Velázquez
- Peter Paul Rubens
- Anthony van Dyck
- Aelbert Cuyp
- Jacob van Ruisdael
- Meindert Hobbema
- Canaletto
- Francesco Guardi
- Jean-Honoré Fragonard
- Jean-Baptiste-Siméon Chardin
- Francisco Goya
- Caspar David Friedrich
- John Constable
- J. M. W. Turner
- Camille Corot
- Théodore Rousseau
- Jean-François Millet
- Charles-François Daubigny
- Eugène Boudin
- Johan Barthold Jongkind
- Édouard Manet
- Claude Monet
- Pierre-Auguste Renoir
- Camille Pissarro
- Alfred Sisley
- Berthe Morisot
- Mary Cassatt
- Gustave Caillebotte
- Armand Guillaumin
- Frédéric Bazille
- Eva Gonzalès
- Edgar Degas
- James McNeill Whistler
- Winslow Homer
- John Singer Sargent
- Joaquín Sorolla
- Anders Zorn
- Peder Severin Krøyer
- Vilhelm Hammershøi
- Carl Larsson
- Harriet Backer
- Frits Thaulow
- Albert Bierstadt
- Frederic Edwin Church
- Martin Johnson Heade
- Sanford Robinson Gifford
- John Frederick Kensett
- George Inness
- Childe Hassam
- William Merritt Chase
- Frank Weston Benson
- John Henry Twachtman
- Edward Hopper
- Georges Seurat
- Paul Signac
- Henri-Edmond Cross
- Théo van Rysselberghe
- Maximilien Luce
- Vincent van Gogh
- Paul Gauguin
- Paul Cézanne
- Odilon Redon
- Gustav Klimt
- Egon Schiele
- Ferdinand Hodler
- Giovanni Segantini
- Felix Vallotton
- Pierre Bonnard
- Édouard Vuillard
- Maurice Denis
- Henri Matisse
- André Derain
- Maurice de Vlaminck
- Raoul Dufy
- Albert Marquet
- Kees van Dongen
- Robert Delaunay
- Sonia Delaunay
- Wassily Kandinsky
- Paul Klee
- Lyonel Feininger
- Georgia O'Keeffe
- Nicolas de Staël
- Mark Rothko
- Barnett Newman
- Helen Frankenthaler
- Agnes Martin
- Pierre Soulages
- Yves Klein
- James Turrell
- David Hockney
- Gerhard Richter
- Anselm Kiefer
- Bridget Riley
- Olafur Eliasson
Posizioni da 1 a 10
Chiaroscuro, finestre e sole classico
Top da 1 a 10
Caravaggio, La Tour, Rembrandt, Vermeer, Claude Lorrain e Cuyp mostrano come la luce diventa teatro, silenzio, profondità e atmosfera.
1. Caravaggio
Nel Cena in Emmaus, la luce concentra lo sguardo sul volto di Cristo, la sua mano sollevata e il tovaglia bianca. Al momento della benedizione del pane, i due discepoli riconoscono quello che credevano morto: a sinistra, uno si alza dalla sedia; a destra, l'altro spalanca le braccia. Il contrasto con lo sfondo scuro conferisce ai loro gesti un'intensità immediata. Caravaggio rappresenta i discepoli come uomini comuni, con volti segnati e abiti logori, rivolti verso un Cristo giovane e imberbe. Questa versione del 1601 è quella di Londra; si distingue dal dipinto nel 1606 e conservato a Milano.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito · NG172.
2. Georges de La Tour
Nel La Maddalena alla luce notturna, la fiammella illumina il profilo della santa, la sua camicia e gli oggetti posti sul tavolo. Madeleine sostiene la testa con una mano e tiene l'altra sul cranio appoggiata sulle ginocchia: la luce accompagna una meditazione sulla fragilità della vita. I due libri e il crocifisso estendono questa meditazione. La Tour lascia gran parte della figura in ombra e semplifica i volumi per focalizzare l'attenzione su questa silenziosa presenza. La versione del Louvre, conosciuta come Madeleine Terff, è più sobria e scura della composizione ravvicinata conservata a Los Angeles.
Luogo di conservazione: Museo del Louvre, Parigi, Francia · RF 1949 11.
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3. Rembrandt
Nel La ronda notturna, Rembrandt trasforma il ritratto di una compagnia di miliziani di Amsterdam in una scena di movimento. Il capitano Frans Banninck Cocq, vestito di nero, diede al suo luogotenente Willem van Ruytenburch l'ordine di far avanzare gli uomini. La luce attira l'occhio sulla sua mano tesa, sul vestito giallo del tenente e sulla ragazza sullo sfondo, che il Rijksmuseum identifica come la mascotte della compagnia. Intorno a questi punti di luce, volti e armi emergono dall'ombra in diversi gradi. Il contrasto organizza così una folla vivace piuttosto che una semplice successione di ritratti.
Luogo di conservazione: Rijksmuseum, Amsterdam, Paesi Bassi · SK-C-5 · Prestito della città di Amsterdam.
4. Johannes Vermeer
Nel La Lattaia, una serva versa il latte in un contenitore, assorta da questo gesto quotidiano. La finestra a sinistra illumina il suo copricapo bianco, le sue braccia e il pane posto sul tavolo. Il sottile flusso di latte ravviva una composizione dove tutto sembra immobile. Vermeer dà peso alla figura attraverso il contrasto tra il suo abbigliamento giallo e blu e la parete leggera, quasi spoglia. Piccoli tocchi colorati fanno scintillare la superficie del pane e degli oggetti: la luce ne descrive i materiali collegando la donna al suo ambiente. Il Rijksmuseum evidenzia questa alleanza tra la semplicità del lavoro domestico e la presenza quasi scultorea della serva.
Luogo di conservazione: Rijksmuseum, Amsterdam, Paesi Bassi · SK-A-2344.
5. Claude Lorrain
Nel Porto marittimo con l'imbarco della regina di Saba, il sole nascente apre una profondità luminosa tra le architetture classiche. Il suo calore si diffonde sull'acqua, sotto le nuvole e nel fogliame, mentre le barche si stagliano in sagome. Incoronata e vestita di rosso, la regina scende i gradini per iniziare il suo viaggio verso il re Salomone. Gli edifici inquadrano questa attività portuale e conducono lo sguardo verso l'orizzonte. Claude Lorrain associa così un episodio biblico ad un paesaggio ideale nutrito dal suo soggiorno romano. Dipinto per il duca di Bouillon nel 1648, questo dipinto forma una coppia con il paesaggio del matrimonio di Isacco e Rebecca.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito · NG14.
6. Diego Velázquez
Nel Las Meninas, la luce fa emergere l'Infanta Marguerite e le sue damigelle in primo piano, mentre la grande stanza dell'Alcazar di Madrid sprofonda nell'oscurità. Sul retro, una porta aperta ritaglia la sagoma di José Nieto e prolunga la profondità della scena. Velázquez si rappresenta sulla sinistra davanti a una grande tela; nello specchio, appaiono come un altro punto di presenza i volti di Filippo IV e Marianna d'Austria. Il Prado sottolinea che la moltiplicazione delle sorgenti luminose contribuisce alla costruzione di questo spazio. Gli sguardi, i riflessi e i passaggi dall'ombra alla chiarezza invitano così lo spettatore a pensare al proprio posto davanti al dipinto.
Luogo di conservazione: Museo Nacional del Prado, Madrid, Spagna · P001174.
7. Peter Paul Rubens
Nel Sansone e Dalila, la luce calda mette in risalto la schiena potente di Sansone, il volto di Dalila e le mani dell'uomo che taglia i capelli dell'eroe addormentato. Il rosso carico dell'abito e le pieghe dei tessuti rafforzano la presenza dei corpi, mentre i soldati attendono nell'apertura scura a destra. La candela tenuta dietro Dalila riunisce i protagonisti e rende visibile l'atto che farà perdere le forze a Sansone. La Galleria Nazionale collega questi contrasti luminosi e colori ricchi alle esperienze caravaggesche osservate da Rubens in Italia. Il dipinto fu commissionato per la collezione privata di Nicolaas II Rockox, sindaco di Anversa e mecenate del pittore.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito · NG6461.
8. Anthony van Dyck
In questo ritratto monumentale, la luce proviene da sinistra e fa scintillare l'armatura di Carlo I. Il cavallo marrone si staglia contro il cielo sereno, mentre l'albero e il servo che porta l’elmo rimangono nell'ombra. Van Dyck utilizza questi contrasti per dare al sovrano una presenza dominante. Il bastone del comando, la catena dell'ordine della Giarrettiera e l'iscrizione attaccata all'albero rafforzano questa immagine del potere. La luce quindi non rivela solo materiali: partecipa alla messa in scena dell'autorità reale.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito. Inventario NG1172.
9. Aelbert Cuyp
Una luce dolce attraversa questo vasto paesaggio e collega il cielo, il fiume e le colline lontane. In primo piano, le mucche sdraiate e il cavaliere sul suo cavallo bianco occupano una zona più scura, sotto gli alberi. Cuyp costruisce così la profondità passando dalle ombre vicine agli orizzonti luminosi. Questa tranquillità però contiene tensione: un ragazzo attira l'attenzione del cavaliere, mentre un uomo nascosto tra i cespugli, a sinistra, mira agli uccelli sull'acqua. L'atmosfera dorata ricorda i paesaggi pastorali dei pittori olandesi che avevano lavorato a Roma.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito. Inventario NG6522.
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10. Jacob van Ruisdael
Il mulino domina la riva del Lek sotto un cielo carico di nuvole di pioggia. La sua torre riceve uno squarcio di luce che la fa uscire sopra la riva scura; a sinistra, la vela bianca della barca risponde a questa luce. Piccole figure sul bordo dell'acqua evidenziano l'imponente scala del paesaggio. Ruisdael riunisce la pianura, il fiume e il vasto cielo attorno al mulino, mentre sullo sfondo rimangono il castello e i campanili delle chiese. I contrasti tra le masse nuvolose e le zone illuminate conferiscono a questa scena olandese la sua drammatica tensione.
Luogo di conservazione: Rijksmuseum, Amsterdam, Paesi Bassi. Inventario SK-C-211.
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Posizioni da 11 a 20
Cieli, riflessioni e romanticismo
Posizioni da 11 a 20
Dai cieli olandesi a Turner e Constable, la luce lascia l'ambientazione per diventare il motore emotivo del paesaggio.
11. Meindert Hobbema
Due file di alberi snelli conducono l'occhio verso la fine di questo vicolo. Il sentiero chiaro si staglia dai fossati e dal fogliame scuro del primo piano; in alto, le nuvole rivelano zone azzurre. Hobbema lavora insieme luce e prospettiva: i tronchi scandiscono la profondità, mentre i campi e il percorso laterale aprono la vista ai lati. La chiesa a sinistra e gli edifici a destra danno punti di riferimento a questa campagna abitata. Questa precisa costruzione trasforma una strada ordinaria in un paesaggio da esplorare con gli occhi.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito. Ng830 inventario.
12. Canaletto
La luce del mattino illumina le pietre e le facciate di Campo San Vidal, trasformato temporaneamente in officina. Gli artigiani lavorano tra i blocchi, mentre una madre raggiunge il suo bambino che piange, sotto lo sguardo di una donna sul balcone. Canaletto alterna zone soleggiate e ombre per distinguere rivestimenti usurati, mattoni e assi di legno. Oltre il Canal Grande compaiono Santa Maria della Carità e il suo campanile. Questa Venezia quotidiana deve la sua presenza ai dettagli dei materiali tanto quanto alla luce che organizza lo spazio tra le case.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito. Inventario NG127.
13. Francesco Guardi
Le facciate del Palazzo Ducale e del campanile di San Marco formano un orizzonte luminoso oltre le barche. In primo piano si incrociano alberi, corde e remi, mentre piccoli tocchi vivacizzano le figure all'opera. Guardi contrappone questa attività alla scala del cielo e ai riflessi frammentati sull'acqua. Il suo pennello suggerisce dettagli piuttosto che racchiuderli in contorni netti: lo sguardo ricompone passeggeri, imbarcazioni ed edifici. La luce si mescola così al movimento per conferire a questa vista di Venezia un'atmosfera vivace.
Luogo di conservazione: Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 65.181.8.
Consulta la scheda per Metropolitan Museum of Art
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14. Jean-Honoré Fragonard
Nel mezzo di un giardino ombreggiato, l'abito rosa della giovane donna concentra la luce. Le sue leggere pieghe accompagnano lo slancio dell'oscillazione, mentre una scarpa vola a sinistra. Il giovane nascosto tra i cespugli tende il cappello; a destra, un uomo più anziano attiva le corde. Fragonard distribuisce i bagliori sui tessuti, sui fiori e sul fogliame per collegare il movimento alla scena galante. I personaggi rimangono intrappolati in un'abbondante vegetazione, le cui ombre fanno emergere la figura centrale. Questo contrasto conferisce al dipinto la sua leggerezza teatrale.
Luogo di conservazione: Wallace Collection, Londra, Regno Unito. Inventario P430.
15. Jean-Baptiste-Siméon Chardin
Il copricapo bianco e la giacca della serva attirano l'attenzione in questo interno buio. Appoggiata a una cisterna di rame, riempie un recipiente tra gli utensili domestici. Chardin modula dolcemente la luce per distinguere tessuti, metallo e pavimenti lastricati, senza trasformare il gesto quotidiano in uno spettacolo. A destra, una porta aperta rivela un’altra serva accanto a un bambino e estende la profondità della stanza. Gli oggetti raggruppati a sinistra bilanciano questa presenza umana: la scena del lavoro diventa anche un attento studio dei materiali e dei loro riflessi.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito. Inventario NG1664.
16. Francisco Goya
Nel 3 maggio 1808 a Madrid, una lanterna posta a terra illumina i condannati e fa emergere la camicia bianca dell'uomo con le braccia alzate. I suoi pantaloni gialli, il viso e le mani si stagliano dalla collina scura. A destra i soldati presentano le spalle e i fucili in una linea compatta; i loro volti rimangono nascosti. I corpi e il sangue in primo piano estendono la scena verso lo spettatore, mentre altri uomini aspettano, alcuni coprendo gli occhi. La luce rende visibile ogni reazione e contrappone la vulnerabilità delle vittime all'uniformità del plotone.
Luogo di conservazione: Museo Nacional del Prado, Madrid, Spagna · Inv. P000749.
17. Caspar David Friedrich
Nel Due uomini che contemplano la luna, due viandanti visti da dietro si fermano su un sentiero roccioso. I loro cappotti scuri formano un gruppo stretto; uno appoggia il braccio sulla spalla del compagno. Davanti a loro, una mezzaluna dorata appare in un cielo viola, attraverso i rami di una grande quercia in pendenza. Le radici esposte, la roccia e gli alberi incorniciano questa apertura luminosa. Friedrich conserva il primo piano in marroni profondi: lo sguardo attraversa l'oscurità per raggiungere la luce lontana. Questa versione tarda, custodita a New York, riprende una composizione di cui esistono versioni anche a Dresda e Berlino.
Luogo di conservazione: Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti · Wrightsman Fund, 2000 · Inv. 2000.51.
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18. John Constable
Nel Il carro del fieno, il cielo occupa quasi la metà dell'immagine: nuvole grigie e bianche si alternano ad aperture blu. Sotto questa luce mutevole, la casa di Willy Lott e gli alberi ad alto fusto oscurano la riva sinistra, mentre il prato lontano riceve una luce più chiara. Un carro vuoto passa attraverso l'acqua bassa dello Stour; riflessi e piccoli tocchi luminosi ne ravvivano la superficie. Il cane sulla riva avvicina la scena allo spettatore. Constable dipinse questo paesaggio di Flatford nel suo studio londinese, basandosi su studi effettuati all'esterno, dando alle attività rurali l'ampiezza di una grande composizione.
Luogo di conservazione: Collezione della National Gallery, Londra, Regno Unito · Inv. NG1207 · Don Henry Vaughan, 1886.
19. J. M. W. Turner
Nel L’ultimo viaggio della Temeraire, la vecchia nave appare a sinistra come una sagoma pallida, i cui alti alberi si perdono nel cielo. Davanti a lui, avanza un piccolo rimorchiatore scuro, che emette fumo marrone. A destra, il sole al tramonto colora le nuvole di arancione e oro, quindi estende il suo riflesso attraverso il Tamigi. I contorni si dissolvono in questa atmosfera luminosa, mentre il contrasto tra la barca a vela e la macchina rimane netto. Turner evoca il traino della nave verso la sua demolizione nel 1838 in una scena ricostruita, dipinta nel 1839: il crepuscolo accompagna la scomparsa dell'età della navigazione.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito · Inv. NG524 · Legacy Turner, 1856.
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20. Camille Corot
Nel Ricordo di Mortefontaine, una donna alza il braccio verso un albero sottile, accompagnata da due bambini sulla riva di uno stagno. A destra, un possente tronco e i suoi rami mostrano una volta di fogliame scuro. L'apertura a sinistra rivela un cielo pallido, acqua e una riva lontana dai contorni ammorbiditi. Grigi, verdi e riflessi argentati uniscono il paesaggio; pochi tocchi luminosi scandiscono l'erba in primo piano. La luce sembra filtrare ovunque, senza effetti spettacolari. Questa composizione presentata al Salon del 1864 invita l'occhio a passare dalle piccole figure alla calma distesa d'acqua.
Luogo di conservazione: Museo del Louvre, Parigi, Francia · Dipartimento di Pittura · Inv. MI692bis.
Posizioni da 21 a 30
Barbizon, le spiagge e la nascita dell'impressionismo
Posizioni da 21 a 30
Corot, Millet, Daubigny, Boudin, Jongkind, Manet, Monet e Renoir muovono il dipinto verso l'aria aperta, i riflessi e la sensazione.
21. Théodore Rousseau
Nel Uscita dalla foresta a Fontainebleau, al tramonto, i grandi tronchi e rami compongono un arco scuro attorno a un'apertura dorata. A sinistra, gli alberi nodosi rimangono vicini allo spettatore; al centro, uno stagno riflette il cielo e le sagome del bestiame. Un albero inclinato estende la prospettiva verso il bordo, mentre il disco solare appare molto basso all'orizzonte. La luce non attraversa uniformemente la foresta: si accumula nel varco e sull'acqua, lasciando il sottobosco in verdi e marroni profondi. Il contrasto ti fa sentire come se stessi guardando la sera da dentro il bosco.
Luogo di conservazione: Collezione del Museo del Louvre, Dipartimento di Dipinti · Inv. RF 112 · Presentato al Louvre-Lens, Galerie du Temps.
Consulta la presentazione del Louvre-Lens · Consulta la scheda per la raccolta
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22. Jean-François Millet
Nel L'angelus, un uomo e una donna interrompono la raccolta delle patate per pregare. Tiene il cappello davanti a sé; unisce le mani e inclina la testa. Vicino ad essi rimangono la forcone piantata nel terreno, il cesto e la carriola carica di sacchi. Il cielo limpido della sera stacca le loro sagome, ma i loro volti rimangono in ombra. La luce evidenzia le spalle, le braccia e i gesti, mentre la pianura si estende fino al lontano campanile. Su questa piccola tela, Millet dona alla coppia una presenza monumentale: la pausa dal lavoro diventa il centro silenzioso del paesaggio.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · Inv. RF 1877 · Eredità Alfred Chauchard, 1910.
23. Charles-François Daubigny
Nel Le rive dell'Oiseuna barca leggera si staglia davanti alla massa scura degli alberi. La sponda in primo piano conduce l'occhio verso l'acqua, dove il fogliame e il grande albero a destra si estendono in riflessi. Il cielo luminoso occupa gran parte della tela; i suoi toni pallidi si trovano nel fiume e aprono il paesaggio oltre le zone grigie. Il museo di Bordeaux precisa che Daubigny dipinse quest'opera a bordo della Botin, la sua barca-studio. Questa attenzione alle variazioni di luce sull'acqua annuncia una ricerca impressionista.
Luogo di conservazione: Museo di Belle Arti di Bordeaux, Francia · Inv. Bx E 624 · Acquisto a Nadar nel 1863.
24. Eugène Boudin
Nel Marea crescente a Deauville, il cielo occupa la maggior parte della tela. Nubi grigie e bianche si mescolano con piccole aperture bluastre, mentre la loro chiarezza si diffonde sulla spiaggia umida. A destra, le onde avanzano a fasce oblique, evidenziate con schiuma; poche minuscole vele scandiscono l'orizzonte. A sinistra, i camminatori danno scala alla distesa della riva e alle colline lontane. Boudin riunisce i toni del cielo, del mare e della sabbia per farti sentire la stessa atmosfera mutevole. La luce marina diventa così il collegamento tra tutte le parti del paesaggio.
Luogo di conservazione: Museo Nazionale di Belle Arti del Quebec, Quebec, Canada · Inv. 1959.585 · Collezione Maurice Duplessis, dono della sua tenuta.
25. Johan Barthold Jongkind
Nel L'Ingresso al porto di Honfleuruna barca a vela con alberi scuri si staglia su un vasto cielo nuvoloso e azzurro pallido. Le facciate illuminate della riva destra rispondono ai tocchi netti che attraversano l'acqua. In primo piano, piccole imbarcazioni attraversano una superficie animata da linee blu, verdi e bianche: i riflessi conferiscono al porto il suo movimento. Jongkind mantiene contorni più saldi per barche ed edifici, lasciando che la luce scorra in tocchi liberi. L'Art Institute of Chicago sottolinea che le sue composizioni finali, prodotte in studio, cercano di preservare la freschezza degli studi condotti all'aperto.
Luogo di conservazione: Art Institute of Chicago, Chicago, Stati Uniti · Inv. 1968.614.
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26. Édouard Manet
Nel Un bar al Folies-Bergère, le luci nella stanza si riflettono dietro una cameriera immobile, il cui vestito nero fa emergere il suo viso, le braccia e il pizzo leggero. Sul bancone, bottiglie, fiori e coppa di arance catturano altri bagliori. Il grande specchio riunisce la folla, i lampadari e il riflesso della giovane, spostata a destra con un cliente. Courtauld sottolinea che questi movimenti disturbano la prospettiva e rafforzano l'atmosfera del luogo. Manet contrappone così la silenziosa presenza di Suzon all'animazione luminosa dello spettacolo. Ha posato per questo dipinto nel suo studio.
Luogo di conservazione: Courtauld Gallery, Londra, Regno Unito · Samuel Courtauld Trust · Inv. P.1934.SC.234 · Don Samuel Courtauld, 1934.
27. Claude Monet
Nel Impressione, sole nascente, il disco arancione del sole e il suo riflesso interrompono i toni blu e grigi del porto esterno di Le Havre. Le barche scure in primo piano danno profondità all'acqua ricoperta da piccoli tocchi orizzontali. In lontananza alberi, gru e camini diventano quasi indistinti nella nebbia. Monet dipinse questa vista la mattina presto dalla finestra del suo hotel, intorno al novembre 1872, secondo il Museo Marmottan Monet. La luce riunisce le forme piuttosto che specificare ogni dettaglio. Presentato nel 1874, il dipinto fornì al critico Louis Leroy la parola che sarebbe stata usata per nominare gli impressionisti.
Luogo di conservazione: Museo Marmottan Monet, Parigi, Francia · Inv. 4014 · Don Eugène e Victorine Donop de Monchy, 1940.
28. Pierre-Auguste Renoir
Nel Ballo al Moulin de la Galette, Renoir distribuisce frammenti leggeri su volti, vestiti e terra, sotto gli alberi di un ballo a Montmartre. A sinistra, una coppia balla; in primo piano, una giovane donna in abito a righe sta vicino ad amici riuniti attorno ad un tavolo. Bicchieri, cappelli e sagome si mescolano a una folla che sembra proseguire oltre la cornice. I piccoli tocchi blu, rosa e oro collegano i personaggi al loro ambiente. Il museo d'Orsay mette in evidenza questo lavoro sulla luce naturale e artificiale. Esposto con gli impressionisti nel 1877, il dipinto trasformò un'uscita parigina in una scena di movimento e socialità.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · Inv. RF 2739 · L'eredità di Gustave Caillebotte, accettata nel 1896.
29. Camille Pissarro
Nel Boulevard Montmartre, effetto notte, la strada si allontana tra due file di edifici sotto un cielo blu scuro. Le luci e i loro riflessi sulla carreggiata bagnata hanno la precedenza sui dettagli dei passanti e delle auto. Pissarro contrappone il bianco freddo delle lampade elettriche ai gialli delle vetrine illuminate a gas e delle lanterne a olio nelle carrozze, secondo la National Gallery. Brevi tocchi suggeriscono le sagome, la circolazione e i bagliori che attraversano l'oscurità. Il dipinto appartiene ad una serie di quattordici vedute del viale realizzate nel 1897, in diverse condizioni di luce e meteo.
Luogo di conservazione: National Gallery, Londra, Regno Unito · Inv. NG4119 · Acquisto utilizzando il fondo Courtauld, 1925.
Scegli una riproduzione di "Boulevard Montmartre, effetto notte"
30. Alfred Sisley
Nel Diga di Molesey, Hampton Court, un vasto cielo nuvoloso occupa la metà superiore dell'immagine. I suoi bianchi bluastri e i suoi grigi trovano un'eco nella schiuma che attraversa i bacini del Tamigi. Barriere luminose punteggiano la sponda, mentre tocchi più scuri riflettono la corrente in primo piano. A sinistra i bagnanti danno una scala umana al paesaggio. L'avviso delle Gallerie Nazionali della Scozia colloca questa vista a monte dell'Hampton Court Bridge, con Ash Island e la sponda nord oltre la diga. Sisley fa circolare la luce tra nuvole, strutture bianche e movimenti dell'acqua.
Luogo di conservazione: Galleria Nazionale Scozzese, Edimburgo, Regno Unito · Inv. NG 2235 · Dono di Sir Alexander Maitland in memoria di sua moglie Rosalind, 1960.
Posizioni da 31 a 40
Impressionismo intimo, città moderna e notturno
Posizioni da 31 a 40
Sisley, Morisot, Cassatt, Caillebotte, Degas, Whistler e Homer esplorano neve, vetro, palcoscenico, mare e luci artificiali.
31. Berthe Morisot
Nel La Culla, la luce si dispiega nelle tende, nella biancheria e nelle tende trasparenti che proteggono la bambina addormentata. I loro bianchi, sfumati di grigio e rosa, contrastano con il vestito scuro della madre. Morisot rappresenta la sorella Edma e la nipote Blanche, come specificato dal museo d'Orsay. Il viso della bambina rimane visibile attraverso il tessuto, i cui tocchi chiari suggeriscono trasparenza. Lo sguardo di Edma e le braccia conserte dei due personaggi collegano le loro sagome in diagonale. Presentato alla prima mostra impressionista nel 1874, questo dipinto unisce un'osservazione luminosa dei tessuti alla silenziosa vicinanza di una madre e di sua figlia.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · Inv. RF 2849 · Acquisto per il Museo del Louvre, 1930; assegnazione al Museo d'Orsay, 1986.
32. Mary Cassatt
Nel Bambina in poltrona blu, i sedili occupano quasi tutto il soggiorno, i loro tessuti blu punteggiati da tocchi rosa, verde e bianco. Da questi motivi spicca l'abito leggero della bambina, mentre le finestre illuminano il retro della stanza. La bambina si lascia andare sulla sedia, una mano dietro la testa; un cagnolino si appoggia sul sedile successivo. Cassatt contrappone così all'eleganza dei mobili un atteggiamento spontaneo. I passaggi luminosi sui tessuti e la pelle uniscono la scena senza cancellarne i contrasti. La National Gallery of Art identifica la bambina come la figlia degli amici di Edgar Degas, senza darle un nome.
Luogo di conservazione: National Gallery of Art, Washington, Stati Uniti · Inv. 1983.1.18 · Collezione dei coniugi Paul Mellon.
33. Gustave Caillebotte
Nel Strada di Parigi, tempo di pioggia, la luce grigia del cielo si diffonde sulle facciate e sul ciottolato umido. Un lampione verde divide la composizione tra il vasto bivio e la coppia che avanza sotto un ombrello. L'abbigliamento scuro accentua la limpidezza del terreno, i cui riflessi discreti prolungano le sagome. Le strade convergono su un edificio appuntito, mentre un passante è tagliato dal bordo destro del dipinto. Caillebotte cattura così il movimento di una passeggiata e la profondità della Parigi moderna. Come sottolinea l'Art Institute of Chicago, ombrelli e riflessi suggeriscono pioggia senza bisogno di dipingere le gocce.
Luogo di conservazione: Art Institute of Chicago, Chicago, Stati Uniti · Inv. 1964.336 · Collezione Charles H. e Mary F. S. Worcester.
Scegli una riproduzione di "Strada di Parigi, tempo di pioggia"
34. Armand Guillaumin
Nel Sole al tramonto a Ivry, Guillaumin affronta un cielo arancione con la sagoma scura di fabbriche e alberi. I camini emettono lunghe scie di fumo che attraversano l'orizzonte, mentre la Senna assume i toni gialli, rosa e blu della sera. In primo piano, la riva e le sue piccole figure rimangono più fredde, il che rafforza la luminosità del cielo. La luce trasforma questo paesaggio industriale senza nascondere gli edifici o le attività. Tocchi visibili conferiscono ai riflessi una superficie vibrante. Dipinto nel 1873, il dipinto appare alla prima mostra impressionista del 1874, come conferma la scheda del museo d'Orsay.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · Inv. RF 1951 34 · Don Paul Gachet, 1951.
35. Frédéric Bazille
Nel Riunione familiare, Bazille riunisce i suoi cari sulla terrazza di Méric, vicino a Montpellier, sotto un grande albero. L'ombra del fogliame mantiene il gruppo in primo piano, mentre il cielo blu e il paesaggio rimangono illuminati. Gli abiti bianchi e l'abito chiaro catturano la luce filtrata, in contrasto con le giacche scure e lo scialle. Anche le macchie solari corrono sul pavimento della terrazza. Bazille si raffigura all'estrema sinistra, dietro gli altri ritratti. Il museo d'Orsay evidenzia questa opposizione tra ombra e luce meridionale. Lo sguardo quasi tutto rivolto verso lo spettatore conferisce all'incontro una presenza tranquilla più che un movimento spontaneo.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · Inv. RF 2749 · Acquisto con la partecipazione di Marc Bazille, fratello dell'artista, 1905.
36. Eva Gonzalès
In questo palco del teatro, lo scollo della giovane donna, i guanti bianchi e l'abito blu si stagliano su uno sfondo quasi nero. A sinistra, un bouquet avvolto nel bianco risponde alla lucentezza della carne; dietro di lei, la camicia dell'uomo porta un'altra zona chiara. Questi contrasti ricordano Manet, di cui Gonzalès si dichiarava allieva. Sua sorella Jeanne e Henri Guérard posarono per le figure. I loro sguardi separati lasciano la scena aperta, senza una narrazione imposta. Riprogettata prima della sua esposizione al Salon del 1879, la tela mostra come tessuti e tonalità della pelle possano illuminare una composizione scura.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia · RF 2643 · Don Jean Guérard, 1927.
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37. Edgar Degas
Vista dall’alto, una ballerina occupa la parte anteriore del palco, un braccio sollevato e l'altro aperto. Il suo tutù bianco, attraversato da tocchi di giallo, blu e rosa, concentra la brillantezza dello spettacolo. Il pavimento grigio-verde lascia un ampio spazio vuoto intorno a lei; sullo sfondo, altre ballerine e una silhouette maschile si mescolano al backstage marrone e ai set. Questa inquadratura decentrata contrappone la figura luminosa all'oscurità del backstage. Degas lavora qui a pastello su un monotipo, una tecnica che combina una base stampata con gli accenti colorati del pastello. Presentata all'Esposizione impressionista del 1877, l'opera porta anche il titolo Balletto.
Luogo di conservazione: Musée d'Orsay, Paris, France · RF 12258 · Legacy Gustave Caillebotte, accettato dallo Stato nel 1896.
38. James McNeill Whistler
Scintille dorate ricadono in un buio verde scuro, attraversato da un fumo grigio. In fondo al dipinto, alcune sagome appena disegnate danno scala a questa luminosa apparizione. Whistler rappresenta uno spettacolo pirotecnico ai Cremorne Gardens, Londra, ma il luogo si dissolve in rapporti tonali. Bastano i piccoli puntini dorati e le luci vicine al suolo per ravvivare la notte. Questo notturno favorisce un'impressione di atmosfera piuttosto che una storia dettagliata. Le dure critiche di John Ruskin a quest'opera portarono a una causa per diffamazione, vinta da Whistler con un compenso simbolico.
Luogo di conservazione: Detroit Institute of Arts, Detroit, Stati Uniti · 46.309 · Donazione di Dexter M. Ferry, Jr.
39. Winslow Homer
Due donne danzano in primo piano, vicino a un oceano buio le cui onde sono tagliate in strisce di schiuma bianca. Il proprio abito leggero risponde ai riflessi sull'acqua; a destra gli spettatori rimangono quasi interamente in silhouette. Il cielo occupa una vasta area scura, mentre un bagliore più morbido apre l'orizzonte sul mare. Homer fa così coesistere il movimento dei danzatrici e quello delle onde. I contrasti illuminano certi gesti ma lasciano i volti e la riva nell'incertezza. Questo notturno trasforma una scena balneare in un'immagine familiare e misteriosa.
Luogo di conservazione: Musée d'Orsay, Paris, France · RF 1977 427 · Acquisto dall'artista da parte dello Stato nel 1900.
40. John Singer Sargent
Dolly e Polly Barnard accendono lanterne di carta tra i fiori di un giardino a Broadway, in Inghilterra. Abiti bianchi e grandi gigli raccolgono le sfumature bluastre della sera, mentre le lanterne diffondono toni rosa e arancioni vicino alle mani e ai volti. Il fogliame scuro fa emergere queste due luci, naturali e artificiali. Per dipingere dalla natura, Sargent preparò la sua attrezzatura e i suoi modelli prima di sfruttare i pochi minuti in cui l'illuminazione gli andava bene. La scena dà così una forma duratura ad un brevissimo momento: quello dove il giardino si oscura e le lanterne cominciano a brillare.
Luogo di conservazione: Tate Britain, Londra, Regno Unito · N01615 · Dono degli amministratori dell'eredità di Chantrey, 1887.
Posizioni da 41 a 50
Soli del Nord, luminismo mediterraneo e americano
Posizioni da 41 a 50
Sargent, Sorolla, Zorn, Krøyer, Hammershøi, Larsson, Backer, Thaulow, Bierstadt e Church ampliano lo spettro della luce.
41. Joaquín Sorolla
Clotilde, moglie di Sorolla, e la loro figlia Maria camminarono su una spiaggia di Valencia durante l'estate del 1909. I loro abiti bianchi raccolgono riflessi blu, malva e leggermente rosa, mentre la brezza solleva i tessuti e il velo del cappello. A sinistra, il parasole chiaro forma una grande curva; a destra, Maria porta il cappello in mano. Dietro di loro, i lunghi tocchi del mare e la sabbia umida creano uno sfondo di colori freddi. L'inquadratura taglia la parte superiore del cappello di Clotilde e riserva una striscia di sabbia in primo piano. Luce, movimento e tessuti donano a questa elegante passeggiata la vivacità di un momento catturato.
Luogo di conservazione: Museo Sorolla, Madrid, Spagna · Inventario 834.
42. Anders Zorn
Nel Giochi estivi, una donna vestita di bianco sta su un pontone mentre un vogatore si avvicina sulla sua barca. Sotto un cielo pallido, la luce si disperde in piccole rughe sull'acqua; i riflessi scuri dello scafo e dei palafitte si distorcono in primo piano. L’abito chiaro dà un punto di ancoraggio a questa superficie mobile. Questo acquerello mostra con quanta precisione Zorn osserva le variazioni di luce sull'acqua.
Luogo di conservazione: collezione privata, secondo il file della mostra Petit Palais del 2017.
43. Peder Severin Krøyer
Anna Ancher e Marie Krøyer camminano fianco a fianco Serata estiva sulla spiaggia sud di Skagen. I loro abiti leggeri si stagliano sul mare, mentre la curva della riva conduce l'occhio verso un orizzonte dove cielo e acqua sembrano fondersi. La sabbia conserva sfumature gialle e malva in mezzo al blu del crepuscolo. Ispirato da una passeggiata dopo cena nel 1892, il dipinto conferisce all'ora blu una presenza avvolgente, senza luce solare visibile.
Luogo di conservazione: Museo Skagens, Skagen, Danimarca.
Consulta la scheda di Skagens Museum
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44. Vilhelm Hammershøi
Nel Polvere ai raggi del sole, la finestra illumina una stanza vuota nell’ appartamento di Strandgade 30 a Copenhagen. Le fasci di luce obliqui passano attraverso la porta chiusa e disegnano una griglia luminosa sul terreno. Sono sufficienti grigi, marroni e bianchi per farvi sentire la profondità dello spazio. Dall'esame del dipinto è emerso un tavolo inizialmente previsto a sinistra, poi cancellato: questa scomparsa lascia che la luce occupi l'intera scena.
Luogo di conservazione: museo Ordrupgaard, Danimarca; acquisito nel 1989.
45. Carl Larsson
Nel Brita al pianoforte, il volto della figlia di Larsson appare sopra un spartito. Una lampada verde dirige la sua illuminazione verso la pianista, mentre la finestra luminosa a destra contrasta con la calda lavorazione del legno di Lilla Hyttnäs, la casa di famiglia di Sundborn. Il bouquet e il tessuto verde del pianoforte estendono questo gioco di colori. La luce anima così gli oggetti di un interno abitato, anche nelle ombre del suolo.
Luogo di conservazione: collezione privata svedese, secondo la provenienza pubblicata da Uppsala Auktionskammare nel 2021; posizione attuale non specificata.
46. Harriet Backer
Nel Interno blu, una donna lavora al suo ricamo vicino a uno scrittoio in toni arancioni. La luce della finestra a destra attraversa la pianta, illumina i tessuti e unisce gli oggetti in tonalità bluastre. Lo specchio a sinistra apre una seconda profondità nella stanza. Dipinto a Parigi con l'artista Asta Nørregaard come modella, questo dipinto mostra come Backer dia alla luce il ruolo di collegare i colori di un interno.
Luogo di conservazione: Nasjonalmuseet, Oslo, Norvegia · Inv. NG.M.02582; acquisito nel 1964.
47. Frits Thaulow
La neve illumina entrambe le sponde mentre il fiume mantiene una profondità oscura. Una persona rema davanti ai riflessi degli alberi; le ondulazioni rompono le loro sagome e allungano l'immagine delle piccole case rosse sulla sponda opposta. Thaulow varia così la luce tra il bianco bluastro delle rive, la superficie grigia dell'acqua e i riflessi quasi neri del primo piano.
Luogo di conservazione: Nasjonalmuseet, Oslo, Norvegia. Inventario NG.M.01711; acquisito nel 1933.
48. Albert Bierstadt
Oltre l'accampamento Shoshone e i cavalli posti nell'ombra, una chiara cascata conduce lo sguardo verso le vette bagnate di luce. I loro toni pallidi e bluastri conferiscono un'immensa profondità alla valle. Dipinto a New York dopo la spedizione sulle Montagne Rocciose del 1859, questo panorama trasforma le osservazioni di Bierstadt in una visione idealizzata dell'Occidente. Il Met sottolinea la sua connessione con il "destino manifesto", che presentava questi territori abitati come terre da conquistare.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 07.123; Fondo Rogers, 1907.
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49. Frederic Edwin Church
La cascata bianca, i tronchi accesi e la vetta innevata punteggiano di luce un paesaggio con una fitta vegetazione. In primo piano, minuscole figure vicino a una croce danno la scala del panorama. Church riunisce qui studi effettuati in Ecuador dopo i suoi viaggi del 1853 e del 1857, ispirati ad Alexander von Humboldt: la tela combina vegetazione tropicale, valli temperate e alte montagne ghiacciate, piuttosto che riprodurre un unico punto di vista.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 09.95; eredità di Margaret E. Dows, 1909.
50. Martin Johnson Heade
Un pescatore si siede sulla riva mentre una vela bianca si stacca sull'acqua quasi nera. Sotto la massa di nuvole, una luce gialla illumina ancora le strisce di terra e il primo piano. Questo contrasto sospende il paesaggio in previsione della tempesta. Secondo il Met, Heade qui si basa su un fenomeno effettivamente osservato a Narragansett Bay, Rhode Island, da Prudence Island verso Rocky Neck.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 1975.16; dono della Fondazione Erving Wolf e dei coniugi Erving Wolf, in memoria di Diane R. Wolf, 1975.
Posizioni da 51 a 60
Atmosfere americane e solitudine moderna
Posizioni da 51 a 60
Heade, Gifford, Kensett, Inness, Hassam, Chase, Benson, Twachtman e Hopper mostrano una luce sensibile, urbana o silenziosa.
51. Sanford Robinson Gifford
Gli alberi dorati al bordo del precipizio si stagliano contro un cielo molto limpido, mentre il burrone sfuma gradualmente nei toni del grigio bluastro. La luce diffusa ammorbidisce la profondità della gola e avvicina i pendii nella stessa atmosfera. Un cacciatore e il suo cane, quasi nascosti nelle rocce in basso a sinistra, danno la scala del paesaggio. Questa vista delle Catskills mostra le due cascate delle cascate Kaaterskill in lontananza.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 30.15.62; eredità di Maria DeWitt Jesup, collezione di suo marito Morris K. Jesup, 1914.
52. John Frederick Kensett
La superficie quasi ferma del lago riflette gli isolotti boscosi e le montagne che si diradano in lontananza. In primo piano, le rocce e l'erba della riva incorniciano una grande distesa di acqua e cielo nei toni del grigio, del verde e dell'oro. Kensett usa questa tavolozza sobria per dare un'impressione di calma. La vista è presa da Homer Point verso la Montagna Nera negli Adirondacks; lascia poco visibile dello sviluppo turistico del lago nel XIX secolo.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 30.15.61; eredità di Maria DeWitt Jesup, collezione di suo marito Morris K. Jesup, 1914.
53. George Inness
Sotto un cielo pieno di nuvole, la luce attraversa il prato e fa emergere il fogliame rosso e dorato. Gli animali in primo piano rimangono in parte in ombra, mentre l'orizzonte si apre in una striscia chiara a sinistra. I contorni morbidi e le masse di colore riuniscono alberi, cielo e pascolo nella stessa atmosfera. Il Met colloca questo dipinto in un momento in cui Inness abschedana il dettaglio preciso dei suoi primi paesaggi per una pittura più espressiva, nutrita in particolare dal pensiero di Swedenborg.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 87.8.8; dono di George I. Seney, 1887.
54. Childe Hassam
Vista dall'alto, la Fifth Avenue diventa un susseguirsi di bandiere rosse, bianche e blu. Le facciate chiare e le ombre bluastre sono scomposte in tocchi visibili; tra i tessuti, piccole linee scure suggeriscono la folla in strada. La luce solare unisce così architettura e colori delle bandiere. Hassam dipinse questa celebrazione dell'alleanza tra Stati Uniti, Gran Bretagna e Francia nella primavera del 1917, dopo l'entrata americana nella prima guerra mondiale.
Luogo di conservazione: Galleria Nazionale d'Arte, Washington, Stati Uniti. Inventario 1943.9.1; dono di Ethelyn McKinney in memoria di suo fratello Glenn Ford McKinney.
55. William Merritt Chase
Un ampio sentiero grigio piega verso una donna seduta, mentre una bambina in bianco si erge vicino al muro di pietra. Il sole le illumina il vestito e cosparge il prato di macchie chiare; il vicolo ombreggiato riceve riflessi verdi dalla vegetazione. I piccoli tocchi rosa e rossi dei vestiti animano questo set di verdi. Secondo i registri del museo, Chase raffigura sua moglie e la loro figlia maggiore Alice Dieudonnée, soprannominata Cozy, a Central Park. La profondità del sentiero trasforma una passeggiata familiare in uno studio dei passaggi tra ombra e sole.
Luogo di conservazione: Collezione Carmen Thyssen, Museo Nazionale Thyssen-Bornemisza, Madrid, Spagna. Inventario CTB.1979.15.
56. Frank Weston Benson
In piedi su un pendio erboso, una giovane donna si mette una mano sulla fronte per proteggersi dal bagliore. Il suo abito bianco, sollevato dal vento, riceve tocchi di crema, rosa e azzurro pallido; queste ombre colorate danno volume al tessuto senza oscurare la scena. Mare blu profondo ed erbe dorate esaltano la lucentezza della silhouette. La modella è Eleanor, la figlia del pittore, secondo la scheda del museo. Il suo gesto fa del sole il soggetto stesso del dipinto: Benson dipinge tanto una sensazione di luce quanto un ritratto.
Luogo di conservazione: Indianapolis Museum of Art a Newfields, Indianapolis, Stati Uniti. Fondo John Herron.
57. John Henry Twachtman
Un ruscello si allarga in primo piano tra due sponde innevate. I suoi riflessi grigio bluastri si mescolano ai bianchi e ai malva del paesaggio; alcune chiome rosa e una conifera verde portano accenti discreti. I tronchi fini emergono da contorni ammorbiditi da un tocco leggero. Qui, la luce non brilla su un oggetto isolato: si diffonde in tutta la scena, portando acqua, neve e alberi insieme a piccole differenze di colore. Questa tavolozza sobria dà all'inverno un senso di calma.
Luogo di conservazione: Galleria Nazionale d'Arte, Washington, Stati Uniti. Inventario 1964.22.1; dono della Fondazione Avalon.
58. Edward Hopper
La luce elettrica gialla del ristorante contrasta con le facciate scure e si diffonde nelle zone verde pallido sul marciapiede. Dietro la grande finestra curva, tre clienti e un cameriere occupano il bancone; l'abito rosso e l'uniforme bianca saltano all'occhio tra gli abiti scuri. Le linee pulite della vetrina racchiudono questa scena in una strada vuota. Secondo l'Art Institute, Hopper si ispira a un ristorante in Greenwich Avenue, New York, ma costituisce un luogo immaginario. L'illuminazione rende visibili i personaggi accentuando la loro separazione dal mondo esterno.
Luogo di conservazione: Art Institute of Chicago, Chicago, Stati Uniti. Inventario 1942.51; Collezione degli amici dell'arte americana.
59. Georges Seurat
Un prato giallo-verde illuminato dal sole attraversa la composizione, tra la Senna bluastra e le grandi sagome poste all'ombra in primo piano. Ombrelloni, alberi e lunghe ombre scandiscono questa passeggiata domenicale. Da vicino, l'immagine è scomposta in punti e piccoli tocchi giustapposti di colore; a distanza, ricompongono le figure e le variazioni di luce. Seurat organizza questa scena basandosi su numerosi studi, con una precisione che conferisce ai personaggi un'immobilità quasi solenne. Il contrasto tra aree luminose e ombreggiate rimane costruito dal colore fino al bordo dipinto.
Luogo di conservazione: Art Institute of Chicago, Chicago, Stati Uniti. Inventario 1926.224; Collezione commemorativa di Helen Birch Bartlett.
Vedi la scheda dell'Art Institute of Chicago
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60. Paul Signac
La boa rosso-arancio in primo piano cattura l'occhio in mezzo all'acqua bluastra. Dietro di essa, le facciate chiare e il vela arancione si estendono in riflessi composti da piccoli tocchi di giallo, rosa e blu. Gli alberi sollevano sottili verticali sopra questa superficie vibrante. Il contrasto tra arancione e blu intensifica la luce del luogo senza dipendere da forti differenze in bianco e nero. Secondo il museo d'Orsay, Signac realizza il dipinto in bottega basandosi su studi tratti dalla natura: questa chiarezza mediterranea risulta da una composizione costruita con cura.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1957 12; donazione del dottor Pierre Hébert soggetta a usufrutto, 1957.
Posizioni da 61 a 70
Divisionismo, sole espressivo e simbolismo
Posizioni da 61 a 70
Seurat, Signac, Cross, Van Rysselberghe, Luce, Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Redon e Klimt fanno vibrare la luce attraverso il colore.
61. Henri-Edmond Cross
Sotto i pini le donne riposano o camminano mentre le barche a vela passano davanti alla costa. Tronchi viola e blu tagliano verticali in un paesaggio dorato; le loro ombre viola estendono lunghe forme colorate fino al suolo. I tocchi giustapposti conferiscono agli abiti, al fogliame e alla luce della sera un aspetto a mosaico. Secondo il museo d'Orsay, Cross adatta la sua tecnica a questa grande composizione con tocchi rettangolari più ampi. La morbidezza del sole che svanisce e l'equilibrio delle figure trasformano così il paesaggio mediterraneo in una scena di riposo ideale.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1976 81; donazione di Ginette Signac soggetta ad usufrutto, 1976; abschedano dell'usufrutto nel 1979.
62. Théo van Rysselberghe
Alcune barche a vela attraversano uno specchio d'acqua limpida, davanti a una costa bassa e un molo scuro in primo piano. Van Rysselberghe costruisce il cielo e il mare con una moltitudine di piccoli tocchi di giallo, blu, verde e malva. La loro giustapposizione fa vibrare la luce anche tra le nuvole; le vele e gli edifici rimangono sagome discrete nel mezzo di questa superficie luminosa. A destra, i blu più intensi del molo e il suo riflesso danno un punto di appoggio alla composizione. Il paesaggio è quindi dovuto tanto alla modulazione dei colori quanto al design del porto.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1982 16; acquisto nel 1982.
63. Maximilien Luce
Notre-Dame si affaccia su una banchina piena di passanti, commercianti e automobili. Le sue pietre rosa e dorate prendono il sole, mentre il ponte e la passeggiata assumono toni blu e malva. Luce organizza così due spazi: la silhouette monumentale della cattedrale e il movimento quotidiano della strada. I piccoli tocchi colorati fanno scintillare la facciata; una materia pittorica più corposa accompagna le sagome in primo piano. Secondo il museo d'Orsay, questo dipinto appartiene a una serie in cui Luce evolve la sua pratica neoimpressionista verso una più marcata attenzione alla vita popolare parigina.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1981 14; dono di Christian Humann, 1981.
Consulta la scheda del museo d'Orsay
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64. Vincent van Gogh
Un grande disco giallo si irradia sopra il grano, mentre un uomo semina in terra arata blu e viola. I tocchi arancioni del terreno rispondono al cielo dorato; un percorso chiaro conduce lo sguardo verso l'orizzonte. La luce diventa una forza che anima tutta la superficie, anche nei folti solchi del primo piano. Il museo Kroeller-Müller spiega che Van Gogh riprende qui il soggetto di Millet regalandogli i colori intensi del suo soggiorno ad Arles. La contemporanea presenza di semina e grano maturo evoca, secondo il museo, il ciclo della natura e della vita.
Luogo di conservazione: Museo Kroeller-Müller, Otterlo, Paesi Bassi. inventario KM 106.399.
65. Paul Gauguin
Due pavoni occupano il primo piano di un paesaggio dove un uomo lavora vicino a un piccolo incendio. Il sentiero ocra attraversa la vegetazione verde e conduce ad una casa, poi ai rilievi gialli e arancioni. Gauguin divide la luce in ampie zone colorate: i toni caldi del terreno e delle colline rispondono agli alberi scuri e agli azzurri degli uccelli. Il palma inclinata collega i diversi piani, mentre il fumo bianco crea un piccolo accento luminoso vicino al personaggio. La luce può così essere letta nell'equilibrio dei colori e nelle silhouette semplificate, piuttosto che in un'attenta successione di riflessi.
Luogo di conservazione: Museo statale di belle arti Pushkin, Mosca, Russia. Inventario Ж-3369; entrò nelle collezioni nel 1948.
66. Paul Cézanne
Un pino condivide la vista di una valle di campi verdi e ocra, attraversata dagli archi di un viadotto. In lontananza, la montagna Sainte-Victoire si staglia in toni pallidi, tra il rosa e l'azzurro. Cézanne costruisce profondità con superfici colorate: il fogliame scuro avvicina il primo piano, mentre le case chiare e la terra aperta conducono verso il rilievo. La luce collega queste forme senza cancellarne la solidità. Il Metropolitan Museum colloca il belvedere nei pressi di Montbriand, proprietà della sorella del pittore; il suo scheda sottolinea la ricerca della geometria nel paesaggio, al di là dell'immediata impressione luminosa.
Luogo di conservazione: Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 29.100.64; Collezione H. O. Havemeyer, lascito della signora H. O. Havemeyer, 1929.
Consulta la scheda per Metropolitan Museum of Art
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67. Odilon Redon
Cavalli leggeri appaiono in un cielo azzurro, collegati a un carro rosso che sembra fluttuare tra le nuvole. Rose, malva e gialli dorati si mescolano senza disegnare un orizzonte terreno. Questa luce diffusa conferisce al soggetto mitologico l'aspetto di un'apparizione: le figure rimangono leggibili, ma lo spazio attorno ad esse si dissolve nel colore. Il Metropolitan Museum precisa che Redon ha deliberatamente escluso qualsiasi terreno in questa versione. Il pittore prende i cavalli del sole e il loro conducente in numerose opere; qui, il movimento della tiro dei cavalli trasforma il cielo in uno spazio immaginario senza limiti.
Luogo di conservazione: Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Inventario 27.29; donazione anonima, 1927.
68. Gustav Klimt
Una coppia abbracciata si staglia su uno sfondo dorato, ai margini di un prato ricoperto di fiori. I rettangoli bianchi e neri del cappotto dell'uomo rispondono alle forme arrotondate e colorate dell'abbigliamento della donna. I volti e le mani conservano la loro forma, mentre i corpi si fondono in una busta di ornamenti. La luce qui è dovuta al materiale stesso del dipinto: la scheda del Belvedere distingue diversi metalli utilizzati nelle figure e nello sfondo. I loro bagliori uniscono la scena e donano al gesto del bacio una presenza sospesa, al di fuori di un paesaggio ordinario.
Luogo di conservazione: Belvedere, Vienna, Austria. Inventario 912; acquisito per la Moderne Galerie nel 1908.
69. Egon Schiele
Tronchi sottili e rami nudi attraversano un paesaggio costruito a fasce orizzontali. Sullo sfondo, le montagne rosa e viola si stagliano su un cielo pallido; in primo piano, verdi ovattati e blu profondi assorbono la luce. Piccoli tocchi gialli punteggiano questa terra scura. Schiele fa sentire il passaggio dal giorno alla notte a questo contrasto tra l'orizzonte ancora luminoso e le forme che sfumano nell'ombra. Il Museo Leopold interpreta il sole ricorrente nei suoi paesaggi come un segno del ciclo della vita.
Luogo di conservazione: Museo Leopold, Vienna, Austria. Inventario 625; ha contribuito al Museo Leopold-Privatstiftung nel 1994.
70. Ferdinand Hodler
Grandi nubi bianche occupano la sommità del cielo, mentre i loro riflessi formano bande chiare sul lago. Le montagne lontane delineano un orizzonte azzurro tra queste due distese luminose. In primo piano, un prato dorato e pochi alberi scuri incorniciano l'acqua turchese; la sponda curva a destra conferisce la sua profondità alla baia. Hodler organizza così la luce attraverso la ripetizione delle forme e le relazioni tra blu, verde e bianco. La scheda del Kunstmuseum Basel colloca questo dipinto del 1905 in una serie di tredici versioni e varianti della vista da Chexbres.
Luogo di conservazione: Kunstmuseum Basilea, Basilea, Svizzera. Inventario 290; acquisto con i mezzi dei Birmann-Fond.
Consulta la scheda del Kunstmuseum Basel
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Posizioni da 71 a 80
Alpi, Nabis, Fauves e luce decorativa
Posizioni da 71 a 80
Schiele, Hodler, Segantini, Vallotton, Bonnard, Vuillard, Denis, Matisse, Derain e Vlaminck trasformano la luce in una superficie espressiva.
71. Giovanni Segantini
Una pastorella in abito azzurro sta in un pascolo, il suo bastone appoggiato a terra e la mano alzata al cappello. Dietro di lei pascolano le pecore ai piedi delle cime innevate. Il cielo blu intenso e le creste bianche conferiscono alla scena la sua chiarezza; l'ombra proiettata della giovane sottolinea la forza del sole. Nell'erba, nella lana e nelle rocce, i fini tocchi giustapposti fanno vibrare la superficie. La luce alpina si traduce così nel colore e nella trama della pittura, fino ai dettagli del primo piano.
Luogo di conservazione: Museo Segantini, St. Moritz, Svizzera; deposito della Fondazione Otto Fischbacher Giovanni Segantini.
72. Felix Vallotton
Visto dall'alto, un bambino corre verso una palla rossa su una corsia libera. Il suo abbigliamento bianco e il cappello giallo saltano all'occhio in mezzo alla grande zona ocra, mentre la sua ombra ne accompagna il corso. Il fogliame scuro e le sue ombre ritagliano il bordo dello spazio illuminato. Due piccole silhouette, sullo sfondo a sinistra, accentuano la differenza di scala. La luce non dissolve le forme: si oppone alle superfici chiare e conferisce al gioco una composizione molto costruita. La scheda d'Orsay evidenzia questa tensione tra la profondità suggerita dalle figure e l'aspetto quasi piatto dello spazio.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1977 353 (AM 3203); eredità Carle Dreyfus, 1953.
73. Pierre Bonnard
Un tavolo coperto da una leggera tovaglia occupa il primo piano, davanti a una porta e una finestra che si apre sul giardino. Le pareti arancioni rispondono all'abbigliamento rosso di Marthe, affacciata fuori dalla finestra; tra la stanza e il paesaggio circolano azzurri e malva. Sui sedili si possono vedere due gatti. Bonnard collega questi spazi attraverso i colori piuttosto che una netta separazione tra esterno e interno. Il Museo di Minneapolis identifica la sala da pranzo di Ma Roulotte, la sua casa a Vernonnet, e sottolinea il ruolo delle relative tonalità in questa continuità luminosa.
Luogo di conservazione: Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, Stati Uniti. Inventario 54.15; acquisto nel 1954, The John R. Van Derlip Fund.
74. Édouard Vuillard
Il pavimento beige si estende da un pannello all'altro, sotto un cielo bluastro e fogliame verde. I bambini si spostano a sinistra, le donne conversano al centro e un parasole rosso scandisce la destra. I tocchi luminosi sparsi sul corridoio conferiscono alla luce la forma di un motivo. Commissionati da Alexandre Natanson, questi tre pannelli appartengono ad una decorazione di nove composizioni. Il museo d'Orsay mette in evidenza la loro continuità luminosa e l'aspetto opaco del dipinto a colla, che avvicina questa scena all'aperto a un affresco.
Luogo di conservazione: Museo d'Orsay, Parigi, Francia. Inventario RF 1977 365; acquisto in vendita pubblica nel 1929.
75. Maurice Denis
Luna dorata domina cortile incorniciato da alberi spogli. Edifici gialli, cieli turchesi e lenzuola chiare sono organizzati in semplici superfici attorno a una donna vestita di nero. La luce notturna trasforma questo compito domestico in una scena silenziosa: i bianchi della biancheria rispondono al disco luminoso, mentre le ombre assumono toni verdi e marroni. Secondo il Cleveland Museum, la donna stende le lenzuola per sbiancarle al chiaro di luna. Il cortile appartiene all'antico priorato acquistato da Denis nel 1914.
Luogo di conservazione: Cleveland Museum of Art, Cleveland, Stati Uniti. Inventario 2020.109; donazione dalla collezione Nancy F. e Joseph P. Keithley.
76. Henri Matisse
Una striscia verde attraversa la fronte e il naso di Amélie Matisse, separando due zone del viso: gialla a sinistra, rosa a destra. I capelli blu scuro rispondono allo sfondo turchese, mentre gli abiti rosa sono vicini a un arancione piatto. Matisse costruisce così rilievo e chiarezza attraverso relazioni di colore che si allontanano dalla carnagione naturale. Le pennellate rimangono visibili, senza cancellare la presenza del modello. La SMK sottolinea la forza espressiva di questi contrasti in questo piccolo ritratto della moglie del pittore.
Luogo di conservazione: Statens Museum for Kunst (SMK), Copenaghen, Danimarca. Inventario KMSR171.
77. André Derain
Il Tamigi assume tonalità gialle, verdi e blu sotto un cielo composto da grandi tocchi. Il Big Ben e gli edifici sulla sponda opposta rimangono sagome blu ben tagliate; in primo piano, un lampione scuro e due camminatori accompagnano la diagonale della banchina. Derain traduce la luce londinese attraverso l'intensità e la vicinanza dei colori. La scheda di Christie individua questa vista dall'Albert Embankment e distingue le sue pennellate ampie dalle piccole pennellate divisioniste presenti in altri dipinti della sua serie londinese.
Luogo di conservazione: Collezione privata documentata nel catalogo Christie's del 27 febbraio 2018, lotto 30. Posizione attuale non specificata da questa fonte.
Consulta la scheda del catalogo Christie's
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Una strada a Marly-le-Roi
Maurice de Vlaminck, 1905-1906 circa
78. Maurice de Vlaminck
Una strada ocra si allarga verso il primo piano, davanti a facciate rosse e verdi con finestre blu. A destra, un albero giallo e verde attraversa la composizione; alcune sagome scure segnano la profondità della strada. La chiarezza nasce dal contrasto tra questi colori audaci, piuttosto che da una progressiva modellazione delle ombre. Il Centre Pompidou collega questa intensità cromatica alla scoperta di Van Gogh e alla ricerca fauve di Vlaminck. La strada diventa qui un grande manto luminoso che ravviva il paesaggio urbano.
Luogo di conservazione: Museo Nazionale d'Arte Moderna - Centre Pompidou, Parigi, Francia. Inventario AM 2674 P; acquistato nel 1947. Prestito annunciato al Museo H'ART di Amsterdam per la mostra Da Matisse, dal 3 ottobre 2026 al 14 febbraio 2027.
79. Raoul Dufy
L'azzurro riunisce il mare e il cielo attorno a una passeggiata curva. Palme snelle attraversano questo spazio, mentre i passanti e le carrozze trainate da cavalli sono indicati da linee scure. Qualche accento giallo scalda le panchine, le ruote e un edificio in riva all'acqua. Il design conserva la sua leggerezza in grandi campiture colorate: questa vista fa sentire la chiarezza di Nizza attraverso l'apertura dello spazio e la semplicità dei contrasti. L'immagine mostrata è una stampa successiva a Dufy, identificata come rotocalco nel catalogo Lempertz.
Posizione della copia: Non attualmente specificato. Copia documentata presso Lempertz, Colonia, vendita del 28 novembre 2014, lotto 293.
80. Albert Marquet
Una vasta superficie di acqua verde pallido apre la vista tra una barca scura in primo piano e le banchine ocra sulla destra. Piccole imbarcazioni attraversano questa calma conca; le facciate della sponda opposta si estendono in riflessi verdi. Sopra gli edifici, la collina di Notre-Dame-de-la-Garde sfuma in un'atmosfera grigia. Il marquet suggerisce chiarezza attraverso gli spazi tra l'acqua luminosa, le sagome delle barche e la città ovattata. Questa luce diffusa conferisce al porto un'unità pacifica, senza moltiplicare i dettagli.
Luogo di conservazione: Museo d'arte Ohara, Kurashiki, Giappone.
Posizioni da 81 a 90
Porti, simultaneità, astrazione e campi colorati
Posizioni da 81 a 90
Dufy, Marquet, Delaunay, Kandinsky, Klee, Feininger, O'Keeffe, de Staël, Rothko e Newman aprono la luce verso l'astrazione.
Maria, 1907-1910
81. Kees van Dongen
In questo ritratto, il viso e il collo chiari si stagliano contro i capelli scuri e un vestito rosso. Gli occhi grandi e fortemente enfatizzati conferiscono allo sguardo una presenza diretta. Il colore, applicato in grandi tocchi leggermente mescolati, costruisce contrasti più di un modellato discreto. Il Met avvicina questa intensità al fauvismo e all'espressionismo. La chiarezza del volto sembra quindi derivare dalla sua opposizione ai toni profondi che lo circondano; le istruzioni non specificano le condizioni di illuminazione del modello.
Luogo di conservazione: Il Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Collezione Robert Lehman, 1975; inventario 1975.1.230.
82. Robert Delaunay
Un sole bianco domina il paesaggio, circondato da anelli fatti di tocchi di rosa, viola, verde e giallo. Sotto questo splendore, i fiori e il fogliame in primo piano rimangono riconoscibili, nonostante la loro costruzione in tocchi colorati. Delaunay trasforma così il modello solare in un'esperienza di colore: i contrasti che circondano il centro della luce producono un'impressione di vibrazione. Secondo il Centre Pompidou, questa ricerca annuncia le forme circolari del 1913. Il dipinto del 1906 appartiene ancora al paesaggio, mentre prepara il passaggio all'astrazione.
Collezione: Centre Pompidou, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi, Francia. Donazione di Sonia e Charles Delaunay, 1964; inventario AM 4074 P (V). Il scheda annuncia un prestito al Museo H'ART, Amsterdam, per "Chez Matisse", dal 3 ottobre 2026 al 14 febbraio 2027.
Prismi elettrici (colori simultanei), 1914
83. Sonia Delaunay
Con Prismi elettrici, Sonia Delaunay traspone gli effetti dell'illuminazione moderna in una composizione di dischi e anelli colorati. Il Centre Pompidou evidenzia il ruolo dei contrasti tra colori primari e secondari: la loro vicinanza produce una sensazione di brillantezza e movimento. Un elemento testuale si riferisce a Blaise Cendrars e La prosa della ferrovia transiberiana, che l'artista aveva illustrato. La luce elettrica e il ritmo del treno si fondono così in un quadro dove il colore organizza tutta la superficie, senza ricorrere ad una prospettiva tradizionale.
Collezione: Centre Pompidou, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi, Francia. Acquisto e assegnazione statale, 1958; inventario AM 3606 P. La scheda annuncia un prestito al Centre Pompidou Hanwha Seoul per "The Cubists: Inventing Modern Vision", dal 28 maggio al 4 ottobre 2026.
84. Wassily Kandinsky
Grandi diagonali gialle, blu, rosse, viola, arancioni e verdi attraversano il fondo. Di fronte a loro fluttuano cerchi luminosi, piccole scacchiere e forme curve, tra cui una grande silhouette scura al centro. I motivi appaiono liberi, mentre le bande oblique danno al tutto la sua direzione. La sensazione di luce deriva dagli spazi tra questi colori e gli accenti pallidi che scandiscono le forme scure. Dipinta durante il periodo parigino di Kandinsky, questa composizione combina geometria e forme che evocano la vita.
Collezione: Centre Pompidou, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi, Francia. Acquisto e assegnazione statale, 1939; inventario JP 890 BIS P. Il scheda annuncia un prestito a Palazzo Bonaparte, Roma, per la mostra "Kandinsky", dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027.
85. Paul Klee
Il viso assume la forma di un disco condiviso in superfici rosa, gialle e bianche, su sfondo ocra. Due occhi rossi, leggermente sfalsati e un sopracciglio ricurvo sono sufficienti per dargli un'espressione. Le zone chiare della fronte e del mento illuminano questa testa, mentre la consistenza visibile della vernice evita una geometria troppo liscia. Klee crea così una presenza umana da forme semplici e relazioni cromatiche. Realizzato durante i suoi anni al Bauhaus, questo ritratto porta un titolo che il museo paragona al nome botanico dell'erba tossica comune.
Luogo di conservazione: Kunstmuseum Basilea, Basilea, Svizzera. Acquisizione nel 1931 da Günther e Sophie Franke.
Guarda l'opera tra i pezzi principali del Kunstmuseum Basel
86. Lyonel Feininger
La guglia scura della chiesa si erge tra piani color crema, verdi e grigi che dividono il cielo e gli edifici. Le diagonali estendono i bordi dei tetti e fanno circolare lo sguardo tra l'architettura e lo spazio che la circonda. Un piccolo quadrato verde accentua il cuore scuro della composizione. La luce sembra passare attraverso queste sfaccettature, senza seguire uno schema naturale continuo. Feininger conserva un motivo identificabile, la chiesa di Gelmeroda, mentre trasforma la sua presenza in un insieme di superfici e contrasti.
Luogo di conservazione: Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Stati Uniti. Inventario 54.1410.
Cranio bovide: rosso, bianco e blu, 1931.
87. Georgia O'Keeffe
O'Keeffe isola un cranio sbiancato e ne fa risaltare i contorni irregolari, la superficie usurata e l'osso pallido. Lo sfondo tricolore conferisce a questo pattern naturale una presenza quasi iconica. Secondo il Metropolitan Museum of Art, queste ossa evocano per l'artista la bellezza duratura del deserto e la forza dello spirito americano. La luce arriva qui attraverso il contrasto tra il colore chiaro del cranio e le bande nella parte inferiore, piuttosto che attraverso una vista del paesaggio. Dopo i suoi soggiorni nel Nuovo Messico, iniziati nel 1929, O'Keeffe trasformò un elemento raccolto nella natura in un'immagine monumentale.
Luogo di conservazione: Metropolitan Museum of Art, New York, Stati Uniti. Collezione Alfred Stieglitz, 1952; inventario 52.203.
Parco dei Principi (I grandi calciatori), 1952.
88. Nicolas de Staël
Nel Parco dei Principi (I grandi calciatori), Nicolas de Staël trasforma una partita di calcio in vasti blocchi di colore. Bianchi brillanti, blu, verdi e rossi si distinguono dal nero e conferiscono ai giocatori una presenza quasi astratta. La scheda di Christie lega questo dipinto alla partita Francia-Svezia a cui l'artista assistette il 26 marzo 1952: i colori dello stadio illuminato alimentarono una serie di dipinti. Questo grande formato, largo più di tre metri, condensa il movimento dei corpi e l'intensità della luce notturna senza rinunciare al riconoscimento del soggetto.
Provenienza documentata: Collezione privata della famiglia dell'artista, secondo l'scheda di vendita di Christie del 2019. Posizione attuale non specificata.
N. 10, 1950.
89. Mark Rothko
In questa grande tela verticale, Rothko organizza tre zone orizzontali i cui bordi si fondono dolcemente. Il giallo caldo incontra il blu, il bianco e il grigio più freddo. Secondo il MoMA, questo contrasto conferisce al campo colorato una pulsazione discreta: i colori caldi sembrano avanzare, mentre i toni freddi sembrano ritirarsi. Da queste relazioni nasce la sensazione della luce, senza oggetti o sorgenti luminose rappresentate. Rothko voleva che lo spettatore guardasse da vicino il dipinto, in modo che i colori occupassero il suo campo visivo e promuovessero un'esperienza emotiva.
Luogo di conservazione: Museum of Modern Art (MoMA), New York, Stati Uniti. Dono di Philip Johnson; inventario 38.1952.
Onement I, 1948.
90. Barnett Newman
Un campo rosso scuro è attraversato da una fascia verticale più chiara, spessa e irregolare. Questa fascia, che Newman chiamerà "zip", crea una tensione tra divisione e continuità della superficie. Secondo il MoMA, l'artista lo ha dipinto con una spatola su nastro adesivo, che alla fine ha conservato. La chiarezza di questa linea non descrive alcuna illuminazione naturale: agisce in contrasto con lo sfondo e dà struttura allo spazio pittorico. Nonostante le sue modeste dimensioni, Onement I costituisce un passo decisivo per Newman, le cui possibilità svilupperà nei suoi ampi campi di colore.
Luogo di conservazione: Museum of Modern Art (MoMA), New York, Stati Uniti. Dono di Annalee Newman; inventario 390.1992.
Posizioni da 91 a 100
Luce contemporanea, ottica e immersiva
Posizioni da 91 a 100
Frankenthaler, Martin, Soulages, Klein, Turrell, Hockney, Richter, Kiefer, Riley ed Eliasson rendono la luce un'esperienza fisica e mentale.
Montagne e Mare, 1952.
Vedere il lavoro sul sito della Fondazione Helen Frankenthaler
91. Helen Frankenthaler
Dopo un viaggio a Cape Breton, in Nuova Scozia, Frankenthaler dipinse questa vasta composizione che evoca un paesaggio senza fissarne i contorni. Secondo la National Gallery of Art, il bordo verde chiaro e i passaggi blu potrebbero ricordare una costa rocciosa e l'acqua atlantica. L'artista versa su una tela grezza, appoggiata a terra, una pittura a olio molto diluita: il colore penetra nelle fibre invece di formare solo uno strato sulla superficie. Le aree trasparenti e le parti lasciate aperte conferiscono allo spazio una chiarezza diffusa. La tela stessa contribuisce così alla sensazione di luce.
Luogo di presentazione: National Gallery of Art, Washington, Stati Uniti, in prestito a lungo termine, secondo la Fondazione Helen Frankenthaler.
Consulta la scheda della Fondazione Helen Frankenthaler · Leggi l'analisi della National Gallery of Art
L'albero, 1964.
92. Agnes Martin
Sottili linee verticali e bande orizzontali leggermente ombreggiate costituiscono una griglia su questo grande quadrato. Secondo il MoMA, la regolarità della rete rimane attraversata dalle piccole fluttuazioni della linea tracciata. Martin lavora in piedi e guida la sua mano con un righello di metallo, senza cancellare queste variazioni. La sensazione di chiarezza nasce dalla delicatezza dei valori e dal ritmo della superficie. Il titolo, che significa "L'Albero", non designa un albero rappresentato: Martin associava la griglia a un'idea di innocenza e cercava di esprimere un'esperienza interiore piuttosto che descrivere la natura.
Luogo di conservazione: Museum of Modern Art (MoMA), New York, Stati Uniti. Fondo della Fondazione Larry Aldrich; inventario 5.1965.
Dipinto 162×127 cm, 14 aprile 1979, 1979.
93. Pierre Soulages
Nel Dipinto 162×127 cm, 14 aprile 1979, il nero diventa una superficie che accoglie e riflette la luce. Passaggi relativamente lisci coesistono con striature strette: i loro rilievi rivelano riflessi grigi o argentati, mentre gli incavi rimangono più scuri. Lo sguardo scopre così differenze di luminosità all'interno dello stesso colore. Questo dipinto ci invita ad osservare la materia e l'illuminazione vera e propria piuttosto che un sole o una lampada rappresentati. Appartiene alle collezioni del museo Fabre grazie ad una donazione di Pierre e Colette Soulages nel 2005.
Luogo di conservazione: Museo Fabre, Montpellier, Francia · Inv. 2005.12.14 · Don Pierre e Colette Soulages, 2005.
IKB79, 1959.
94. Yves Klein
Con IKB79, Yves Klein fa del blu l'intero soggetto del dipinto. Il campo colorato non contiene alcuna figura, orizzonte o ombra che descriva un oggetto: la sua intensità e consistenza conferiscono alla superficie profondità visiva. La tela, montata su un pannello di compensato, ha un colore denso che può evocare un materiale vellutato. L'esperienza della luce qui comporta la presenza del blu e la percezione dello spettatore. Datata 1959, l'opera fu acquisita dalla Tate nel 1972.
Luogo di conservazione: Collezione Tate, Regno Unito · Rif. T01513 · Acquisto, 1972.
Afrum I (Bianco), 1967.
95. James Turrell
Nel Afrum I (Bianco), un cubo di luce sembra fluttuare nell'angolo di una stanza. Il Guggenheim spiega che questo volume apparente nasce da due superfici piane di luce proiettata. Muovendosi, il visitatore può sperimentare il divario tra ciò che pensa di vedere e lo spazio reale. Turrell lavora qui direttamente con la luce e l'architettura: quest'opera del 1967 è un'installazione, non un dipinto su tela. Amplia il tema di questo articolo alla percezione della luce stessa, con dimensioni che variano a seconda dell'installazione.
Luogo di conservazione: Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Stati Uniti · Collezione Panza, donazione, 1992 · Inv. 92.4175.
Uno Splash più grande, 1967.
96. David Hockney
Nel Uno Splash più grande, il trampolino giallo attraversa il primo piano in diagonale, davanti a una piscina turchese e una casa con linee orizzontali. Uno spruzzo di acqua limpida segnala l'immersione di un nuotatore che non si vede più. I colori decisi e i contorni netti rendono la luce californiana sensibile. Le grandi aree colorate sono state dipinte con un rullo, poi i dettagli aggiunti con un piccolo pennello, secondo la Tate. Questa paziente costruzione imposta un evento molto breve: lo splash anima un paesaggio quasi immobile, tra riflessi della vetrata, cielo azzurro e superficie dell'acqua.
Luogo di conservazione: Tate Collection, Regno Unito · Acquisto, 1981 · Rif. T03254.
Kerze n° 511/1 (Candela), 1982.
97. Gerhard Richter
Nel Kerze n° 511/1, una candela accesa diventa il soggetto di un dipinto realizzato da una fotografia. La luce è dovuta alla fragile presenza di questa fiamma e al tempo suggerito dalla candela accesa. L'scheda dell'Istituto d'Arte Contemporanea lega l'opera ai "foto-dipinti" di Richter: il passaggio dalla fotografia alla tela mette in discussione il nostro rapporto con la rappresentazione. L'istituzione la vede anche come vanità, un ricordo del passare del tempo e della finitezza umana. Questo dipinto del 1982 unisce così precisione del motivo, contemplazione e consapevolezza della sua scomparsa.
Collezione: Istituto d'Arte Contemporanea, Villeurbanne/Rodano-Alpi, Francia · Inv. 84.047.
98. Anselm Kiefer
Nel Athanor, un uomo nudo, identificato dal Louvre come un autoritratto di Kiefer, riposa nella parte inferiore della composizione. Sopra di lui, una superficie vasta, scura e ruvida evoca una volta costellata. Dal nero emergono lampi di luce, mentre la terra mescola grigi e ocra. Il titolo designa il forno degli alchimisti e le iscrizioni nigredo, albedo e rubedo fare riferimento al loro vocabolario. Commissionata per il Louvre nel 2007, quest'opera combina la luce con le trasformazioni della materia, con piombo, argento e oro tra i suoi materiali.
Luogo di conservazione: Museo del Louvre, Dipartimento di Pittura, Parigi, Francia · Inv. 20902 · Ordine completato nel 2007.
Nataraja, 1993.
99. Bridget Riley
Nel Nataraja, Bridget Riley divide la superficie per direzioni verticali e diagonali che moltiplicano le piccole aree colorate. Le loro connessioni, i loro contrasti e le loro proporzioni creano un ritmo visivo intenso: la luce sembra nascere dalle relazioni tra i colori. Secondo Tate, l'artista prepara la composizione con la tempera su carta prima di trasferirla su tela con l'aiuto di assistenti. Il titolo evoca Shiva come signore della danza e mette in risalto i giochi di ritmo e controritmo. Questo dipinto del 1993 offre un'esperienza luminosa interamente costruita dal colore e dalla percezione.
Collezione: Tate, Regno Unito · Rif. T06859 · Acquisto, 1994.
Il progetto meteo, 2003.
100. Olafur Eliasson
Per Il progetto meteo, Olafur Eliasson ha trasformato la Turbine Hall della Tate Modern in un paesaggio luminoso interno. Uno schermo semicircolare, illuminato da circa duecento lampade a singola frequenza, si rifletteva in un soffitto di specchi e formava l'immagine di un intero sole. Una nebbia artificiale avvolgeva questa stella e lo spazio occupato dai visitatori. Il dispositivo ha permesso anche di scoprire come è stata costruita l'illusione. Questa installazione pensata per il luogo nel 2003 estende il tema della luce oltre la pittura: lo spettatore entra fisicamente in un'atmosfera creata dall'artista.
Luogo storico di presentazione: Turbine Hall, Tate Modern, Londra, Regno Unito, 2003.
Come sono stati selezionati i 100 artisti
Da dove cominciare?
Per il chiaroscuro, iniziate con Caravaggio, La Tour, Rembrandt e Vermeer. Per il paesaggio luminoso, guarda Claude Lorrain, Friedrich, Constable, Turner, Corot e Daubigny.
Per i riflessi e la luce moderna, proseguite con Monet, Sisley, Caillebotte, Whistler, Sorolla, Seurat, Signac e Bonnard. Per una lettura più astratta, vai su Delaunay, Kandinsky, Klee, de Staël, Rothko, Soulages, Turrell e Riley.
Vedere la luce è vedere la pittura pensare
Questi cento artisti mostrano che la luce può essere storia, materiale, colore, ritmo o pura sensazione. Drammatizza, lenisce, taglia, dissolve, riscalda, acceca o rivela.
Dal chiaroscuro all'outrenoir, dai riflessi di Venezia alle ninfee di Monet, dal sole di Sorolla ai campi colorati di Rothko, la luce rimane uno dei più grandi motori della storia della pittura.
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